SALVADOS DEL NAUFRAGIO

"ALMOHADA SIN HUELLAS" DE DESIREE MARÍN SEVILLA, PREMIO "JORGE CARRERA ANDRADE" 2010

2010-12-26T09:37:00.000-08:00

PRESENTACIÓN LIBRO DE DESIRÉE MARÍN SEVILLA

Xavier Oquendo Troncoso

Todo editor es una suerte de ginecólogo, porque nunca ningún libro y ningún hijo nacen de igual forma. Todo parto es distinto. Los instrumentos prenatales para la concepción de estos hijos de palabras y papel son distintos. Todo editor y todo ginecólogo se enfrenta con un paciente distinto, con una madre o un padre peculiar que buscan en su hijo la perfección. El editor y el autor salen bien librados si el parto es bien librado. Así fuere por parto natural o por cesárea.

Aquí estamos pues, con un nuevo hijo hecho con la paciencia y con el tino del tiempo. Se lo presentamos a todos ustedes. No recuerdo si fueron 9 meses o un poco más, pero lo que recuerdo es como la madre comenzó a desesperarse. Como el ginecólogo-editor se vistió de punto en blanco y se puso los guantes antisépticos para que el libro salga impecable, para que el cordón umbilical tenga el corte preciso y el niño-libro pueda respirar en su nueva atmósfera, en donde ya los hijos dejan de ser parte de la madre y pasan a ser hijos del mundo.

Ya lo dice Kahlil Gibrán en su bello poema:

Tus hijos no son tus hijos
son hijos e hijas de la vida
deseosa de sí misma.
No vienen de ti, sino a través de ti
y aunque estén contigo
no te pertenecen.

Puedes darles tu amor,
pero no tus pensamientos, pues,
ellos tienen sus propios pensamientos.
Puedes abrigar sus cuerpos,
pero no sus almas, porque ellas,
viven en la casa del mañana,
que no puedes visitar
ni siquiera en sueños.

Puedes esforzarte en ser como ellos,
pero no procures hacerlos semejantes a ti
porque la vida no retrocede,
ni se detiene en el ayer.

Tú eres el arco del cual, tus hijos
como flechas vivas son lanzados.
Deja que la inclinación
en tu mano de arquero
sea para la felicidad.

Yo parafrasearía el poema de Gibrán y se lo dedicaría a Desirée así:

Tu libro no es tu libro
es un libro de poemas de la vida
deseosa de sí misma.
No viene de ti, sino a través de ti
y aunque esté contigo
no te pertenece…

Imagino también a Pirandello gozando con esta propuesta: quitarle al autor el gusto por poseer su escritura y que sus personajes (o en este caso sus poemas) dejen de pertenecerlo y pasen a ser hijos ilegítimos del mundo, de ese único padre estricto que es el lector mediático y que luego ese lector pasará a ser el tiempo. Porque solo el tiempo y las aguas. Solo el Cronos del mundo pasará a ser único padre del libro que escribe el país, que escribe el idioma, que escribe el mundo.

Es un placer haber sido partícipe de este libro de Desirée Marín Sevilla, "Almohada sin huella". Un libro que le ha costado a su autora un montón de dolores, un montón de ecosonogramas por las zonas más intrínsecas de su cerebro y de su corazón.

Pero aquí está Desirée completa, intacta, como que nada ha pasado. Como que la expulsión de su fruto, el pujo total de su molestia la ha liberado. Ella lo sabe, porque todos sabemos que trabaja con la mente y el dolor: ella es sicóloga. El psicólogo y el poeta se parecen en eso. Las palabras liberan, las palabras son las que permiten la limpieza total. Razón tenía alguna vez una amiga sicóloga en decir que los poetas no deberían visitar nunca a un sicólogo, porque tienen uno, incorporado a su razón y a su pasión. Entonces allí cabría pensar en por qué tanto poeta visita al sicólogo y al siquiatra. Pues la respuesta la tendría Nietzsche que nos decía que "el poeta miente demasiado" y Pessoa, aún más, cuando afirmaba que "el poeta es un fingidor". Lo decían ellos que habían oxigenado al monstruo de su cuerpo y al diablo de su alma en las palabras y en los sonidos.

Desirée llegó a mi casa una noche, Acompañada de mi amiga, la poeta Maríaluz Albuja, que ahora apadrina (aunque cabría decir, con eso del no machismo del lenguaje, que amadrina) el libro que esta noche presentamos y que la escribió Desirée Marín la misma que, a decir de su poesía, aloja su cabeza cansada en una almohada con huellas, y que, solo luego del poema, su almohada ha pasado a ese estado níveo de lo intacto.

Marialuz Albuja y Desirée Marín habían compartido horas y horas de trabajo en esa tarea hermosa que se conoce con el nombre de taller: y que no es más (y tampoco menos) que talar y tallar al texto, como diría Miguel Donoso Pareja, hasta que las palabras se vuelvan invulnerables al poeta y a su amanuense. Que de las palabras quede solo la chispa de las piedras y no las piedras como suele decirnos Raúl Pérez Torres, que solo quede la atmósfera que deja el cuadro de las Meninas y no el cuadro, como decía Dalí. Eso es la poesía. Y por eso es difícil, y por eso el acto de escribir poesía es un acto del misterio como decía Octavio Paz, aunque no siempre es así. Por ejemplo, para Paco Tobar escribir poesía era un ejercicio de necesidad y no de corrección. Es decir nada está escrito en la poesía.

Lo que más me gusta de este libro es el discurso pronunciado, un discurso dicho, es un libro que dice. Esto lo digo porque ahora está de moda decir que existe una poesía que no dice. A la que han llamado "Poesía del silencio". Y está de moda en nuestra joven poesía. Y dicen que es "nuevita", aunque ya Juarroz y Valente nos habló de ella hace muchos años.

A mí me gusta la poesía decidora, no esa poesía sujeta a lo no dicho. Y peor aún a lo no concebido, a lo críptico, a lo oscuro. Esos poetas deberían ocupar diariamente las salas de los sicólogos, porque su poesía no sirve como exorcismo sino como artificio.

Por eso me gusta publicar estos libros que se lanzan de bruces, que ocupan un espacio en la vida del autor y que nos hacen sentir que todos nos parecemos un poco. Es bueno encontrarse con un verso, con uno solo, que nos haga decir "me habría gustado escribir esto".

Desirée es tímida, me ha dicho que no quiere hablar en público. Y llegó a decirme, inclusive, en mitad del parto que no quería que nazca el libro, ya cuando la sala de partos estaba lista y el ginecólogo dispuesto. Luego me dijo que no quería presentarlo, que le tenía miedo. Que salga él solo, que se vaya al orfanato del olvido –las palabras son mías, pero la intención era de Desirée-. Me lo dijo en serio. Tuve que convencerle que lo haga, que saque su poesía al público. Le recordé una frase que repetía Jorge Enrique Adoum y que en el contexto es muy decidora: "solo los locos hablan solos". Lo decía suponiendo la existencia de esos poetas que escriben para sí. Pero si lo hacen para sí, entonces por qué enseñar sus textos en un taller, por qué quererlos expulsar. Si la habría hecho caso ustedes y yo nos quedábamos con los churos hechos.

Considero que lo que tiene miedo Desirée es a exponerse. Es decir le tuvo miedo a su poesía, porque ella camina sola, llega hasta cerca de ella y cuando está en su delante, quiere sacarle la ropa, golpearle la espalda, dejarla allí en el piso, mientras su poesía sale feliz a la calle a contemplar amaneceres.

Por eso la poesía es comúnmente llamada "hija" del autor, porque es parricida, en este caso sería "matricida". Otra vez Pirandello sintiéndose agredido de sus personajes.

En fin, queridos amigos, El libro de Desirée Marín está expuesto en sus poemas. Marialuz Albuja y Galo Mora Witt son los padrinos de su primer libro. ¡Qué suerte tienes Desirée! Qué bueno que no hicimos caso a tus intenciones.

Ahora solo nos resta recibir del libro y leerlo. Y solo a él, ya no de ti. Tú ya hiciste lo que tenías que hacer y el cordón umbilical está muy bien cortado.

Ni más ni menos.

Entrevista a Xavier Oquendo Troncoso por Marío Melendez

2010-07-13T08:14:00.000-07:00

Nacido en Ambato, Ecuador, en 1972, este autor es, sin duda, una de las figuras más sobresalientes que ha dado su país en los últimos años. Su trabajo de creador, ensayista, antologador, docente, etc, ha venido a enriquecer el acervo literario de un país que tiene en Euler Granda y Jorge Enrique Adoum sus máximos referentes.

-Has realizado una notable labor de divulgación publicando a poetas y narradores jóvenes de tu país ¿Crees que esa apuesta ya se refleja en algunos nombres con proyectos de obra y apuestas definidas?

Estoy seguro de ello. Lo que sucede es que el Ecuador es uno de los países de Latinoamérica que no ha logrado derrotar al enemigo que duerme y vive con uno mismo, que precisamente es el mismo ecuatoriano. El Ecuador no ha podido salir de sus linderos y si alguien sale, la gente lo persigue, lo acosa, le pone trabas, lo desacredita. Es un síntoma provinciano en América Latina. Por otra parte los otros países de América se han acostumbrado a que Ecuador no exista, a pasar de Colombia a Perú en el mapa y borrarnos de la tradición literaria, pese a haber tenido verdaderas cumbres de la poesía (Jorge Carrera Andrade, César Dávila Andrade y Jorge Enrique Adoum), en la prosa (Jorge Icaza, Pablo Palacio, José de la Cuadra, Humberto Salvador, Benjamín Carrión).

Mi divulgación ha sido motivacional también, es decir, mi editorial se mueve para lograr el traspaso de un novel escritor inédito a uno publicado. Y esto ha tenido varios frutos. Soy parte de una editorial alternativa y, por lo tanto, publico autores de ese tipo, apuesto por nombres nuevos, me gusta la emoción del libro con firma anónima y ver cómo ésta va creciendo, se va desarrollando.

Ya han salido varios nombres de importancia entre los novísimos de mi país

-¿Cómo te ves dentro de esta generación de poetas jóvenes latinoamericanos que han divulgado su trabajo a través de internet?

Bueno, pues, estoy muy contento por ello. Creo que el internet ha ayudado a salir, precisamente, de ese anonimato en el que vivía el Ecuador. El país estaba condenado a su nombre, a ser una “línea imaginaria”, que en realidad no existe. Es como el juego del “boom” latinoamericano sin escritor ecuatoriano, y que para ello habría que inventar uno (como lo hizo José Donoso en juego con Carlos Fuentes, del que salió “Marcelo Chiriboga”).

El internet nos ha ayudado a inventarnos a nosotros mismos, a hacernos como tal, a saber que estamos caminando por los caminos correctos, que no hemos estado encerrados en una ostra oscura y anacrónica. El internet nos ha unido a muchos poetas latinoamericanos que antes no teníamos cara, no podíamos leernos, no podíamos encontrarnos en las esquinas de nuestras sensibilidades. Era triste ver como estábamos solos, pero ahora nos damos cuenta que somos muchos y que le mundo está a nuestro alcance, que el grito es colectivo.

-Euler Granda y Jorge Enrique Adoum, son grandes referentes de la poesía ecuatoriana. ¿Por dónde va el trabajo de las nuevas generaciones y de qué manera estos autores han influenciado en sus procesos estéticos?

Además de los dos estarían otros nombres indispensables para entender a las nuevas generaciones de poetas en el Ecuador: Efraín Jara Idrovo, Carlos Eduardo Jaramillo, Fernando Cazón, Ileana Espinel, Ana María Iza y una docena más de nombres muy importantes.

Adoum fue (es) nuestro poeta referencial más internacional, logró liberarse del nerudismo con mucha solvencia, al pasar por un intransigente vanguardismo que le dio las armas para que luego escriba “El amor desenterrado”, su más bello conjunto de poemas y uno de los poemas de amor más bellos de nuestra lengua, escritos en el siglo XX.

Por otro lado Euler Granda es el poeta del “lugar común”, es decir logró trabajarlo hasta convertirlo en un recurso estilístico, tal y como lo hizo Nicanor Parra llegando a la anti poesía.

Los autores noveles siguen los dos cánones: la búsqueda referencial de una estética profunda, de un decantamiento del lenguaje, así como la poesía coloquial, con tonalidad urbana y fuerte prosaísmo. La buena poesía está en las dos ramas, sin que la primera caiga en una aparatosa cripticidad que no dice nada y que se repite en una gama de imágenes sin sentido o, con la segunda, que sería caer en el estridentismo urbano, esa poesía escatológica, muy bukoswkiana a la fuerza, muy mentirosa, muy gesticuladora. Esa tampoco vale.

-¿Con qué autores mexicanos te sientes más afín y si estás al tanto de los nuevos poetas que han irrumpido en los últimos años?

México es, luego de España, el país que más me ha influido en su poesía. Luego vendría Colombia y Chile. Y muy tarde y muy poco de Perú y Argentina.

Villaurrutia marcó mucho mis lecturas, ese poeta potente y mordaz con el lenguaje y el mensaje; y más tarde Paz con sus ensayos y su poesía me daría las pautas para caminar, como probablemente solo me las dio Luis Cernuda, cuando leí su poesía hermosa y torrencial y sus ensayos sobre la escritura poética. Luego Jaime Sabines que está del lado de los que dicen la poesía como la “inmensa” mayoría quisiera que se la diga. Su poesía es verdaderamente importante para nuestra lengua, tal vez más importante como poesía que la del mismo Paz. Es que Paz es un poeta intelectual que lo abarca todo. Paz es un monumento al pensamiento poético, Sabines es el poeta. Además he tenido la suerte de conocer y escuchar a muchos poetas mexicanos: José Emilio Pacheco y Eduardo Lizalde. El segundo más potente que el primero; el primero busca; al segundo, en cambio, le sale la poesía como producto de la intuición. Grandes los dos. Y luego están Alí Chumacero, Juan Bañuelos, Hugo Gutiérrez Vega, Marco Antonio Campos, Eduardo Langagne, Efraín Bartolomé, Thelma Navas. Además me encanta la poesía de Francisco Hernández, a quien no conozco, pero considero una voz superior. Luego está también José Ángel Leyva, José Vicente Anaya. Y luego los más jóvenes: conozco y considero mucho a Víctor Cabrera y Rocío Cerón y acabo de conocer y leer la estupenda poesía de Allí Calderón, Marco Fonz y Mario Bojorquez.

-Tu trabajo creativo de ensayista, antologador, docente, periodista, abarca mucho de una disciplina y te permite adquirir una visión más global sobre un proceso determinado ¿en cuál de estas funciones te sientes más a gusto?

Todas mis actividades en la vida me conducen siempre a la poesía. Inclusive las de carácter doméstico. Todo lo que me lleve a la poesía me hace muy feliz, y además me motiva. En este campo me desenvuelvo bien. Puedo ser un buen suscitador cultural, un organizador eficiente de cualquier actividad que tenga poesía, que esté hecho del material de la literatura. Entonces la cátedra motivadora de literatura, composición y filosofía, la edición de libros, los talleres literarios, los eventos poéticos, los viajes, las lecturas, las tertulias, todo siempre alrededor de la poesía. Las reuniones con amigos, los juegos con los hijos, el compartir un poema es una cuestión casi doméstica. Es la vida. Mis hijos viven con los libros como con los juguetes: los libros son la casa; los poetas son los visitantes a nuestro hogar. Nos encanta recibir un poeta. Hace ya años llamé a Gloria Fuertes desde una estación de trenes en Madrid y le dije que era poeta y que venía de Ecuador para visitarla. Ella dijo que esa misma tarde vayamos a visitarla en su casa, que los poetas son de la misma raza. Allí comprendí el asunto. Y desde allí amo estar con los poetas, aunque también repelo a muchos.

-En la primera parte de tu último libro Esto fuimos en la felicidad, hay un extraño diálogo entre el canon de los sesenta, vale decir, pandillas, música, carros convertibles, etc, y personajes insertos en las sagradas escrituras; aparece Judas, Pedro, Moisés, Abraham, los Bíblicos ¿De qué manera conviven estos personajes en tu imaginario?

Esto fuimos en la felicidad, mi último libro publicado de poesía, que, a propósito, se ha ganado este año una mención como el mejor libro de lírica publicado en el 2009 en el Ecuador, es un trabajo de exploración de mi etapa de juventud. Y el prototipo de la juventud en América Latina me parece que es la de los sesenta. O al menos es el prototipo de los que nacimos en los 70, y que somos desencantados, hijos del rock latino, ahuyentados de la política, de la sociedad colectiva, del grito acompañado. A nosotros, los “setentosos” nos acompaña la soledad, que es precisamente el tema que estoy actualmente desarrollando en un nuevo poemario.

Me encantan los iconos del sesenta: Allí están los Beatles y ese John Lennon que nunca podrá ser olvidado como ícono, como figura, como músico, como poeta, como postura. Allí Jean Dean, el grande, el de la brillantina y las chamarras de cuero. Allí esa magia del auto deportivo que enamoraban allí ese intencionalidad mágica de buscar a la chica en el colegio y llevarla a un cinema. Y esto en mezcla con mis íconos: la música del pop latino, el rock de Soda Stereo, el mochilero organizado que quiere comerse el mundo, el borracho intelectual que solo le importa ser un quemeimportista.

Y claro, el poemario no podría estar completo sin tener a los bíblicos: Amo la historia bíblica, sin ser religioso. De hecho creo que el gran enemigo de los hebreos siempre fueron los cristianos. Nada como Abraham y Moisés frente a Jehová, el Dios castigador; y luego esos personajes bíblicos, que quisieron conquistar el mundo buscando la tierra prometida y a la final lo encontraron, es realmente maravilloso.

Con estos pretextos recuerdo mi adolescencia, la reinvento y por ello escondo muchos parajes de mi vida para volverlos universales, como creo que todo poeta lo hace.

-¿En qué proyectos trabajas en la actualidad y cómo concilias el quehacer literario con tu mujer, también destacada poeta de las generaciones jóvenes?

En lo referente a la poesía, trabajo duro con un poemario con el que estoy contento, pero nunca feliz. Aún está crudo, pero avanza.

Respecto a mi labor de suscitador cultural afino mi Encuentro Internacional de Poetas en Ecuador “Poesía en Paralelo Cero, 2010”. Que se realizará en la primera semana de Junio. Tengo pensado invitar a 8 o 10 poetas de fuera del Ecuador y 15 del país. Además presentar una antología que precisamente se está realizando en México sobre la novísima poesía ecuatoriana y de hacer un homenaje distinto al maestro Jorge Enrique Adoum, que murió este año dejándonos un hueco grande en la Patria y en la lengua.

Además escribo lento una novela juvenil, y escribo mucho artículo de opinión y mucho ensayo literario.

Con respecto a la convivencia con la poeta Julia Erazo como mi compañera de vida, la madre de mis hijos, y la mujer de quien me enamoré hace ya muchos años es muy buena. Ella trabaja distinto a mí, es más silenciosa, tiene otra forma de organización. Ninguno de los dos nos metemos en nuestras carreras poéticas, cada uno va a su ritmo y a sus intereses, cada uno con sus lecturas y sus metas. Así convivimos en paz, además somos grandes amigos de generación. Siempre lo fuimos.

-¿Cómo ves a la actual poesía latinoamericana en relación con los grandes referentes que la precedieron?

Con inquietud, con alegría. La poesía actual en nuestro idioma es ya una referencia de todos los idiomas. Eso les debemos a nuestros grandes predecesores. Por ello no creo en el “parricidio” como una actitud de vanguardia. Siempre he creído más en los poetas que se auto exploran en sus influencias que en esos que se niegan a sí mismo y a los demás.

Los poetas actuales están hechos de la misma arcilla de los anteriores: ego en primer término, portadores de la verdad, vanguardistas consumados, raros, únicos, etc.

Sin embargo la buena poesía sale sin aspavientos, se cuaja en la realidad.

El mapa de la poesía novísima en Latinoamérica ya dicta nombres de peso. Es decir la poesía tiene un futuro prominente en la literatura de América Latina.

-¿Cuáles son tus lecturas, tus afectos, tus influencias… aquellos autores con los cuales sientes mayor empatía?

Los autores que yo amo son los poetas que escriben en mi idioma madre: el español. No puedo entender a aquellos “poetas” que dicen que sus referentes son los poetas alemanes, franceses, ingleses, griegos, etc. y que no saben el idioma en que la poesía de estos fue escrita, que no han vivido sensibilidades “exóticas, lejanas, etc. Es algo incongruente. Yo no he leído a Kavafis ni a Pound ni a Ritzos ni a Witman ni a Ungaretti ni a Pessoa ni a Celán en su idioma original, en el idioma que el poeta escucho el ritmo de su poema, en el que se sintió el silencio, la pausa, la cesura, la música, el hemistiquio, el ritmo real, solo en bellas traducciones que nunca me dirán su poesía verdadera (la que ellos vivieron, sintieron). Esos poetas “exquisitos” y mentirosos que leen latín, hebreo, sanscrito, griego y que citan a los poetas en su idioma original sin haber aprendido a leer el idioma pertenecen al mundo de la “pasarela” más que al de la poesía.

Yo amo los poetas de mi lengua: Los amo sin poses parricidas, sin que este amor real me resulte “modestón”. Como no amar a Quevedo, a Góngora y a Lope; a toda la generación del 27 (mi corazón apuesta por Cernuda, sobretodo), a Machado, a Hernández y a Juan Ramón; como no conmoverse y quedar absorto frente al peso de José hierro, de Jaime Gil de Biedma (sobretodo él en la generación de la poesía española del 50), y luego el maestro Gamoneda, y luego a los Panero (me gusta más Juan Luis que Leopoldo, aunque la mayoría diga lo contrario); y por este lado del mar amo la poesía de los mexicanos ya citados y de Borges, Gelman, Neruda, Huidobro, Parra, Gonzalo Rojas y Jorge Teiller. Adoro leer a Watanabe y a Juan Manuel Roca. Amo la poesía en castellano. Por ser tan rica, tan extensa, tan verbal, tan esencial, tan mítica y tan “cargada de futuro” como diría Celaya.

-Finalmente, y a la luz de tu experiencia ¿Qué receta darías para derrotar a la página en blanco?

Siempre les dije a mis estudiantes que la página en blanco debe ser derrotada con la letra “H”. Esta letra es muda y muchos cuentos y muchos poemas del mundo empiezan con H, porque la página en blanco con una letra como esta sigue en blanco en cuanto a fonética, pero ya no está blanca en cuando a espacio y de allí es imposible detenerse.

Luego de ello hay que afincarse en el oficio de escribir.

Aunque pienso que hay mucho novelero en la poesía: esos “poetas” que no lo son y que quieren experimentar algo nuevo.

El poeta debe efectivamente serlo. Y ser poeta es permanecer en el oficio, pese a toda la inclemencia. Pese a la condena de que no te lean. Porque en un siglo puede haber miles de novelistas, cientos de cuentistas, pero pocos poetas grandes que sobrevivan. Y a eso hay que resignarse, y pese a eso hay que seguir escribiendo, porque esto no es una cuestión de llegar a ninguna parte, sino de sacar la poesía que la vida nos ha obligado a mantenerla en el cautiverio de nuestro corazón.

Hay que escribir poesía aunque sepamos que la trascendencia no depende de la escritura de poemas, sino de la genialidad.

EL FUTBOL

2010-07-13T08:09:00.000-07:00

Nunca me gustó el fútbol, pese a que yo debí ser un idóneo fanático del deporte de multitudes, nunca me gustó. Mi padre fue jugador profesional del deporte del balompié y mi hermano el hincha más pujante y verdadero que he conocido en mi vida. Toda la infancia, toda la adolescencia pasaron preocupados frente a mi apatía futbolera. En mi generación aún no se podía entender como a un hombre con mis condiciones genealógicas no le podía gustar el fútbol. Sin embargo terminaron respetando mis intereses un tanto exóticos. Poco a poco fui jalando el molino hacia el lado intelectual, donde era una moda no gustar del noble deporte del gladiador contemporáneo. Muchos intelectuales, artistas, escritores son renuentes frente a la cultura futbolera. Sin embargo también hay otros que como buenos artistas, el fútbol es otra de las manifestaciones culturales que les apasiona. Llámese Eduardo Galeano, por ejemplo y su precioso libro “El fútbol a sol y sombra”. En nuestro país el hermoso y bien escrito libro de Galo Mora Witt “Un pájaro redondo para jugar” es otro ejemplo de fusión literatura/fútbol.

Las idea del escritor Jorgenrique Adoum de que visitando un estadio de fútbol puedes conocer una sociedad con todas sus virtudes y sus necesidades, sus valores y sus carencias, es verdadero. Un estadio de fútbol es un micro universo. EL fútbol goza de todos los placeres que goza el arte, pero con más pasión, aunque con más inmediatez. Solo por las obras de Shakespeare o de Goethe la gente se mató en su época, y también cuando una selección no tapa un penal o no lo mete, o pierden por algún absurdo movimiento el partido. El fútbol es la vida de la mayoría de la gente posmoderna. Y esto, según “la aritmética de los placeres” del gran filósofo Jeremy Bentham es lo que uno debe busca para ser feliz.

Sin embargo, y pese a cualquier pronóstico le he llegado a encontrar con el tiempo y las aguas, cierto gustito al futbol del mundial. Porque además es fácil satisfacerse o derrotarse frente a 22 jugadores que mueven al mundo, que frente a una obra de arte. Ni más ni menos.

EL MUNDIAL Y LA PUBLICIDAD DEL GOBIERNO

2010-07-12T15:50:00.000-07:00

La campaña que ha salido sobre el apoyo a la ley de Comunicación por parte del Gobierno Nacional es verdaderamente genial. No solo ha despertado una suscitante polémica sobre el tema a la ciudadanía dormida que no hace más que repetir lo que dicen los “noticieros” rojos de todos los canales de TV sino que ha logrado incrementar el nivel de apoyo al Presidente de la República, y eso es lo que más les preocupa a los medios y a la oposición. Que en medio de la transmisión de los partidos de fútbol del mundial en Sudáfrica se incluyan estos espacios. Bueno, hay que reconocer que los partidos del mundial se están viendo vía directa por los canales del gobierno. Segundo, hay que reconocer que la campaña es estupenda. Realmente Vinicio Alvarado, el director de comunicación del Gobierno es un creativo verdaderamente notable. Detrás de la figura poderosa del presidente Correa hay un equipo de comunicación que no descansa. Y así tiene que ser. La comunicación es la fuerza.

Incluyo un ejemplo de lo mismo pero al revés. En una muy conocida e importante radio quiteña se está pasando con una constancia insufrible unos spots que hacen referencia a unas declaraciones hechas por Alvarito Noboa, el siempre candidato, en contra del presidente. En esta ocasión ya no es el “millonario candidato” el que interviene directamente con su voz, ahora lo hace un locutor. El empresario reta al presidente Correa a debatir con él y se declara “perseguido del SRI” y otras perlas a las que ya nos tiene acostumbrados dicho personaje político. Lo pavoroso del asunto es que estos spots se repiten y repiten con constancia y nadie dice nada. Sin embargo es esta misma radio se ataca los spots contratados por el gobierno en los canales donde se transmite el mundial.

Bueno aquí hay, a mi juicio, dos problemas: una cuestión estética y una ética. La primera: se vuelve a repetir lo mismo de siempre “los medios de comunicación o la oposición pueden hacer lo que les venga en gana, porque allí está la libertad de expresión”. El gobierno no puede hacerlo porque está atacando justamente a esa “libertad”. Suena tremendamente gracioso esto. Pero el problema estético es insufrible: imagínense la tremenda diferencia entre un spot hecho por Noboa el bananero y uno realizado y concebido por la dirección de Comunicación del Presidente Correa.

Por todo ello y mucho más creo que necesitamos urgente la ley de comunicación.

EL LIBRO DEL ENCUENTRO

2010-07-12T15:45:00.000-07:00

El Encuentro internacional de Poetas “poesía en paralelo cero” publicó un bello libro de memorias con muestras poéticas de los participantes nacionales e internacionales.

La hermosa edición de más de 400 páginas fue editada por ELANGEL Editor y la Casa de la Cultura Matriz; el diseño en su interior fue hecho por Cristiam Hervas y la portada por Javier Valencia.

El libro contiene una selección de todos los participantes al evento. Cada selección es antecedida por una fotografía y la ficha biográfica. En una página siguiente aparecerá un manuscrito del autor. Esto se ha convertido ya en una suerte de sello del evento.

Los participantes internacionales fueron: Los españoles Eloy Sánchez Rosillo, el que en su muestra presenta el hermoso poema “La playa”, verdadera joya de la poesía española contemporánea e Isla Correyero y su poesía desenfadada y directa; José Luis Díaz Granados (Colombia) con su poesía experimental y cadenciosa; Mario Meléndez y Malú Urriola de Chile, voces jóvenes que presentan sus discursos urbanos y desenfadados; Los mexicanos Margarito Cuellar, una de las voces más firmes y actuales de su país, y Víctor Cabrera con una poesía contemporánea y urbana; Vilma Tapia de Bolivia, con un discurso poético que se sostiene en las imágenes reales de un discurso onírico y bello; la peruana Victoria Guerrero, con un poesía más desenfadada y postmoderna y la israelita Margalit Matitiahu, poeta que habla y escribe en judeo español, con una poesía diáfana con sutilezas filosóficas.

Y las voces y poemas de los ecuatorianos: Carlos Eduardo Jaramillo, María Fernanda Espinosa, Ulises Estrella, Edgar Alan García, Nelly Córdova Aguirre, Raúl Vallejo Corral, Antonio Correa Losada (colombiano, nacionalizado ecuatoriano), Hugo Jaramillo, Julia Erazo, Carlos Garzón, Carmen Perdomo, Marialuz Albuja, Siomara España, Augusto Rodríguez, María de los Ángeles Martínez y Freddy Peñafiel.

La memoria sabrá guardar esos días de la primera semana de junio del 2010 con la ayuda de este libro. Las palabras siempre serán vínculos tremendamente fuertes para guardar los momentos, las luces del instante. La palabra seguirá moviendo al universo. Y si está escrita en verso y es sincera, será mejor. Este es un libro que guarda al tiempo en las palabras.

UNA FAMILIA, UNA SEMANA

2010-07-12T15:34:00.000-07:00

Sebastian Armas, Eloy Sánchez Rosillo, Edgar Allan García
Margalit Matitiahu y Jos{e luis Díaz Granados

Marialuz ALbuja, Carmen Inés Perdomo y Julia Erazo Delgado

Victor Cabrera y Carmina Estrada

Por dos semanas dejé mi columna de Diario La Hora abandonada porque el tiempo me quedó corto a propósito de la organización del 2do. Encuentro internacional de poetas en Ecuador “Poesía en paralelo cero” 2010. El mismo que, una vez finalizado, quedó impecable. Todos los poetas invitados llegaron al país (11 escritores internacionales y 15 nacionales); las ciudades sedes: Ciudad Mitad del Mundo, Quito, Otavalo y Esmeraldas estuvieron a la altura. El Ecuador presentó su belleza natural, su don de gente y su poesía dentro de un ambiente de fraternidad y amistad infinita.

Alguna vez, en España, la poeta Gloria Fuertes me dijo que “los poetas son cómplices y se reconocen en todas partes” y eso debe ser verdad, porque todos hicimos en una semana, una familia que no ha querido separarse, y que ahora sigue junta con los recuerdos; lo pasado no es pasado para los implicados en este encuentro de poesía sino que es el fortalecimiento de una amistad, el encanto de una nueva vida hecha con los retazos de las fotografías que guardamos.

En Quito fue la inauguración, el pregón se dio en la Ciudad Mitad del Mundo; los recitales de poesía fueron en la Universidad Central y en la Casa de la Cultura, la ciudad de Otavalo nos regaló la belleza, el folclor de nuestra artesanía (la Plaza de los ponchos de la ciudad fue un sitio clave para los poetas para sentirse sumergidos en la ciudad andina, así como la maravillosa y mítica laguna de Cuicocha), en Esmeraldas se dio la clausura, el mar nos despidió, allí el mar como testigo, luego de haber visto el canto y el baile tradicional de la provincia y escuchar el arrullo del tambor y la marimba.

Seis meses tardé en organizar este bello encuentro que duró una semana, pero que no se olvidará nunca. Para ello está el bello libro de poemas que publicamos con una muestra de cada participante.

Ahora el recuerdo y el cariño agrandarán los días del festival, hasta el próximo año en que volveré a reunir a otros poetas, y crearemos otra familia.

PUNTO DE PARTIDA

2010-07-12T15:29:00.000-07:00

La revista “punto de partida”, que publica la Universidad Autónoma de México (UNAM) para los estudiantes universitarios, acaba de publicar un monográfico sobre la nueva poesía ecuatoriana escrita por jóvenes. La revista fue presentada en el marco del “Segundo Encuentro Internacional de poetas en Ecuador Poesía en paralelo cero 2010”. Carmina Estrada, la editora llegó hasta el Ecuador junto con los poetas participantes del Encuentro, desde México, para presentar la revista en las ciudades de Quito, Otavalo y Esmeraldas, en donde se desarrolló el encuentro de poetas.

Carmina, de origen dominicano, pero radicada en México, dijo que la revista 160 de “Punto de partida” le había resultado una aventura de exploración y regocijo por el descubrimiento de la nueva poesía ecuatoriana. Y además habló del desconocimiento del género escrito en nuestro país en México.

13 poetas jóvenes fueron los escogidos para la muestra. Tuve la suerte de ser el antólogo de este ramillete de poetas y poemas. Quise escoger nombres verdaderos y sobrios. Nada de experimentalismos baratos ni vanidades sofisticadas. Los 13 son poetas verdaderos: Pedro Gil (Manabí, 1972) inicia la antología, luego están Carlos Garzón, Marialuz Albuja, Ana Cecilia Blum, Julia Erazo, Franklin Ordóñez, Freddy Peñafiel (todos nacidos en 1972), continúa la muestra los más jóvenes Siomara España, Augusto Rodríguez, María de los Ángeles Martínez, César Eduardo Galarza y Santiago Vizcaino; cierra la selección la poeta Carolina Patiño quien falleció víctima de su propia mano a los 20 años.

La muestra se completa con las preciosas fotografías de Lorena Cordero (Quito, 1972). Verdaderas joyas de la imagen que complementan estupendamente la bien cuidada edición de la revista.

Un estudio introductorio de mi autoría da pie a la muestra. En él vuelvo a analizar la poesía ecuatoriana y me detengo otra vez en el diálogo poético con los nuevos poetas del Ecuador.

Aunque nuestro país es nuevo siempre para los ojos del mundo. Todo aún está inédito. Y por ello debemos trabajar, para enseñarle al mundo que en el Ecuador hay mucho que descubrir debajo y encima de las piedras. Allí está, siempre brillando, el oro de la poesía.

POESIA EN PARALELO CERO 2010

2010-07-12T15:21:00.000-07:00

De izquierda a derecha: Xavier Oquendo Troncoso, María de los Angeles Martínez, Nelly Córdova, Carlos Garzón, Marialuz Albuja, Julia Erazo Delgado, Victor Cabrera, Victoria Guerrero, José Luis Díaz Granados, Siomara España, Carmen Perdomo, Mario Melendez, Malú Urriola y Margarito Cuellar

El domingo 30 de mayo se inicia el Segundo Encuentro Internacional de Poetas en Ecuador “Poesía en paralelo cero”, que concluirá el sábado, 5 de junio. Vates de España, México, Israel, Colombia, Perú, Bolivia, Chile y Ecuador serán los invitados de este año.

Cinco meses me ha tomado organizar el encuentro tratando de no dejar detalle suelto. Me he enfrentado a la burocracia de frente, sin hacerle al quite, y me ha ido relativamente bien, pero he aprendido que solo la tenacidad puede con ella. Los auspiciantes del encuentro son muchos en este año: empiezo con la Casa de la Cultura Ecuatoriana “Benjamín Carrión”, en la figura de Marco Antonio Rodríguez, así mismo Fabián Guerrero y Marta Palacios, funcionarios de la Casa merecen un reconocimiento especial. Luego están los ministerios de Cultura y Patrimonio, en las figuras máximas de las ministras Erika Silva y María Fernanda Espinosa.

He pasado por todos los estados de ánimo posibles, hasta por los más críticos, aquellos estados e n donde uno quiere botar la toalla, pero se sostiene solamente por el amor a la poesía.

Este año el encuentro llegará a Otavalo y Esmeraldas, dos ciudades bellas y distintas del Ecuador. Los poetas del mundo podrán conocer nuestro país por dentro, así como el año pasado que tuvimos la suerte de viajar por Latacunga, Ambato, Cuenca y Guayaquil, además de Quito.

La ciudad Mitad del Mundo también será sede del encuentro de poetas, con el auspicio del Consejo Provincial de Pichincha. Así mismo debo agradecer tanto al Circulo Femenino de Cultura de Esmeraldas en la figura de Carmen Rivadeneira, que se apersonó totalmente del Encuentro en su provincia, y al Municipio de Otavalo por su cordialidad maravillosa para tener a los poetas.

El Encuentro se acerca y los poetas viajaran esta semana que viene hacia la Mitad del Mundo donde podrán saborear la magia de un país que es un poema para el mundo, un poema flamante que se debe conocer para que su sensibilidad flote hacia el mar de las palabras.

La Maratón del Cuento

2010-07-12T15:09:00.000-07:00

Está semana que pasó se llevó en Quito una fiesta verdadera de la cultura y de los libros: “La maratón del cuento” al que se podría considerar el más importante evento literario del país. No solo por su increíble capacidad de convocatoria (más de 50000 personas visitaron el sábado y el domingo las instalaciones del Parque “Itchimbia” y su emblemático “Palacio de Cristal”), sino por su extraordinaria organización. A la cabeza está Leonor Bravo, directora de “Girándula”, la institución literaria más organizada que he conocido.

Meses se viene trabajando la “Maratón”, para que nada falle y todo esté en su punto. Se produce una gran feria del libro infantil, enormemente concurrida. Además se escucha todo el día la lectura de cuentos y textos para niños y esto convoca a una gran cantidad de gente, que además de escuchar historias y poemas de los más importantes y reconocidos escritores en el género en el país, son leídas por gente de la farándula ecuatoriana, así como importantes personalidades, políticos, figuras de la TV que se acercan a esta entrañable fiesta donde se reconoce indudablemente que el niño es el ente social que más se acerca a la literatura y obliga a sus padres a leer con él y a compartir ese mundo del género.

El Ecuador, actualmente, es un país que está pasando por el “Boom” de su literatura infantil. Las grandes firmas lo demuestran: Leonor Bravo, María Fernanda Heredia, Edna Iturralde, Soledad Córdova, Edgar Allan García, y muchos otros, así como otros escritores reconocidos que han escrito para los niños, habiendo construido su obra en la literatura de adultos, como Jorge Dávila Vásquez, por ejemplo.

Recorrer el espacio del “Palacio de cristal” y sentir la energía del niño lector, que imagina las historias con los colores más vivos de su vida, es realmente maravilloso. Sentir que vivimos en esa tremenda atmósfera del niño que está buscando la historia que represente la suya, que juegue con el libro como un instrumento más de vida, es muy bello.

Una labor envidiable la que hace Leonor Bravo. Sin lugar a dudas la más alta labor que alguien ha alcanzado frente a la masificación de la literatura ecuatoriana.

POESÍA EN PARALELO CERO

2010-05-14T18:43:00.000-07:00

II Encuentro Internacional de Poetas en Ecuador

El origen de los rostros

2010-05-14T18:21:00.000-07:00

El origen de los rostros, tiene un origen que no está en su estructura. Es el origen del poeta sobre su fin: el poema. Yo estoy muy contento de ser el editor de David Sánchez Santillán, porque es la primera vez que edito a un escritor al que conozco desde niño.
David tenía 10 u 11 años, pero parecía de menos edad, cuando lo vi jugando con sus párpados, buscando las cosas y queriendo comerse al mundo. Era un pre adolescente con ganas de seguir siendo niño. Es decir, con la travesura en la punta de su corazón. Allí estaba, en el pretérito, David, riéndose, luego, cuando uno le quería tomar en serio, entonces él se hacía el serio y nos hablaba con unas frases y unas oraciones muy bien estructuradas, igual como lo hace ahora su hermano Francisco José, con esa voz segura de conocerse los zaguanes de la niñez, de saberse las travesuras y las chanzas de la vida infantil.
David era entonces lo que propiamente se podría decir, un “infanta terrible”.
Sin embargo se compuso, o de descompuso, mejor, pero nos pasa a todos. Cuando uno deja de ser niño, viene la educación, la moral y las buenas costumbres y eso nos comienza a quitar la sonrisa. La gente, en este tiempo, habla mucho de la libertad. Pero no entiendo porqué si la libertad no existe. Existe y se la siente, solo en la niñez, luego nosotros somos nuestro propio reo y creamos nuestro propio carcelero. Si no me creen, pregúntele al doctor Frankestein, que tuvo que crear un monstruo para verse a sí mismo.
Pero volvamos a David y a sus rostros: a los que conozco muchísimos.
Alguna, y nos olvidaremos ninguno de los testigos, fui a casa de mi amiga Elsy, de su madre y de David, el cual llegó enojadísimo. Me vio allí, invadiendo su espacio en plena edad del burro y no cedió. Ni me saludó. Entro furibundo, como toro de lidia. Se encerró en su ordenadísimo cuarto de la ordenadísima casa de Elsy donde el polvo, como diría César Vallejo, “se pone ya de pie”, cuando entran los dos, la limpieza tiene pies.
Fue entonces que David adolecía de adolescencia, que sin ser tautología, era una realidad. Nadie sufre tanto en la vida, como se sufre en la adolescencia, porque es donde uno descubre todo y descubrir es también renunciar, y renunciar es también aceptar, y aceptar es también olvidar y olvidar es también madurar y madurar es también empezar a morir.
Jamás creí que David iba a ser poeta, sino fuera porque conocía su casa, a su madre y su biblioteca. Y porque sabía que tenía un chispeante humor, que no es un humor ordenado, no es un humor de “te cuento un cacho”, es un humor vital. Y ese humor, y perdonen, pero no es ofensa, suele salir de una mente artística: de una mente desordenada, de una neurosis que afecta al resto. El humor convencional es como las matemáticas: perfecto, políticamente correcto, obvio. Luego de contar un chiste, el “chistoso” procede a reírse, conjuntamente con el público. El humor de David es de otro tipo. Es un humor que pende de la inteligencia sorpresiva. Es la chispa. Con ese mismo humor se escriben páginas negras. Así no más es la mente humana: disparada y disparante.
Pero fue en la adolescencia de David que convoqué hace ya muchos años, a unos talleres de lecturas dirigidas y de escritura. Muchos de los que fueron siguen escribiendo y los seguimos viendo por algunos lares. Otros se fueron por el túnel del anonimato. Y los más felices deben de estar esperándonos que salgamos del atolladero de la literatura. Pero ahí le damos.
David fue al taller y como era uno de los más pequeños, era uno de los más mimados. Además sus textos siempre asombraban. Las chicas se asustaban y le quedaban viendo con ojos golositos. Los muchachos más cáusticos le daban palmadas. Era una época muy bella, en donde la poesía era una anécdota para estar juntos. En lugar de ir a un grupo juvenil en la iglesia o a un campamento de líderes, nos reuníamos en el taller.
Allí supe que David estaba seriamente drogado por la poesía. Y luego pensé que claro, que el problema era hereditario, que eso de vivir con tanto libro, con tanto poeta alrededor, lo echo a perder al pobre. Luego entendí que si su abuela escribía, que si su madre, lo mismo, entonces había que afrontar las consecuencias. No se puede con el muchacho.
Pero el muchacho creció, aunque no tanto. Dejó listos unos poemas y se fue a vivir la vida. Quiso conocer, como diría Serrat “el fuego del licor, el brillo del dinero, el automóvil, el cine y la mujer”, como todos los jóvenes, que descubren el universo que les tocó.
Dejó reposar a sus poemas. Luego un concurso que gana, luego una frustración: que el premio no se consumó nunca porque nunca publicaron ni el poemario ganador ni nada. Luego le espera y luego la negación (esa frase contundente: “odio la poesía, odio los poetas – en ese momento los sicoanalistas estuvieses felices considerando que el rechazo en tercera persona es el rechazo a sí mismo y que la terapia de la fobia debe de curarse con lo mismo). Y, claro, como diría Hegel, luego: la negación de la negación: “Quiero publicar este libro”, quiero librarme de su fantasma, de su discurso, de su fuerza. Y aquí está. El libro y el poeta.
Soy muy feliz de ser tu amigo David. Un poco padre tuyo. Una suerte de padre legal: recuerda que cuando tu madre se iba a casar, Elsy me llevó a un juzgado o Notaría, que se yo, para que firme una carta de “curador”. Es decir que yo pasaba a ser tu cuidador, y tú mi “curado”. Vaya causales judiciales extraños. Luego fui tu hermano mayor. Y más tarde un enorme amigo. Pero hoy, justo hoy, somos todo ello y además colegas. Por lo visto, mi querido David, Tú que eres mi curado y yo que soy tu curador, no nos hemos curado nunca de esta neurosis de la poesía. Así que permite nomás que de tu brillante y doliente corazón salgan más poemas que solo pretender curar ese niño, ese adolescente que fuimos, que somos, que seremos. Ni más ni menos.

LUNAS EN EL ZÓCALO O LAS BIFURCACIONES DEL ESPEJO

2010-05-14T18:10:00.000-07:00

En la portada izquierda del libro de poemas “Lunas en el zócalo” de Fanny Rodríguez Ojeda, publicado por el sello editorial CUATRONORTES 2010 está impresa una fotografía en color sepia en donde se refleja a la autora del libro en un espejo. El reflejo es la cara vista; la cara oculta está tapada por el cabello de la retratada. Lo interesante es que no sabemos cual es la parte real y la parte dimensionada por el espejo y eso nos produce un cierto grado de susto y encanto, a la vez.
Precisamente es la palabra “espejo” una de las formas conceptuales más reiteradas en los versos de este libro. Y lo entiendo y justifico porque creo que la voz poética de este libro quiere reconocerse en las otras vidas que pueblan la vida de cada uno de los hombres y mujeres que pueblan el planeta.
Creo que cada ser humano es el resultado de sus reflejos. Así mismo le pasó a Narciso que tanto tiempo se estuvo viendo reflejado en el estanque, hasta llegar a enamorarse de ese otro lado, de su otro yo inaccesible. Y así también lo vio alguna vez el extraordinario Lewis Caroll cuando encontró en su personaje vital, emblemático y famoso: Alicia, la otra realidad de sí mismo en “el otro lado del espejo”. Hermoso tratamiento de exploración. Saberse lleno de otros reflejos, que saldrán, tarde o temprano, como poemas o reflexiones o gestos, o sonidos a veces, muchas veces, de manera involuntaria. Hasta encontrarse con el montón de “otros Yo” que serán la realidad de ese yo único. Ya lo dijo Rimbaud: “Yo es otro”. A así parece decirnos, en esta ocasión, la voz poética y fortalecida de Fanny Rodríguez.
Fanny esperó a que el tiempo atraviese por sus textos, que pasara revista el polvo de los años transcurridos, que el verso madure, que la polución del ripio poético no deje secuela en su verso. Y parece haber tenido éxito. Encuentro que este libro está “bien fajado”, con buenas espuelas para iniciar el trabajo tesonero de buscar al complicado y sensible lector de poesía.

***

Una grata sorpresa fue leer a Fanny Rodríguez. Alguna vez la escuché en una lectura colectiva de poesía, allí la vi: seria, directa, inmersa en el verso como Alicia en el país de las maravillas.
También la escuché decir versos eróticos. Y yo, debo confesarlo, les tengo cierto recelo, cierto miedo, cierto susto al verso erótico de la mujer ecuatoriana en los años 90, porque muchos de esos trabajos dejaron de ser arte de un movimiento renovador y pasó a ser una moda. Todo poeta, en cierta época en nuestro país, le dio por cometer versos eróticos y luego salía con una clausula inconmensurable: era el nuevo inventor del erotismo, mientras que el pobre de Salomón se daba contra el monumento del “cantar de los cantares”. Si de ese grupo salió Margarita Laso, Natasha Salguero o Jennie Carrasco es porque ellas si son poetas de verdad y no buscan el escándalo, por sobre la sobriedad del amor en la intimidad.
Sin embargo, en este libro, encuentro versos eróticos de una madurez, de una dimensión distinta, con un trabajo sensorial y sin ese aspaventoso modo de gritarle al mundo que hacer el amor era o es la genitalización del lenguaje y la osadía de gritarlo escarceando los versos como pasó con muchas poetas mujeres del Ecuador. Fanny Rodríguez, dice, por ejemplo: “Te obsequié parte a parte/ el tercer pétalo de mi flor amada./ Otros se llevaron los primeros”.

***

Ya adentrándome en el libro, me encuentro con esa estrofa archi famosa de Pessoa, como epígrafe del poemario. Aquello de “El poeta es un fingidor”. En este libro entiendo muy bien el epígrafe. Reconozco que para la poeta el reflejo del espejo es una manera de fingir, de decirle al mundo: “mira como sonrío”, mientras por dentro me estoy partiendo en dos por “flama del corazón”.
Esto de escoger los epígrafes es algo realmente importante. O sirven para afectar al texto poético o solo sirven para dárselas de eruditos, pero en el caso de Fanny sirve para lo primero, para demostrar su teoría poética, para enseñar su trabajo literario.

Otro rasgo distintivo que encuentro en la poesía de Fanny en relación con la de sus coetáneos es la creación casi reiterante de versos conceptuales. Es decir que Fanny quiere decir algo con sus versos, quiere crear un diálogo con su lector, que, quién sabe, puede ser que se halle al otro lado del espejo, esperando que el discurso poético de principios de siglo XXI se reafirme y diga algo. “Decir” en poesía, no es lo mismo que “narrar” en la épica antigua o en el teatro en verso. “Decir” en poesía es ahondar en la expresión verbal, es decir reafirmar un concepto.
Ahora está de moda en los poetas jóvenes del Ecuador “la poética del silencio”, lo epigramático, lo minimalista, lo que tangencialmente dice menos de lo que quiere decir. Por eso creo que la mayoría de poetas de este país se deben sentir vacíos cuando terminan un libro “del silencio” porque no es un libro ligado a la contemplación japonesa, o al haiku debido a que el poeta latinoamericano piensa en español y el japonés en japonés.
Respecto a esto, y permítaseme la digresión, quisiera recordar a la concurrencia que estamos viviendo el año Hernandiano, como bien han titulado los españoles al 2010: el año del primer centenario del poeta de Orihuela, Don Miguel Hernández. ¡Qué grande ese poeta!, ¡Qué conceptual!, ¡Qué vivo!, ¡Qué comunicante su discurso! Y pensar que fue un pastor de cabras, y pensar que la guerra lo calló y que vivió el dolor a su máximo pulso. Y que de ello y por ello sacó, sin querer, el tono de una voz poética abrumadoramente brillante. Yo prefiero Hernández que cualquier poeta barroco. Y perdonen la sinceridad. Vivimos tiempos poéticos en los que el canon nos impone el hecho de que debemos obligatoriamente amar a Celán, a Valente, a Juarroz, al espeso barroco. Pero yo prefiero a don Miguel o a Federico o a Gil de Biedma. Tengo la libertad para decirlo y para expresarlo. Él mismo poeta Hernández nos lo dijo en ese poema poderoso: “Para la libertad siento más corazones/ que arenas en mi pecho: dan espumas mis venas,/ y entro en los hospitales, y entro en los algodones/ como en las azucenas”.

Regreso al libro. La poeta decidió dividir al libro en cinco partes. Otra vez el juego del espejo en esta división. “A los otros”, “A los míos”, “Develaciones”, “Lilith y las otras” y “Poemas de pan”.
Las primeras tres partes son muy intimistas. Las dos siguientes van de la mano del mito.
Todo el discurso poético estará espolvoreado por una constante suprema: la mujer. Lo dice la misma voz poética desde la bifurcación del espejo: “la criatura que nos habita/ es más sabia que la mujer que nos calma la sed”.

La poeta Jennie Carrasco Molina tiene toda la razón en su pequeño y lúcido texto de contratapa: “la fuerza del libro se centra en las mujeres”. Y es así, pero el discurso de Rodríguez no es fuerte desde una concepción feminista ortodoxa. De hecho, creo que si así fuera, esa sería su debilidad. Es fuerte porque es diferente. Así dicen sus versos en el poema “Anturio”, uno de sus piezas poéticas más bellas: “El lado hombre penetra en mí misma/desmantela la casa/ violenta la imagen reflejada”.

En la segunda parte del libro comienza la exploración de la voz poética. Aparecen textos dedicados a los hijos, a la madre, al padre. Ese génesis fortalecido con la más sutil figura plástica de un poema. Dice: “Serás la primera gota del río/ mientras yo sigo mi viaje al océano”. Es decir la voz poética es reflejo de otros y refleja a nuevas figuras. Así, como un laberinto borgeano.
En “Develaciones” aparece el “tú”. La voz poética maneja a la nueva persona. El hablante es femenino, el tú es un ser masculino que se pierde. Aquí está el punto de equilibrio entre las dos fuerzas. No solo la masculina y femenina, sino y el amor y la muerte, o el amor y el placer (“Nos amamos/ con los quejidos de los gatos/ que luego de entregarse se evaporan”), o el amor y la vida, o el amor y Dios (“Nadie removerá los escombros. / El oleaje destruyó también las manos de Dios”) pero siempre estará presente el amor. “Develaciones” es la parte más intensa del libro. Poemas duros y dolientes, pero fortalecidos por su belleza dan trama a este nudo.
Lilith, aquella emblemática figura de la mitología judía, a la que se la considera la primera esposa de Adán, anterior a Eva, la occidentalizada. Aquella mujer que abandonó a su hombre y se fue a buscar algo nuevo, encontrando en las orillas del Mar Rojo a sus amantes. Lilith es también la mujer engendradora de hijos con el líquido seminal que los hombres derraman involuntariamente en las noches. Esta mujer rodeada de mitos es la Diosa fértil que representa la vida en la poesía de Fanny Rodríguez. No hay duda, y se comprueba en el poemario: la maternidad cambió la vida de Fanny Rodríguez. Y obligó a cambiar también a sus versos: “Llevaste en tu equipaje vestidos de madre”, dice.

Por último están los “Poemas de Pan”, que se entremezclan con el mito y la realidad. Usurpando las vidas pasadas para que se parezcan o se repitan siempre en el presente. Y que sigan reflejándose en el espejo cóncavo y convexo del futuro.

***

Este es un libro diferente, maduro, sobrecogedor. Un libro para explorar a la mujer. A su razón de ser. A la madre que nunca podrá reflejarse en la poesía masculina. Es decir este es un poemario que solo pudo escribirlo una mujer. Y es una mujer y un espejo. Que no siempre es lo que se ve. O, incluso, que ve lo que ya no es o lo que será en el futuro.
Ni más ni menos.

MAMÁ

2010-05-14T14:03:00.000-07:00

Ayer festejamos el día de la madre. Es decir el día del ser humano. La perfección del mamífero consiste en la madre. Antes y después de ella, nadie podría sobrevivir. La inteligencia debe ser materna, porque la convivencia con el calor de mamá es lo que nos hace ser distintos a los otros animales. Gracias a los “opalinos rezagos de la leche materna”, como bien dice el poeta, el ser humano es un cuerpo evolucionado, sujeto a una vida mejor.
Mi mamá es ambateña de cepa, se llama María Teresa Troncoso Toro, su madre, que también fue mía, se llamó Palmira Toro Navas de Troncoso. Ellas me enseñaron a vivir. Mi infancia tiene también una tía importante: Marta Eloísa Troncoso Toro. Entre ellas hicieron la vida de nosotros: seis nietos somos: los Oquendo Troncoso y las Zaldumbide Troncoso. Nos enseñaron de todo: el amor, el valor, el trabajo, Dios, lo “bueno”, lo “malo”, lo “feo”, lo políticamente correcto, lo infructuoso, es decir formaron el corazón de nuestro niño interior, el mismo que nos guiará por siempre. Y al mismo que negaremos, también. Así es la vida.
Mi madre sigue igualita que siempre, es una mujer vanguardista de pensamiento. Una mujer contemporánea. No se quedó arrimada en las creencias del pasado, siempre fue rápida y práctica, siempre ha estado al pie de sus hijos, esperando el llamado.
En estos últimos tiempos, mamá ha tenido que afrontar y acompañar la enfermedad de papá. Y papá ha vuelto a vivir gracias a mamá. Es decir que madre no solo es eso, madre es esposa también y es compañera.
Así como yo, que tengo a mi lado a Julia Erazo Delgado, con quien vivimos hace 10 años casados, pero a quien conocí hace más de 20 y desde allí hemos permanecido juntos. Julia es mamá de Juan Javier ý José Julián Oquendo Erazo, mis hijos, dos niños de 9 y 7 años respectivamente. Ellos están haciendo y deshaciendo el mundo con el niño que son y que llevarán por siempre. Este niño formado por la perfecta mano de escultor de una mamá. Del mejor ser que desde siempre fue mirando la evolución del mundo y fue creando la belleza, el futuro y la maravilla de vivir.
Dios debería ser mujer. Y debería ser madre.

ARTIEDA Y LAS EMOCIONES

2010-05-14T13:59:00.000-07:00

A Fernando Artieda lo conocí hace años en un recital de poesía en Quito. Cuando salía al escenario con su voz de huracán dejaba sin respiración a los escuchas. Nunca hablé nada con él. La última vez que lo vi, ya en una silla de ruedas y casi sin poder hablar, yo y él y todos los que estábamos por allí, teníamos el “corazón en la boca”. Un hermoso homenaje que preparó la Casa de la Cultura Matriz, junto con la presentación de su obra completa en la Colección “Poesía Viva”, más un emblemático acto de amor nos puso el alma de mistela.
Todos lloramos un poco, porque todos vimos llorar a Fernando de emoción: sus hijos estaban allí, leyéndolo como si fueran sus parlantes, mientras que Artieda lloraba porque se había quedado sin voz, luego de que hace ya muchos años, su voz ocupaba todos los auditorios y nos hacía llorar ante su desmedido talento de recitador, pero las emociones habían cambiado. Ahora salían las lágrimas porque su voz había dejado de tronar, era como si le tocara entregar la posta a sus herederos. Ahora Lenin Artieda (además, un excelente periodista) leía los poemas de su padre, tratando de alcanzar esas notas hermosas que el viejo Fernando alcanzaba cuando le cantaba al Guayaquil cantinero y rockolero, cuando salía la voz corto punzante de Jota Jota en su poema monumental sobre la muerte y el velorio del héroe de la canción popular de nuestro país.
Artieda será grande porque fue original, Nunca quiso escribir como los “exquisitos”, nunca se hizo el estrecho (solo, tal vez, cuando protagonizó esos malos tiempos para la política, con Abdalá Bucaram, a quien también hizo hablar a través de su vozarrón inteligente), nunca se negó a sí mismo, cambiando su estilo o desdibujándose en el sensacionalismo de lo críptico. Es decir, nunca fue “políticamente correcto” ni en la vida ni en la muerte. Hoy lo perdimos, pero siento que ya lo perdimos antes, cuando su enfermedad lo atrapó en las fauces de su silencio. Silenciar a Artieda siempre será difícil, porque su poesía quedará fresca allí, para ser entendida por las grandes masas. Además su poesía ha sido musicalizada y ahora suena a ritmo de trópico. Si Jota Jota viviría él también cantaría al Ronco Artieda.

LOS LIBROS Y LA NOCHE

2010-05-14T13:54:00.000-07:00

La semana pasada estuvo repleta de lecturas de poesía, concursos y homenajes a propósito que el mundo festejó el “día del libro”, el 23 de abril recordando la coincidencia de los fallecimientos de Shakespeare y Cervantes, además de la del cronista peruano Garcilazo de la Vega. Extraña y mítica fecha en la que los dos idiomas se juntan para darse la mano. La figura del libro y la rosa también se repite en estos días de emoción, donde el libro triunfa y, sobre él, la palabra.
Francia celebra “La fiesta de la poesía”, la Alianza Francesa festejó a lo grande con sendos programas donde el público se acercó a las lecturas de poemas, y los escritores pudieron compartir su trabajo en diferentes sitios, quitándole la formalidad consabida a aquellos actos poéticos y literarios y volviéndolos más cercanos a la gente común.
En Guayaquil, el día 23 hicimos una hermosa lectura un grupo de 10 poetas nacionales, organizado por la Casa de la Cultura Ecuatoriana Núcleo del Guayas. El encuentro al que acudimos para celebrarle al libro su cumpleaños, se llama “el Voz a vos”. El título hace referencia al formato que se usa para presentar a los “vates”. Una pareja pasa al escenario y alterna su lectura. En esta ocasión, inclusive, se pudo conversar con el contertulio, de una manera más fresca y espontánea.
Simón Zavala Guzmán, Piedad Romoleroux, Catalinas Sojos, Iván Oñate, Julia Erazo, María Leonor Baquerizo, Augusto Rodríguez, Manuel Zabala Ruiz, Rosa Amelia Alvarado y quien escribe la presente columna fuimos los invitados.
Bella noche de poesía en el puerto, recordando el poema de los Dones de Borges, que comienza diciendo, justamente el sentimiento que todos teníamos en ese momentos: Nadie rebaje a lágrima o reproche/ esta declaración de la maestría/ de Dios, que con magnífica ironía/ me dio a la vez los libros y la noche.
Leímos los versos y nos sentimos más cómplices, más pendencieros del amor a las palabras y a los libros que ya han poblado con sus hojas el mundo entero y que nos hacen felices, porque gracias a ellos el poder de la palabra se contiene en el tiempo, y en el espacio y permanece con su sabor original.

LA LIBERTAD Y LA SENSURA

2010-05-14T13:46:00.000-07:00

Mucho se habla en este tiempo de la censura y la libertad en la comunicación y en la vida en general. Es como si en estos momentos y en este gobierno se haya atentado a todo: y antes, en los tiempos pasados donde para mucha gente “vivíamos mejor” éramos un país libre como una selva de pájaros donde el límite solo es el infinito. Ahora que supuestamente somos una “jaula” en donde nos cortarán la lengua es bueno reflexionar sobre el tema. Una parte de la población se siente censurada por los nuevos planes del gobierno. Antes otros nos sentíamos censurados. O peor aún, otros no tenían ni censura porque su voz no existía. Es decir que la censura es un lugar común, algo omnipresente, nunca habrá libertad, porque la libertad no existe.
Hace unas semanas un periódico que es parte de la campaña de “más respeto” (su símbolo es una “manito” que “la gente comprometida” la adhiere a los parabrisas traseros de los autos para indicar que están en contra del gobierno), me pidió un comentario sobre ello. Titulé a mi reflexión “La libertad del solitario”:
Solo en el poema está mi libertad verdadera. En lo demás siempre hay una imposición social. Solo en la soledad se puede llegar a ser libre. Todo lo demás, desde el trabajo del sobreviviente hasta la risa, son manifestaciones de más de uno. Ese es el precio de la libertad y de la creación. El acto de la escritura es un acto de ostras. En ella, en la soledad y en la creación, se practica la verdadera felicidad. Esa que permanecerá, pero que no podrá ser duradera, porque el cuerpo y el ser exigen que la sociedad entre a formar parte de esa felicidad pasajera. No existe la felicidad completa, existen las felicidades. Estos actos de convivir con el ser de uno. De allí que “El hombre es la casa del ser” de Heidegger. Solo en esta permanencia con la soledad se puede alcanzar el ser legìtimo. Pero el mundo está hecho de palabras, y las palabras nacen de la convivencia. Y sin palabras no existiera la poesía, por lo tanto la libertad humana está condenada a ser una condena.

EMILIO PALACIO Y SUS “BUENAS INTENCIONES”

2010-05-13T17:09:00.000-07:00

El caso Emilio Palacio ha hecho reflexionar al país, no solo sobre la libertad de expresión y sus ilimitadas posturas, sino también sobre las intenciones que tienen las palabras de acuerdo a “la actitud del hablante” que en este caso sería del “escribiente”. Se dice siempre que “no existen las malas palabras, sino las malas intenciones”. Me pregunto si el señor Palacio necesitaba utilizar el término “matón” para tener “malas intenciones”. ¡Pero, si todos sus artículos son intencionados!
El 4 de abril en Diario Hoy, el periodista colombiano Omar Ospina publicó un brillante artículo sobre el tema que no puedo dejar pasar por alto debido a su claridad y objetividad. El editorial hace un análisis sobre el caso Palacio y “la retahíla de insultos que, según la investigación de Mauricio Rodas Espinel de Gobierno Responsable, profirió durante 2009 el presidente de la República en sus cadenas sabatinas”.
Ospina dice: “Encontré, entre los 171 insultos del mandatario, siete injuriosos mas no denunciables pues no tienen un destinatario único sino varios. Hallé también seis improperios individuales injuriosos y quizá calumniosos, mas no identifico a los destinatarios…”.
Luego Ospina continúa con Emilio Palacio: “Palacio trata de "matón" (abusador) al señor Samán, y le endilga acusaciones que sugieren comisión de delitos: que se ha enriquecido de la noche a la mañana inexplicablemente; que forma parte de una mafia; que dispone a su antojo, con la familia del presidente, de los fondos de la CFN. Esas son acusaciones graves que implican delitos y asociación para delinquir. Debía denunciarlo con pruebas. Al no hacerlo, debe responder como prescribe el Código Penal, puesto que se pregona innecesaria cualquiera otra rendición de cuentas”.
Creo que Omar Ospina tradujo lo que yo pienso de tal manera que me quedo sin palabras frente a su artículo. Nada más que decir. Sin embargo Emilio Palacio me ha enseñado algo: que la gente debe insultar con “buenas intenciones”, todo sea en nombre de la “libertad de expresión” que para Palacio viene a ser lo mismo que libertad de intención. De la que ¡Dios me libre!

“¿QUIEN ME PRESTA UNA ESCALERA,/

2010-05-13T17:03:00.000-07:00

Para subir al madero/ para quitarle los clavos/ a Jesús el nazareno?”, así reza una saeta popular española que quiero recordar a propósito de estos días de la “semana santa”. Una época para aprender más.
He visto en la TV dos importantes programas sobre la crucifixión de Jesús. Y me he puesto a pensar en el propósito de estos programas totalmente científicos donde se explora el hecho de la muerte con la cruz, y cómo fue posible que esta arma romana tan genocida y brutal, pudiera pasar a la historia como el símbolo del cristianismo. Pero además, en los dos programas, estupendos, pude también detenerme a pensar sobre los otros miles y miles de crucificados que ha habido (y siguen habiendo) en la historia de la humanidad.
El castigo mortal de la crucifixión tiene, según han dicho los expertos, más de 3000 años. En la cruz se asesinaron masivamente a los desobedientes de la ley y se los dejaba colgados por razones intimidatorias, para que su cuerpo, expuesto al pueblo, sea el símbolo de lo que podría suceder si pasaba algo parecido a lo cometido por el asesinado en la cruz. Me enteré que la cruz, luego de que fue símbolo de la religión cristiana, fue también arma en países como Japón y la Alemania nazi, que crucificaba a los judíos y los mataba de asfixia. Y no hay que olvidar el terrible y espeluznante capitulo del Ku klus klan con su sentido racista y sus cruces encendidas como en las primeras épocas de los cristianos en Roma, cuando los romanos los crucificaban boca abajo o los quemaban en la cruz.
Todo esto me ha dejado golpeado. La ciencia investiga la muerte de Jesús y cómo se dio efectivamente su muerte, cómo debe haber sentido los dolores, los estragos al estar colgado en una cruz, clavado y esperando la muerte que no llega inmediatamente.
Por ello, cuando uno quiere pensar en Jesús de Nazareth y en su mensaje social; en su aporte enorme para los seres humanos, pienso, como dice Machado: ¡No puedo cantar ni quiero/ a ese Jesús del madero/ sino al que anduvo en la mar”.

UN QUIJOTE MÁS

2010-05-13T17:01:00.000-07:00

Los verdaderos gestores culturales del Ecuador son muy pocos. Están siempre galopando el caballo enfermo del Quijote de la Mancha. En la literatura se encuentran muchos menos: la literatura es siempre más ingrata, menos “comercialmente” correcta, más amparada en el espíritu que en cualquier cosa.
Conozco un gestor cultural intenso y verdadero. Se llama Aníbal Fernando Bonilla, nació y vive en Otavalo, es actual Concejal del municipio de su ciudad. Trabaja siempre en nombre de la cultura y de las artes. Trabaja siempre con la brújula del artista. Deja a un lado el reloj. El mismo es un artista. Hace pocos meses acabó de publicar dos libros: “Contextos: artículos de opinión” y “Liturgia del ensueño” un breve e intenso libro de poemas donde figuran versos como estos: “Hablamos/ desde la moribunda memoria,/ irónicamente,/ desde el silencio/ de nuestras ideas”. De él, ha dicho el poeta colombiano Felipe García Quintero que “se constituye en una de las voces jóvenes más promisorias de la nueva poesía ecuatoriana”. Éste es ya su cuarto poemario: lúcido, diversos, minimalista, cada vez más decantado, más purista, y más vanguardista. Cada vez más decidor. Y está también su libro compilador de varios de sus artículos escritos en los más importantes periódicos de su provincia. Artículos de mucha solvencia intelectual, de mucho tesón y gran factura intelectual. Por las páginas de este tomo bellamente editado pasan: El Che y Benjamín Carrión; Leonidas Proaño y Eduardo Kingman, Salvador Allende y Guadalupe Larriva. Es una pluma comprometida la de Fernando Bonilla. Y el compromiso no es solo con el lenguaje o con su obra literaria, sino con la obra y la palabra de los demás. Generoso, logra verificar los caminos por donde pasaran los otros quijotes y los Sanchos de su patria. Bonilla siempre está trabajando por los demás, es un gestor tesonero, de enorme y verdadera humildad franciscana.
Seres así necesitamos para estos tiempos donde el común de los mortales nos agobia con su ignorante consumismo.

PARA MI LIBERTAD

2010-05-13T16:58:00.000-07:00

La semana pasada, en la brillante columna de diario El Telégrafo de los días martes, la escritora Lucrecia Maldonado publicó un bello y doliente texto sobre Miguel Hernández y Joan Manuel Serrat, a propósito del nuevo disco del maestro catalán con nuevos poemas musicalizados del emblemático poeta que este año cumple 100 años de su natalicio.
Lucre y yo amamos muchas cosas similares. Lo amamos a Serrat, por ejemplo, pero llegamos a él por distintos ojos: ella lo amo en los 70, yo lo idolatré en los 90. Ella conoció canciones que yo nunca conocía, sino en exploraciones tardías, luego de años. Yo amé muchas de las canciones que ella no ama.
Los dos grandes maestros forman un dúo poético musical inolvidable. Nadie ha podido quedarse firme luego de escuchar “Elegía” o “Las nanas de la cebolla” y “Para la libertad”.
En España se ha llamado a este año el “Hernandiano”, dedicado al hombre modelo de los hombres buenos, de los hombres luchadores de verdad. A don Miguel le fueron quitando la vida de poco a poco, con el máximo grado del dolor; con ese mismo dolor templado y distendido escribió los más bellos poemas. Ahora, en este tiempo en que se habla tanto de libertad, en que se cree que ser libre es vivir en el país del libre comercio, la libertad de verdad es la “de mercado”. Tiempo en donde el país de la estatua de la libertad asesina e interviene en toda disputa, en toda guerra, en toda cuestión. Época de una ironía perversa en la que se cree que la libertad se nos va de las manos por decretos, es bueno leer y recordar a Don Miguel Hernández: “Para la libertad sangro, lucho, pervivo.
Para la libertad, mis ojos y mis manos,/ como un árbol carnal, generoso y cautivo,/ doy a los cirujanos”.
Cuando Serrat canta esta canción, efectivamente uno siente esta grata armonía entre el espíritu libre y el arte. “Solo el arte os hará libres”, parece decirnos una frase popular, pero yo creo que la libertad verdadera no existe. Somos condenados por nosotros mismos, y no escaparemos nunca.
Maestro Hernández, tú que viviste la condena para reconocer efectivamente la libertad, eres el poema que necesito para seguir : “Porque soy como el árbol talado, que retoño:/ porque aún tengo la vida”.

HABLEMOS DE CUBA

2010-05-13T16:55:00.000-07:00

No. No voy a hablar de Cuba. Voy a referirme, más bien, a los que hablan de ella en un país como el nuestro. Ecuador: país de más del 60% de pobres, ciudades repletas de periferias miserables, miles de mendigos en las calles. País repleto de complejos de clases, que no ha logrado salir de sus creencias “españófilas”. Pues aquí mismo, en este hermoso Ecuador, la gente habla de Cuba. Y salen sendas perlas dignas de ser contadas:
Primera: “Cuba es pobre, terriblemente pobre. La gente se muere de hambre”.
Señores que hablan de Cuba, permítanme comparar los muertos de hambre de la isla con los que mueren en casi todos los países de América Latina. Los hombres y mujeres de nuestras patrias que aún no tienen qué comer, ni trabajo ni educación debido a las enormes desigualdades. Comparen, eruditos, como viven nuestros pobres en Guayaquil (en medio de la regeneración urbana) o en Quito, y se mueren del hambre.
Segunda: “La Habana se está cayendo, es una miseria, me da una pena ver como sufren los cubanos”. Esto lo escribió un guayaquileño en el facebook. Por favor, señor, no sea osado, no hable de Cuba si vive en Guayaquil. En su ciudad hay casi un millón y medio de pobres que viven peor de lo usted dice que viven los cubanos. Usted se ha ido en un “tour” por la isla, pues debería buscar las formas para irse de “turismo” por los barrios periféricos de su ciudad. Allí si encontrará la miseria en su máxima expresión, allí si tendrá ganas de llorar, de rasgarse las vestiduras, de zapatear con hondo fondo.
Por qué hablar de Cuba si no vivimos en Suiza o en Alemania. Porque hablar de Cuba si vivimos una realidad peor que allá.
Recién este gobierno ha regresado a ver a los pobres. Antes, la pobreza debía ser escondida, como lo fue cuando hubo en nuestra capital el “Miss Universo”, en un Centro de convenciones, vía la Mitad del Mundo, y se pidió que el camino por donde pasaban las “divas” de la belleza mundial sea limpiado de pobres, para que no desmerezcamos el honor.
Así y todo, y las gentes de mi Patria se ponen a hablar de Cuba. Por qué no se miran en el espejo y se sacan las pulgas, mejor.

EL OJO ESCUCHA

2010-05-13T16:51:00.000-07:00

Acabo de leer el poemario “El ojo escucha” del poeta Ulises Estrella, editado por la editorial “Sarasvati” de Nueva York. El volumen se abre con un brillantísimo prólogo de Francisco Proaño Arandi, quien resume a Ulises como el hombre de la “reflexión persistente”. Así también lo he visto yo siempre, además de iconoclasta y obsesivo por la perfección. Además, es un enorme conocedor de los secretos de Quito, la ciudad a la que mima desde hace tantos años. Ulises es un sabio al que la vida le ha dado un nuevo y terrible tema: el enfrentamiento con la muerte.
Todavía recuerdo cuando el poeta tuvo que ir, sin proponérselo, a refugiarse en el mundo solitario de la enfermedad, rodeado de médicos. Sus amigos nos enteramos que había sufrido un infarto masivo. Yo pensé en lo difícil que sería vivir sin Ulises, en qué pasaría con la Cinemateca, y con su trabajo de hormiga. Ya, una vez recuperado, se dio a escribir este libro. Al leerlo me entero que Ulises estaba hablando con los ojos, porque las palabras decidieron abandonarlo. Allí estaba el poeta, escuchando el prosaísmo de los médicos, con los ojos (“Estoy al revés,/ mis ojos/ oyen lo que no soy”). Los sentidos se bifurcaron en esos momentos. Aquí llega don Antonio Machado para hacernos acuerdo que “El ojo que tú ves no es ojo porque tú lo veas, es ojo porque él te ve”. En medio de esta presión/prisión, el poeta dispara sus versos frente a lo que ve y lo traduce en imagen y palabra, es decir transporta lo que oye con los ojos, así como dice la inmensa Sor Juana Inés: “Óyeme con los ojos”.
En este proceso delicioso y terrible de vislumbrar el poder sensorial y darle significaciones y formas distintas a los sentidos, nace el filosófico poemario de Ulises. Lo suyo es un empirismo poético: “Esa casa, pared, silla, mesa/ desaparecidas/ quieren contarme cómo soy ahora./ Para oírlas/ tengo que entrar en su tejido/ vivo y real”. Lo dice Proaño Arandi: “compleja relación entre palabra e imagen”. Gratísimo y doloroso en esos poemas personales, en donde la voz poética se enfrenta a la muerte: “Es el momento de guardar los juguetes”. Ulises puso su sello distintivo en su encuentro con la muerte y su visión centrada del pasado (lo dice el poeta: “el pasado/ es territorio natural”).

LEONOR BRAVO

2010-03-04T18:22:00.001-08:00

Leonor Bravo es, en la literatura infantil del Ecuador, una suerte de emperatriz progresista. Gracias a ella el Reino de este Género se ha consolidado como movimiento y como obra de una Nación. No tengo miedo de estar exagerando: Leonor es así. No solamente por su enorme labor en pro de la oxigenación a los requerimientos que la modernidad exige para que la literatura de niños y jóvenes se renueve, luego de haber vivido, ella, unos cuántos siglos, subestimada de manera injustificable: la literatura infantil, al menos en este país y en gran parte de América Latina, parece haber considerado al niño, como una suerte de “ingenuo”, “bobo” o “inexistente” frente a la literaturización del mundo.
Leonor ha conseguido ordenar, organizar y justificar el género. El país le debe a ella su más prolífica internacionalización frente a la literatura no solo infantil, sino en general.
Si la juventud “divino tesoro”, se va “para no volver”, Leonor, en el Ecuador, ha impedido que el tiempo haga canas a los cerebros ríspidos. Ha conseguido unir a los escritores del género, dándoles un puesto real dentro de una literatura que, hasta hace muy poco tiempo, se la consideraba un sub género.
Y ya hablando de su obra en si: ella ha logrado insertar en el género la profesionalización de una escritora que ilustra lo que escribe. Y Escribe lo que ilustra. Más tarde recrea los espacios de la “nación pequeña” que tanto amó y defendió Benjamín Carrión, el padre de todo literato nacional, hasta alcanzar una cúspide comunicacional entre el alma máter del lector y la vanguardia renovada del género.
Sus más de 20 libros lo dicen, sus premios, pero sobretodo ese corazón de mandarina dulce que ha logrado escribir aquella página que puede ser leída por cualquiera. Es esa mezcla de sencillez con el peso de la sabiduría. Grande es su palabra. Enorme es su obra y real su emoción.
En ella tenemos una escritora completa y una activista cultural necesaria para vivir tranquilos y, sobretodo, para que los niños que hablan español sean capaces de darle la vuelta al mundo con el motor de las palabras que Leonor ha entregado para ellos.

LOS PLAZUELAS

2010-03-04T18:16:00.000-08:00

El libro “¡Plazuela de Quito soy!” de Verónica Falconí (CCE, 2010) contiene ocho relatos con minimalistas y decidoras ilustraciones de Cristian Hervás. En su portada está una foto maestra de Luis Mejía. Su edición sobria nos invita a enfrentarnos a los plazuelas de nuestro corazón.
A la autora le habría gustado ser una plazuela. Y a mí también. Ella y yo vivimos rodeados de antiguos plazuelas. Su padre y el mío vivieron las plazas de Quito, en los barrios donde nacen estos relatos. Cada narración está ubicada en un barrio tradicional de Quito. Allí habitan esos personajes intangibles que han hecho de Quito una ciudad única. Los plazuelas, dice Falconí en su introducción, “dejan repartido su corazón entre calles, escalinatas y quebradas”. Son los dueños de nuestras plazas, de las esquinas de la ciudad y de la añoranza.
Por estos relatos se conocen los barrios de San Marcos, La Marín, El Itchimbia, San Juan, El Panecillo, El Dorado, La Mariscal y Chimbacalle. Por sus páginas pasa lo que vuelve a Quito irrepetible en el mundo: las velas de cebo y los helados de plátano congelado, por ejemplo.
En el relato “Pastas de otro mundo” se describe el famoso episodio del 12 de febrero de 1949, cuando fue incendiada la Radio Quito, por un pueblo quiteño que se sintió engañado luego de la ya emblemática radio novela “la guerra de dos mundos” adaptada a la ciudad, en donde se decía que los marcianos han llegado a Quito y que han empezado a destruirla. Encantador relato. La pluma de Verónica, tan serena y profunda, tan ligada a esa sabia sencillez, a la que se llega solo con la humildad, nos va entregando a Quito, como si la ciudad fuera una caja de sorpresas llena de “ídolos” a los que hay que desmitificar.
Con este libro los niños podrán humanizar a la ciudad, considerarla como un ente vivo, como un recuerdo que es presente mientras se la pueda sentir y leer. El lenguaje no sufre esa postiza subestimación de considerar que la literatura infantil debe entregarse desde lo ramplón, lo fácil o lo ilógico y cursi. En este libro triunfa la pasión, la paciencia y el amor. Y eso es la literatura.
Luego de leerla, entiendo que la plaza donde gobierna Verónica es la plaza de la literatura, en donde el plazuela que añora y que es ha salido a conmover.

“NOS QUITARÁN EL MAR”

2010-03-04T18:01:00.000-08:00

La última marcha en Guayaquil, contra del gobierno, solo demostró, luego de tanto esfuerzo en el gobierno y en la historia, que lo que Nebot sueña es con la separación de la ciudad de Guayaquil del Ecuador. Es algo increíble e inconcebible, pero el discurso regionalista y separatista es permanente. La lucha es de Guayaquil vs. el resto del mundo, parece decirnos su alcalde.
Nebot parece considerar que su ciudad es un estado monárquico y que ha llegado un “invasor” que va “a quitarles el mar”. No sabíamos que el mar le pertenecía al señor Nebot, tampoco sabíamos que el mar era de alguien y tampoco que si una comarca con tintes miserables, como Posorja, se volviera Cantón para el progreso, impediría que los “guayaquileños” acudan a sus orillas.
Nunca escuché a Nebot tan perdido, tan iluso, tan sofocado. Nunca lo hallé tan poco inteligente, tan fácil, tan predecible. Es una pena, porque hay que reconocer que Guayaquil antes de los Social Cristianos sí era una cloaca total. Ahora es una cloaca en las zonas periféricas, no más. La regeneración urbana en Guayaquil “no es de todos”, ni lo será, pero al menos, ya se pueden ver las casitas pintadas en las Peñas, aunque todavía una parte de la emblemática loma está como era antes.
Lo que más pena me da es la cuestión regionalista. Imagínense que el señor Nebot puso el siguiente ejemplo, para hacerle notar a la gente que el gobierno “les quitará el mar”: “es como si a Quito le quitaran el Pichincha”. Señor Nebot, si a los quiteños les quitarán el Pichincha no pasaría nada, irían hasta donde el gran volcán se encuentre, así como los guayaquileños siguen yendo a Salinas, pese a que “el gobierno les quitó” su balneario y todo por “hacerle provincia”. Es decir usted, señor Nebot, solo busca el progreso de Guayaquil City y se olvida que el Ecuador también necesita progresar. Yo tenía un mejor concepto de usted, creía inclusive que usted podría ser un buen contrincante para nuestro presidente. Pero usted y Carlos Vera son un dúo dinámico en decadencia.
Qué feo saber que el Ecuador para usted no existe y que a Guayaquil le nació un Ecuador por sus alrededores.

NEBOT

2010-03-04T17:58:00.000-08:00

Jaime Nebot convoca a una marcha en Guayaquil. Con banderas celestes y blancas llama a su ciudad a volcarse a las calles para conseguir que el Ministerio de Finanzas regrese al ábaco y haga bien las cuentas. El Ministerio y la colectividad, por su parte, han pedido a Nebot que trabaje con su calculadora a ver si algo falla, porque está más que demostrado que este gobierno, en este año, le ha entregado al cabildo guayaquileño la mayor cantidad de dinero de todos los tiempos. El resto de ciudades de la República están más que conformes con la repartición que Finanzas ha hecho.
¿Qué es lo que pasa con Guayaquil? Bueno, todos lo sabemos. Eso de haberse acostumbrado a hacer las cosas separatista y desligadamente. Eso de maquillar la ciudad, eso de construir barrios lujosos que están cerca de las más miserables periferias. Eso de adecuar una calle céntrica como la 9 de Octubre, con todas las comodidades que la modernidad exige, dejando las cuadras siguientes en el más recalcitrante olvido. Eso de maquillarle al río Guayas con un malecón que desde el Barrio de las Peñas hasta el Palacio es una maravilla de ciudad satélite, estilo Miami Beach (nada guayaquileño), pero desde los barcos turísticos se puede ver la miseria de lado a lado. Vaya modelo de desarrollo: empieza desde San Borondón y no se llega nunca a la Prosperina; se construyen bellos túneles y pasos a desnivel para contemplar los enormes Molls de la ciudad, mientras desde un cerro se mira los cinturones de pobreza de la ciudad. Se pone derecho de admisión en los parques públicos, se purifica el agua en el sector de la riqueza, mientras que los tanqueros siguen llegando a los sitios más pobres con agua.
Algo pasa, señor Nebot, con su modelo de desarrollo.
Una nueva marcha en la que saldrán célebres frases de regionalismo y separatismo. Otra vez usted señor Nebot buscando el liderazgo que nunca pudo lograr en el país porque siempre perdió las elecciones a la presidencia. Y entonces ahí le tiene a su ciudad, dándole toques de carmín, pintándole las uñas, mientras que la pobreza crece y usted se preocupa por ponerle bonita a “las casitas del barrio alto/ con tejas y ante jardín/ una preciosa entrada de autos/ esperando por un Peugeot”, como dijo alguna vez, con sórdida e inteligencia ironía Víctor Jara.

“DICCIONARIO INOCENTE”

2010-03-04T17:56:00.000-08:00

Así se llama el nuevo libro de Jorge Dávila Vázquez, el escritor cuencano más completo del país: completo realmente, porque no ha dejado un género literario sin toparlo: mítico novelista, clásico cuentista, estupendo poeta, enorme ensayista, dramaturgo de peso. Además ha pasado por la actuación teatral, sus artículos periodísticos en varios medios de comunicación lo vuelven vital frente a la más fina crítica literaria. Es un gran suscitador de la cultura y un conocedor de la literatura ecuatoriana y mundial con verdadera pasión, porque por años fue maestro universitario y organizador del más importante evento literario del Ecuador: La Bienal de Literatura en Cuenca.
Hace ya unos años nos asombró con su literatura infantil. Sus libros de cuentos para niños extrajeron de Jorge esa vena tiernísima y segura. Ese porte de mago de la palabra, y entregó frutos de verdadera claridad. En Jorge se da eso de que “todo lo hace bien”, y es rarísimo encontrar gente así, porque además de ello es un gran ser humano, un encomiable amigo, de una generosidad inédita, y de una finura en su corazón, singularísima.
Son tantos adjetivos que me salen cuando pienso en él. Y más aún cuando he terminado la lectura de sus poemas para niños y para todos, su bello “Diccionario Inocente”. Con unas ilustraciones bellísimas encargadas por la Editorial “El Tucán” a Camila Fernández de Córdova, el poeta pasa revista por un grupo muy personal de significantes de la A a la Z. Sus poemas descriptivos son bellísimos: “Colibrí, mínimo arcoíris,/ dejas una huella viva/ al pasar por el jardín”, micro poema que me recordó al más naturalista Carrera Andrade. A lo largo del poema se cifran verbos conjugados como “Quédate”, sustantivos tan poco cantados por los poetas como “yacimiento”, “kiwi”, “Ñu”. Dejando también espacio para entablar un diálogo poético con la historia de la humanidad a través de Jesús, haciendo conciencia a través de conceptos ligados a la ecología y despertando una gran dosis de ternura en el lector con bellos poemas como “Hijo” o “Niño”. Un bello ejercicio, a imitar, por el escogitamiento de conceptos y por la búsqueda del significado poético. Un gran trabajo de un gran escritor y de un gran ser humano.

HAITI

2010-03-04T17:52:00.000-08:00

Circulan rumores de que el terremoto de Haití fue provocado por un tipo de armamento fabricado con ese fin por el gobierno norteamericano. Cada vez la prensa no alineada a la CNN sigue comentando el asunto. Si fuera cierto estaríamos frente a un nuevo tipo de genocidio. Hemos sido testigos de muchos casos espectaculares de gente atrapada o muerta en el terremoto gracias al morbo de los medios de comunicación. Hemos visto la absoluta devastación de la economía de un país. Pero luego de ello viene lo peor (¿se puede hablar de algo peor?), una suerte de postguerra, una suerte de post-muerte: la ayuda desinteresada de los miles de marinos norteamericanos que llegan a Haití perseguidos por las cámaras de TV para grabarles el gesto solidario, la mueca adolorida y la mano de ayuda para Haití. Sin ningún tipo de dignidad, el país caribeño pasa a ser el “puro” sentimiento de lástima para el mundo.
Yo no estoy de acuerdo con esto. No me gusta que la TV nos muestre un Haití que sirva para sacarnos lástima solamente. Antes del terremoto nadie fue a veranear a Haití, nadie cambiaría la playa de Haití por la fragorosa playa de Miami, donde hay un shopping gigante. Nadie amaba a Haití, y más bien se consideraba un país exótico y hasta anti religioso, anti ético, anti cristiano, con eso del vudú. Ahora todos lo ven y lo alaban, como si no hubiese un muerto malo.
El país con la economía más pobre de América Latina está en un puesto estratégico en el Caribe. No sería nada raro que Haití se convirtiera en una base militar norteamericana. Después de todo ellos los están “salvando” del terremoto. Después de todo ellos llegan a entregarles las vituallas. La TV ha dicho que los marinos norteamericanos han pedido que la prensa “libre e independiente” desaloje el aeropuerto de Haití porque interrumpe sus labores de rescate y de entrega de agua, comida y “amor”. En poco tiempo veremos un gran Mc. Donalds en Haití. En poco tiempo sus playas serán reinventadas y habrá un shopping en donde comprar la camiseta: “Yo estuve en Haití”.
Por el momento me niego a creer que todo lo que sospecho sea cierto. O como diría Gustavo Ceratti: “Despiértame cuando pase el temblor”.

CUENCA Y SU ÚLTIMA GRAN VOZ

2010-03-04T17:49:00.000-08:00

La actualísima poesía cuencana vive en las manos de dos mujeres: Sara Vanegas y Catalina Sojos. Dos voces depuradas por el tiempo y las aguas, por los libros, por la experiencia, por el sol que hace amarillear el maíz de lo certero, de lo verdadero.
Cuenca siempre ha sido una ciudad que guarda la fama de sus poetas: allí, en el eco de sus ríos se puede también escuchar a los grandes vates de la patria: César Andrade y Cordero, César Dávila, Efraín Jara, Jacinto Cordero, Alfonso Moreno, Rubén Astudillo. Nombre claves de la poesía de nuestra “Atenas”.
Con la voz femenina el círculo se completa. Acabo de recibir un nuevo libro de Catalina Sojos. Se llama “Escrito en Abril” y es una selección de su poesía, desde sus principios. En 1990 publica su primer libro “Fuegos”, poemario maduro, nada intermitente en los caminos de la nueva poesía de finales de los ochentas. Su obra impresiona a nivel nacional. Catalina llega a la poesía, como los vientos del oriente a los Himalayas. Choca su verso contra la tradición. Ella, nada aspaventosa, le hace un quite al erotismo de moda y sale y triunfa porque su voz es auténtica, como la ciudad en donde nace y vive.
A este libro le seguirán “Tréboles marcados” y “Fetiches”, y más tarde “Cantos de piedra y agua / Láminas de la memoria” y luego su magnífico “El Rincón del tambor”. En este nuevo libro, en donde ella decide ser su propia antóloga, hay un poema inédito realmente importante “Mural”, en donde describe y desescribe la ciudad en donde ella vive. Ella es Ulises y ella mismo es Ítaca. La voz poética de Catalina Sojos es, probablemente una de las voces más universales de Cuenca, porque en ella está impresa la ciudad, está identificado su origen. Y ni de qué decir de su voz poética, de su fino discurso proveniente de la más intransigente inteligencia y la más recalcitrante ternura. Con voces así se hace la patria del lenguaje. Con voces que no se han dejado conquistar por los cánones postizos y urgentes que inventan algunos poetastros inseguros que creen que imitando la “exquisitez” se puede llegar al Parnaso de la poesía. Solo la originalidad nos conduce a la verdad. Nada más. Y Catalina lo sabe, para suerte nuestra y de la buena salud de nuestra poesía.

LOS LOGROS DE LA REVOLUCIÓN CIUDADANA

2010-03-04T17:46:00.000-08:00

El sábado 16 de Enero, en la ciudad de Ambato, habrá la gran concentración de celebración por los tres años de la revolución ciudadana. La idea principal es la de mostrar los logros del gobierno en sus metas precisas: la soberanía, el trabajo con los pobres en educación, medicina, seguridad, vivienda y la dignidad. Han escogido a Ambato para esta concentración, porque, precisamente, es un logro de este gobierno el haber ampliado el panorama de lo que es el Ecuador. Los gabinetes itinerantes le han dado otra forma al país. Ya no hay ese centralismo ilógico de antes.
Estos tres años han cambiado a la Nación. Le han dado giros a lo intocable, a lo que estaba lleno de pus o telarañas. Se ha demostrado que el Ecuador era una hacienda feudal antigua, con tendencias neo barrocas y renacentistas, en donde el gamonal dejó asentado su látigo en la ley única. Vivíamos todavía el romanticismo final del colonialismo español, colgábamos en el pecho la inscripción del predestinado religioso. Solo el rico y el de clase media será el que viva con dignidad. Solo estas clases podrán “saltarse” las leyes, podrán buscar “palancas” para matricularse en la vida. Los otros, todos los pobres, estarán al servicio del nuevo Huasipungo. Un huasipungo de 250 mil kilómetros, y con un nombre francés: Ecuador.
Este gobierno nos está enseñando que hay cómo destapar la olla de grillos. Nos está dando esperanza. Nos está moviendo la conciencia, la inteligencia. Estábamos cansados de vivir con el sentido común de los gobernantes que nunca nos dijeron que el País no tenía por qué bajar la cerviz frente a nadie.
Los logros de esta revolución son muchos, se verán con el tiempo, con los años. Eso lo saben los que nunca pudieron tener opción a nada, los que solo pudieron tener acceso al anonimato.
Los logros los sabemos todos, los intuimos todos, pero muchos no quieren admitirlos: los periodistas, los politiqueros, los de la clase intocable que creyeron que siempre las sirvientas domesticas serían inservibles, ignorantes y mal pagadas.
No sé si los logros sean para todos, pero es conocimiento de los logros ya es de todos, indudablemente.

2009: LO MALO, LO BUENO, LO FEO

2010-03-04T17:44:00.000-08:00

Tres momentos del 2009 que se ajustan a los adjetivos del título:
Lo Bueno: La lucha del gobierno a favor de los pobres. Los pobres nunca han tenido voz ni la tienen hasta ahora, en los medios solo se escuchan las voces de la clase política, media o alta. Los pobres están en sus barrios, ahora tienen acceso a vivienda, a educación gratuita y a la salud. Son el respaldo del presidente que ha ganado todas las elecciones porque ellos se sienten respaldados. Solo por eso, yo, a nombre de los pobres, agradezco a este gobierno. La mayoría del país vive en la pobreza, son millones que están ansiosos de tener dignidad, los pobres no son una estadística, solamente, son una realidad. Este gobierno no trabajará para la clase media, menos por la alta, lo hará por los pobres, por eso no avanzamos a ver ese trabajo.
Lo malo: La muerte de Jorge Enrique Adoum. Aunque la muerte no puede ser mala, porque es parte de la naturaleza, el Turquito se nos fue llevándose la gloria, como siempre, tardía. Además mucha gente se aprovechó de esto para congraciarse con el muerto, luego de que en vida lo llenaron de improperios por esas envidias gratuitas que se dan entre los artistas. Adoum fue y es el más grande escritor de la segunda mitad del siglo XX en Ecuador. Su legado es realmente importante.
Lo feo: Los hermanitos del presidente (nadie escoge a la familia, pero el caso Fabricio Correa es de record mundial en hermandad. Qué hombre para desagradable, para oportunista, qué folclórico, afirmando que es el hermano mayor, como un Abel subdesarrollado. En realidad, qué hombre más feo. Pero si vamos por ahí, fíjense en Jorge Ortiz, trabajando para el imperio del jefe; en Carlos Vera, con la herida latente, creyéndose el dueño del periodismo. Tanto ejemplar feo que se opone al cambio. Hablan siempre de renovación, pero a la hora de hacerlo, “preferirían no hacerlo”, como diría el emblemático Bartleby, de Herman Melville.
Para el 2010 no pedimos que no haya feos, ni malos, solo que haya menos. Pero eso es mucho pedir, entonces que con lo bueno, lo malo y lo feo se opaque un poco. Eso no más…

FUERA DEL AIRE

2010-03-04T17:41:00.000-08:00

“Teleamazonas” salió del aire. “Teleamazonas” volvió al aire. Parecía un mito, resultaba casi imposible que, en este tiempo, un canal de TV sea “topado” en este país. La razón es porque ellos siempre han sido el primer poder del Estado, tienen el control de las conciencias. Por ejemplo, los medios se han jactado de las grandes movilizaciones para “botar” a un gobierno. No solo los canales de TV, la prensa y la radio también han hecho lo suyo. Y más en este país donde hay las monarquías televisivas con un rey poderoso y millonario que auto dirige la señal televisiva por sus intereses económicos.
Aquí la mayoría de los medios de comunicación son un negocio rentable de impresionante capacidad. Eso es la libertad de prensa de la que tanto hablan (una libertad de empresa).
Por ello, parece leerse que, todo debe tener ley, menos los medios de comunicación. Pero ya era hora de demostrarles a los medios que la ley es para todos. Que no es cuestión de ampararse en la ética que no siguen. Los periodistas, dicen los defensores del gremio, se “guían” por una serie de códigos que solo ellos los tienen y que solo ellos pueden optar. Es como un juramento de Hipócrates, pero más fuerte, más duradero: es una ética que se va dibujando, como si se tratara del Espíritu Santo, pero más tangible; es como si se tratara de un tumor, pero menos dañino. Es decir, los periodistas son “perfectos”, porque tienen una moral fuera de ley, una ética fuera de proyecto. Es algo que sale con espontaneidad, es como el “aura”: está nomás sin que nadie se proponga que esté. En definitiva, el periodista, según parece, no se hace, sino que nace. Está predestinado por la ley divina de ellos mismos, para hacer y deshacer el mundo.
Me alegra mucho que este gobierno esté enseñando a los antiguos gamonales de conciencias que la ley se hizo para todos, inclusive para los provistos de genialidad, para los portadores de la verdad, para los “periodistas” que solo creen en sí mismos y en sus intereses.
“La noche buena se viene, la noche buena se va…” Y nuestra verdad se irá, pero los medios se quedarán.

¿LOS ANIMALES Y LOS PERIODISTAS SON LOS ÚNICOS QUE PUEDEN VIVIR SIN LEY?

2010-03-04T17:37:00.000-08:00

Mi primera carrera es el periodismo. Soy Licenciado en Ciencias de la Información. En ella aprendí que los periodistas tenemos ética, pero no ley. Es decir somos algo así como “los chichos súper poderosos”. Es por lo de la “libertad de expresión”, pensé. Luego de cursar los años universitarios, trabajé en un medio de prensa, en la planta, haciendo el papel de reportero. El diario siempre tenía “otras intenciones” aparte de informar. La intención mayor es siempre estar en contra del sistema, y eso está bien, es la misma función que tienen los artistas: y por esta función Platón no sabía qué hacer con los poetas en su República perfecta. Hasta ahí, todo perfecto, aunque no tanto. El periodismo informa, pero para ello debe haber una norma, una ley, un acuerdo. La ética no es suficiente. No hay ley para la mala ética. Y como la ética y la moral son naturales (o religiosos, que más da), entonces se degradan.
A los tres meses dejé el trabajito en el diario y me dediqué a escribir para otros medios escritos a nivel editorial, me fui con mi “libertad” a otra parte.
Vivir sin ley es vivir en natura. Y en un país acostumbrado a la corrupción, vivir sin ley, es algo así como entregarles ametralladoras a todos los reos de la penitenciaria más peligrosa del mundo. Decía Maquiavelo que “el hombre es malo por naturaleza”, y yo le creo. Y también creo que la ley es la única forma de enderezar los entuertos. La historia de la humanidad nos ha confirmado el hecho. Nadie vive sin ley. Ni esos reyes medievales. El hombre es el único animal que se va en contra de su propia naturaleza. Y claro, la naturaleza del humano es irse contra la ley. Pero si no hay ley, el resultado es aún más maquiavélico.
La ley de comunicación es indispensable para la convivencia. El primer poder del Estado es la prensa, eso lo sabemos todos, ellos han vivido un libre albedrío de irresponsabilidad asfixiante. No se puede concebir que la libertad de expresión sea la ligereza del insulto fácil, los periodistas tienen responsabilidad con los hechos comunicativos, con nada más. El otro lado de su responsabilidad es individual, no es colectiva.

LA FIESTA DEL GENOCIDIO

2010-03-04T17:34:00.000-08:00

Al fin se han terminado las fiestas de Quito. Extrañas fiestas y desatinadas fechas para que una ciudad de más de 2000 años de historia celebre con bailes y toros. Digo que me resulta extraña la fiesta, porque hace 475 años, Sebastián de Benalcazar fundó, en esta antigua urbe del centro del mundo, una aldea española, pero para ello utilizó la muerte y la violencia. Se borró a la ciudad antigua y entonces en el 6 de Diciembre se recuerda la imposición española sobre la historia nuestra.
Considero una fiesta tan ilusa como que América festeje el 12 de Octubre. Pero hay más, en estos días de fiesta, la gente se vuelve, extrañamente, cultor “exquisito” de las ferias taurinas, entonces la España conquistadora se hace eco en los ecos del ¡Ole! y en los “soles” y las “sombras” de la plaza de toros. Las familias quiteñas que todo el año salen a la calle y se enfrentan al sol de todos los días, en estos días de feria, solo en estos días, deciden taparse la mollera con unos sombreros “cordobés”, y solo en esos días deciden tomar el vino en una bota de cuero de vaca, made in china. Y solo en esos días, los quiteños de sepa tienen más sepa que nunca. Ahora son de sepa española, como la buena uva y la carnosa aceituna. Solo en esos días les sale el acento de las “eses” y luego, cuando optan, solo en estos días, por comer comida española, porque parece que el sentido del gusto cambia neurológicamente, comen “tapas” de mariscos que en otras ocasiones no han comido o les ha parecido horribles, pero ahora ya no. Ahora tienen en su sangre un espíritu castellano. Luego, más tarde, cuando la comida ha pasado por la digestión, deciden tomarse unas sidras y unos “Jerez” e ir de copas a un tablado inexistente, en donde canta y baila un bailaor y una bailaora lanza como una lanza su tono andaluz, entonces las quiteñas españolas que a partir del 7 de Diciembre ya serán solo quiteñas, comienzan a mover los brazos y los dedos, imitando un baile andaluz, sin saber siquiera donde está Andalucía. Y, desde luego, sin saber bailar.
Resulta gracioso que en una ciudad bella y mágica como Quito, se celebre el genocidio de España, y luego, se celebre el genocidio de los animales en una copia moderna del Coliseo romano.

LA BELLEZA DEL SENTIR

2010-03-04T17:31:00.000-08:00

La televisión pública (Ecuador TV, UHF Canal 48) debe ser, actualmente, el medio de TV con más programación nacional. Casi una veintena de programas salen al aire concebidos y realizados por productores nacionales. En este medio casi es nulo el “tijeretazo” fácil de una programación chatarra, o la compra de productos extranjeros que comercialmente son tan rentables como pésimos.
Uno de los programas que más me atraen es “La Belleza del Sentir”. En un formato nada aspaventoso, con una producción ligada a la obra artística, este programa ha presentado a los más importantes escritores vivos del Ecuador. Al principio puede parecernos un documental, pero también es un pequeño corto, con gran ambición cinematográfica, producido por Cristian Londoño, joven poeta y estupendo cineasta. Sabe fusionar con proyección audio visual, la literatura con la imagen. Consiguiendo un producto de alta calidad. Además los escritores que ya han salido en el programa (y que pueden ser vistos en la página web del canal (www.ecuadortv.ec) son realmente de altura. Desde nuestro querido Jorge Enrique Adoum, pasando por los grandes nombres de la narrativa: Alicia Yánez, Jorge Dávila Vásquez, Raúl Pérez Torres, Eliécer Cárdenas, Abdón Ubidia, Lucrecia Maldonado o los poetas Carlos Eduardo Jaramillo, Fernando Cazón Vera, Ana María Iza, Catalina Sojos, Iván Oñate, entre otros. Se han producido ya 24 programas, en dos temporadas, que podrían ser publicitados como una serie audio visual de literatura ecuatoriana, inclusive para estudiar en los colegios y en las universidades a los más importantes y reconocidos escritores del país.
Por suerte “La Belleza del Sentir” continua, con una tercera temporada de 12 programas donde seguirán apareciendo otros nombres de la literatura del país. El 10 de Diciembre comienza esta temporada. Ha sido un honor que quien escribe el presente artículo inaugure esta nueva serie.
Este programa es un hito, un ícono de la televisión, por ser un animal bello y terrible, en donde se conjuga todo lo que hemos pedido a gritos a la televisión nacional: calidad, contenido y estética. Un programa con todas las de ley.

Hurgando por la página intangible del Himno Nacional

2009-11-28T10:48:00.000-08:00

“Marchemos, hijos de la patria, Que ha llegado el día de la gloria/ El sangriento estandarte de la tiranía/ Está ya levantado contra nosotros” (...). Así dice, la traducción de los primeros cuatro versos de La Marsellesa, el famoso himno de Francia, que fue compuesto a fines del siglo XVIII, cuando la Francia decidió adelantarse a los otros reinos y pasar a ser República. Pero su canto se prohibió en varias ocasiones. En la época del Imperio y, más tarde, en la Restauración de la República, quien osaba cantar la Marsellesa era sospechoso de amar a la Patria. Quien pretendía cantarlo, quien le daba duro a sus versos, con la voz, era un insidioso. La Francia tuvo que sufrir a su himno, someterlo al dolor de la negación. Y es que solo lo que se niega existe. Lo que se afirma sin conocer, nunca será conocido. Hay que dudar de uno mismo, de lo que se canta, de lo que se come, de lo que se vive, y luego sí, como diría el buen Descartes, que, a propósito, era francés: existe, existo, existimos.

Hago esta reflexión con el propósito de pensar en nuestro Himno Nacional y en su contexto, en su forma, en su interpretación. El himno de un país debería ser su radiografía, su pasado con proyección al futuro, o su misma piel.

Cuando la genial Edith Piaf, la gran cantante francesa, interpretó La Marsellesa como si se tratara de una canción popular, toda Francia se encendió en fiesta. El himno había vuelto a nacer en los labios de la pequeña gorrión. El himno se alzaba como una muralla y los franceses se sentían más franceses que nunca, mientras las notas se desgajaban desde esa voz acorazonada.

Empecé contándoles la experiencia de Francia y su himno, no solo porque es maravilloso, también porque fue una canción prohibida, por la que murieron muchas personas en nombre de la igualdad, la libertad y la fraternidad. Por ella, por su canto, por su fuerza, cayeron reinos, estalló la guerra, los fascistas quisieron hacer “arder a Paris”. En 1945 volvió a ser interpretada por Piaf. La melodía llegó triunfante y encendió la paz.

Lo hago también porque siempre, en nuestro país, se ha dicho aquella frase entre hilarante y patriotera que “nuestro Himno Nacional es el segundo más bello del mundo después de La Marsellesa”. Pues bien, primero les pregunto: ¿Alguno de ustedes asistió al concurso de señor Himno? ¿Lo vieron por TV? ¿Salió la noticia en la prensa de que un grupo de expertos hímnicos se reunió en Praga, en Bruselas, en Roma, en Nueva York, en París para escoger el mejor himno, y luego salió el veredicto escrito con letra de oro: el primer lugar es para Francia y el segundo es para Ecuador? ¿Cuál habrá sido el tercero?
Debo decirles que todos los países de América Latina consideran que su Himno Nacional es el mejor del mundo después de La Marsellesa. Pregúntele a un mexicano, a un colombiano, a un peruano, inclusive a un español, que, aunque su himno no tiene letra, el canturreo, el tarareo, supuestamente tiene la misma distinción que tiene el nuestro. O será que acaso nosotros ganamos en algún año remoto y el concurso se sigue dando secretamente y se entrega cada año a alguna nación, dejando el invicto eterno para Francia.

Siempre he creído que lo que se embellece por la fuerza pierde su belleza porque pierde su fuerza.

El Himno Nacional del Ecuador no necesita de concursos. Realmente es un Himno hermoso. Para muestra veamos quiénes son sus autores:
Antonio Neumane nace en Córcega, Francia. Sus padres son alemanes. Estudia en Milán. Fue director de coros en Chile y Perú. Finalmente se aposentó en Guayaquil, en el barrio de las Peñas, en 1841, en la misma casa donde alguna vez se alojó Simón Bolívar. En 1870 Neumane toca el Himno Nacional del Ecuador en la plaza de la Independencia de Quito, siendo, él mismo, el director de orquesta. Su currículo no tiene precio. El Himno fue hecho para que otro artista escriba, sobre sus notas, la letra que le haga vibrar. Y se escogió a Juan León Mera, figura indiscutible de la literatura y de la política. Fundador y primer presidente de la Academia de la Lengua del Ecuador. Finísimo, conservadorísimo, cultísimo y ambateño -sin el ísimo-, porque se creía españolísimo hasta la corona. Amaba a España y además, al igual que una gran cantidad de gente de su época y de todas las épocas, vivió absolutamente convencido de que el mestizaje pasó por todos los ecuatorianos, menos por él y su familia.

Ese fue el dúo dinámico que creó nuestro Himno.

Ahora bien, permítanme decir algo de la música. Para ello me referiré a una cita del maestro Segundo Luis Moreno que se encuentra en el libro “Ecuador: señas particulares” de mi querido Jorge Enrique Adoum, en la que hace un análisis comparativo sobre las complicaciones de nuestro símbolo musical patrio, refiriéndose a la duración de los compases:
Cito: “mientras los himnos de Gran Bretaña, que consta de catorce compases en tres tiempos, el de Alemania Occidental (de dieciséis), el de Estados Unidos de Norteamérica (de veinticuatro, en tres tiempos), el himno Nacional del Ecuador contiene ¡noventa y tres compases!, a cuatro tiempos, con sus repeticiones”.
Aquí constatamos, entonces, la dificultad para la ejecución de la música del Himno. Un Himno escrito con sonido europeo, un Himno que se sostiene en el linaje de Neumane. Nuestro Himno suena a Europa, se lo podría ejecutar en el Liceo de Barcelona, en el Teatrum de Milán, o en la ópera de Viena. No envidia a ninguna sinfonía, cada sonido es perfecto, aunque no suene ni una quena ni se le escuche al rondador, aunque el trino del Reyno de Quito se nos borre por un momento y seamos la Alemania o la Francia de Neumane… Y que conste que la culpa no es de Neumane, el maestro franco-alemán, Director del Conservatorio de Música de Quito. Él hizo un himno con mayúsculas para un país andino que no tenía esa tradición musical, sino otra, igual de respetable. Nosotros tenemos más de pájaro del páramo. Sonamos a trino húmedo de los bosques tropicales, más que a la solemnidad de las Europas; pero ahí le damos, debemos cantar para que se nos escuche como a los niños cantores de Viena. Habría que hacer énfasis en lo que implica la interpretación coral.

Sigamos leyendo a Jorge Enrique Adoum:

Cito: “Está también la dificultad de cantarlo no siendo un país de tenores (…) De ahí que, pese a la buena voluntad y al esfuerzo de quienes lo cantan, pocos llegan a la nota exigida en el compas 14 (…)”

Dicho compás recae en aquel verso que dice “y otros héroes que atónito el mundo”.

Continúa Adoum: “El maestro español Carlos González Arijita presentó en 1968 un arreglo coral (del himno) que lo volvía más humano, pero el presidente Otto Arosemena Gómez dictaminó que el Himno Nacional es intangible y el maestro innovador fue llevado a la cárcel.”

El Himno Nacional está hecho para interpretarlo en sol mayor y cantarlo en fa mayor. Sin embargo, se le rebajó un tono y ahora se lo canta en mi mayor porque según ha dicho el músico Mario Godoy: “se adapta mejor al registro de la voz humana”.

Si los franceses cantan La Marsellesa con toda la granada de su pulmón lo hacen también porque pueden hacerlo. El himno francés no tiene las complejidades del nuestro. Claro, no todos los franceses son Edith Piaf y, desde luego, nosotros tampoco somos el coro de ángeles de Nuestra Señora de París.

Alguna vez escuché a la querida y brillante soprano ecuatoriana Beatriz Parra decir, con cierta agitación en su voz, que no es lo mismo cantar en Quito que en Guayaquil. Nuestro Himno tiene tonos tan altos que en muchas ocasiones debemos parar para tomar aire. Todo esto, mientras cortamos las palabras.
-Fíjese como decimos “Dios miró ia cep to el ho lo ca a a a aausto”-. Es que, amigos, cantar el Himno a 2800 metros sobre el nivel del mar, no es, nunca será lo mismo, que cantarlo al nivel del mar con todo el oxígeno a disposición o entonarlo en las campiñas francesas donde la tierra no está a más de 600 metros sobre el océano. Nuestro Himno no es apto para cardiacos.

La polémica sobre el Himno ha dado pie a grandes enfrentamientos, por ejemplo, el hecho de que los versos del Himno Nacional de Mera, cuartetos de 10 sílabas métricas perfectas, no se adapten a la música, de modo que suena más el ritmo musical que el sonido de la palabra. Por ejemplo, “que atónito”, expresión formada por un pronombre relativo y una palabra esdrújula que no rima con facilidad, a “algunos” les suena como “que a todito”, o ese “vio en tu torno a millares surgir”, no sé porqué “algunos” insisten en cantarlo como “vio en su torno a millares surgir”.

Para finalizar quisiera hacer unas últimas consideraciones. Cantamos solo la segunda estrofa, sin tomar en cuenta que cuando uno empieza algo no desde el principio, sino desde lo que nos conviene, algo falla. Al suprimir la primera estrofa del Himno y cantar desde la segunda, no sabemos por qué motivo derramaron su sangre esos héroes que el mundo “atónito” vio y contra quién combatieron, por qué causa, cuál fue su hazaña.

Lo que más me seduce del poema patrio de Mera es como le trata a la Patria: le tutea, le habla de “tú”, “te impuso la ibérica audacia…. Qué pesaba fatal sobre ti… de vengarte del monstruo sangriento… oh Patria, tu libre existencia/ es la noble y magnífica herencia/ que nos dio el heroísmo feliz:… te aclamaron por siempre señora/ y vertieron su sangre por ti… vio en tu torno a millares surgir”. Eso es lo que más me gusta, que el poeta vea a su Patria como una verdadera madre, pareciera que Juan León Mera le estuviese diciendo a la Patria -si hubiese nacido en estos tiempos- algo así como: “Ma… te quiero… Gracias, Ma, por darme de comer, gracias porque todos los días puedo ver el Pichincha desde aquí. Y perdóname por negarte, por despreciar tu música, tu llapingacho, tu paisaje. Sabes que yo siempre vuelvo a ti, Ma, soy el hijo pródigo que regresa a la orilla de tu pecho, “tu pecho reboza… más que el sol”.

Siempre recuerdo una hermosa película argentina-española de Adolfo Aristarain. En ella aparece Federico Luppi interpretando a un padre viejo de nacionalidad y acento argentino y que habla con su hijo, al que ha invitado a vivir unos días con él, en Madrid. El joven llamado Martín extraña mucho su país y le dice a su padre que quiere volver, pero su padre no quiere que se vaya. Entonces él le dice: “Hijo, la Patria no es el territorio, el Estado, las ciudades, la geografía… La Patria es el barrio, son tus amigos, tus recuerdos de la niñez, tu idioma, tus travesuras. La Patria la haces tú, tú no extrañas Argentina, extrañas la Patria que alcanzabas a ver desde tu ventana, los alambres de luz en donde se aposentaban las palomas…”.
Y es verdad, la Patria debería ser más cercana. A pesar de tener un Himno perfecto y nuestros pechos “en férvido grito”, como dice otro himno, no avanzamos a demostrar todo el amor. Nuestro Himno es bello, aunque me gustaría que sea más sencillo, más decidor, más contemporáneo, menos doliente. Así, como una canción hermosa de Silvio Rodríguez que se llama “Madre” y que dice:

Madre, en tu día,
no dejamos de mandarte nuestro amor.
Madre, en tu día,
con las vidas construimos tu canción.

Madre, que tu nostalgia se vuelva el odio más feroz.
Madre, necesitamos de tu arroz.
Madre, ya no estés triste, la primavera volverá,
madre, con la palabra “libertad”.
Madre, los que no estemos para cantarte esta canción,
madre, recuerda que fue por tu amor.

Lo bello de esta canción es que la madre a la que se refiere el cantautor no es su madre biológica, sino su país. El país que le da de comer, el país que le da de vivir.

Ni más ni menos.

Quito, 26 de Noviembre del 2009

LA LEY DE CULTURA ES UN CICLOPE

2009-11-28T10:43:00.000-08:00

Imaginemos que soy un gestor cultural y deseo pedir apoyo, auspicio, ayuda, financiamiento al Sistema Nacional de Cultura, que aún no existe, pero que está a las postrimerías de su nacimiento. Tengo un proyecto entre manos y me acerco al sitio en cuestión, donde la burocracia funcionará con su espesor de siempre y su ignorancia común.
Llego y me encuentro con alguna persona a la que no le simpatizo, con quien no tengo química. Entonces ésta decide ponerme las trabas necesarias para que mi proyecto no salga. El documento va de departamento en departamento, no sé qué pasa, no logro comunicarme con nadie. Quisiera hablar con el Ministro, pero nunca está, es difícil encontrarlo. Quiero hablar con alguien que me haga saber que el trámite está caminando. A la final me canso, me desobligo, y decido acudir a otra institución cultural autónoma, pero ya las autonomías se acabaron. Entonces me quedo con el proyecto aislado de participación, todo porque una ficha del gran ajedrez del nuevo sistema Nacional de Cultura impidió mi paso, entonces como no hay nada más que hacer, ya que acabaron con mi aliento, me desobligo y me voy.
Esto puede pasar si las autonomías desaparecen. Si la Casa de la Cultura, por ejemplo, deja de ser gestora de su propia historia. No estoy de acuerdo en absoluto en esta ley que aglutina al aparato de cultura a un solo lado. Eso significaría unidiversidad, absolutismo cultural.
El Ministerio de cultura debería ser una suerte de ministerio de finanzas de la Cultura, nada más. Ya hemos sido testigos de la inexperiencia de dicha institución. Mucho dinero y poca eficiencia. Desorganización espantosa. Con tantos trabajadores en el ministerio y no hay nadie que informe, que ayude, que guie.
Estoy decepcionado. La experiencia de la Casa de la Cultura es otra cosa, son 65 años de haber trabajado, de haber labrado una tradición, una historia. Con grandes falencias, pero con mayor eficiencia. No permitamos que la Casa se convierta en un instituto ramplón, manejado por un cíclope de visión corta y única.
Apoyo incondicionalmente a este gobierno, pero no estoy de acuerdo con el Sistema de Cultura que se propone en la Ley.

EL GOBIERNO Y LA LUZ

2009-11-17T16:24:00.000-08:00

A partir de los cortes de luz que estamos sufriendo en el Ecuador por la sequia, debido a que la lluvia no se hecho presente en estos tiempos de invierno soleado, los ecuatorianos hemos tenido que ser testigos de una campaña mediática en contra del gobierno. He escuchado, entre otras, las siguientes perlas dignas de la ignorancia y la mala intención:
1. “Correa es el culpable de que nos quedemos sin luz. No podemos vivir con este gobierno que no hace nada porque llueva. ¿Por qué no pensó en el nivel de agua de la represa cuando comenzó a mandar?, ¿cómo no se dio cuenta de que no llovería, si era más que obvio que el invierno no iba a llegar al país?, porque ahora ya no llega nada desde que este presidente comunista nos quita hasta la luz; los países comunistas son grises, sombríos, nada luminosos, en cambio, los capitalistas son llenos de foquitos de colores.”
2. “Correa no solo nos va a matar con sus cortes de luz, sino que también nos va a envenenar, debido a que las carnes que se descongelan en el corte, y entonces cuando preparemos esas carnes venenosas moriremos intoxicados por culpa de Correa.”
3. “El gobierno va a traer energía desde el Perú y va a pedirle a los países amigos que le presten energía. ¡Qué iras! ¡Por qué más bien no les piden a los que Correa considera enemigos! ¿Por qué tiene que ser Venezuela, Irán, Rusia… los amigos! ¡Tiene que ser igual que siempre… pedir ayuda a los gringos! ¡Ayúdennos a que vuelva la luz!”
4. “Sudamérica entera sufre de sequía. En Brasil y Paraguay sucedió algo parecido… Correa ha culpado a los otros gobiernos, pero ellos no tienen la culpa. Correa es el que adrede nos da oscuridad. ¡Esto es Edad Media, es retroceso! ¡Auxilio!”
Me quedo corto aún con lo expuesto. Lo cierto es que el Ecuador ha dependido del agua siempre y la sequía y el cambio climático nos agarró desprevenidos. Para ello, este gobierno está trabajando en un macroproyecto a largo plazo, por el momento hay que ahorrar luz e incomodarse. No nos queda más.

BERLÍN Y EL MURO EN SEIS TIEMPOS

2009-11-09T13:14:00.000-08:00

1. Hace un año estuve en la hermosa y extraña ciudad de Berlín, y todos los días atravesé el muro imaginario que 20 años atrás fue destruido y que supuestamente volvió a “unir” al mundo.
2. Hace 20 años, el 9 de noviembre de 1989, los berlineses del este y del oeste se juntaban otra vez. Los alemanes occidentales los recibían con luces y calefacción; los orientales dejaban a un lado el gris de su color. Eso nos decían los medios de comunicación de occidente. Los de Oriente no se manifestaban. Creíamos que la felicidad del occidente era la única posibilidad de vida.
3. Hace 30 años yo veía en la TV las series norteamericanas con las que crecí. Los súper héroes de mi época eran el hombre y la mujer biónica, ellos siempre lucharon en “la guerra fría”, siempre entraban y salían del “cordón de hierro” que separó al capitalismo del comunismo, para salvar al mundo de las garras rusas. El mundo estaba polarizado y mi niñez la viví suponiendo que pronto vendría la tercera guerra mundial y que en Berlín se originaría esta guerra, ya que los ejércitos enemigos estaban literalmente, al otro lado.
4. Hace 48 años construyeron el Muro de Berlín. El asunto suena antiguo, casi medieval, aunque no tanto: en la era Bush, hace poquito, en los EEUU, se escuchó que tenían pensado construir un muro en la frontera con México para evitar el paso constante de indocumentados. Es decir que el muro es una eficaz solución ya comprobada por los enemigos comunistas.
5. En la actualidad, los alemanes que crecieron en el occidente, en la época del muro, pueden reconocer a los que crecieron al otro lado. Hoy, luego de 20 años dicen que los del otro lado son callados, “traumados”, que hablan, comen y viven distinto. Es decir, la unificación fue en el papel y en el muro, pero la gente sigue separada.
6. Hace miles de años no habían fronteras en el mundo. Ahora para viajar a Berlín o a cualquier país del “primer mundo”, hay, prácticamente, que violar nuestra intimidad para ver si nos dan permiso. Las visas son, en la actualidad, los ladrillos que han dejado los grandes muros de la historia.

MIS MUERTOS

2009-11-02T05:56:00.000-08:00

Recordar a los muertos. Volverlos a tener en nosotros, con la piel de sus recuerdos, con la seda japonesa que imperceptible queda en los años, como una llaga, con el olor del tiempo que ha curado heridas, que ha cicatrizado el corazón de los golpes. Que se van, que van a estar mejor, pero nosotros nunca seremos los mismos, ni estaremos nunca mejor. La vida nos va golpeando y ya no podremos sonreír como lo hacíamos en nuestros juegos infantiles. Nosotros solo seremos el baúl que guarda sus recuerdos, la cajita que almacena el último rostro, en los momentos en que vivimos la vida juntos, en que nos movíamos juntos, y luego, el instante en que sufrimos juntos, amamos juntos, percibimos el mundo juntos.
Luego viene la muerte: y se nos lleva (al cielo, al purgatorio, al limbo, al infierno, o al abono de la tierra, eso no importa), igual sufrimos, igual no podemos perdonar a nadie y menos a Dios el habernos provocado tanto dolor: solo el tiempo es juez de nuestras penas, de nuestras obras, de nuestras explosiones de júbilo o tristeza. Solo el tiempo se encarga de hacernos ver a nuestros muertos como figuras en vida de nuestras ilusiones, de nuestras esperanzas. El tiempo coloca a nuestros muertos con las ropas que verdaderamente usaron, con el carácter que tuvieron, con el olor que nos regalaron. Nuestros muertos son verdaderos mástiles de nuestras vidas. El recuerdo es más que la vida misma. Uno recuerda mucho más que lo que vive, porque uno vive el diario de los días, pero los recuerdos son extensiones anchas del terreno de nuestro corazón. Nuestros muertos nos regocijan con los recuerdos. Es como la infancia, como los niños que vemos crecer, cuando somos padres o tíos, y que cada mínimo gesto provocador de sonrisa o ternura nos arranca un trozo de nuestras resistencias.
Nuestros muertos son nuestros más fuertes recuerdos, por eso mismo, los tengo tan a flor de piel que todos los míos están más vivos que muchos de los vivos con quienes convivo casi todos los días en los oficios que la vida exige.

OBAMA Y EL PESO DE LA PAZ

2009-10-31T16:09:00.000-07:00

Luego que el mundo se enteró que Barack Obama recibió el Premio Nobel de la Paz hubo una verdadera revolución de extrañeza social en el mundo. No muchos entendimos la posición de los académicos suecos ¿cuál fue el motivo para que el primer presidente negro de Estados Unidos reciba el galardón?
Permítanme conjurar lo ya conjurado, seguramente. Esto es lo que creo: La Academia sueca pensó como un profeta, y encontró en Obama un consuelo oportuno luego de que el mundo vivió la era Bush y los momentos más intransigentes de ese gobierno con aires fascistas, profundamente conservador y narcisista.
Obama llega a suavizar el rostro Bush con su sonrisa “Kolinos”, con su “feeling” galanesco y su carisma radiante nos conquistó a casi todos. Obama llega justo en la época en que se cayó “el muro” capitalista, aparece como “El salvador” del mundo, como profecía de Martin Luther King. Su figura negra enloquece a USA, país que ha vivido aislado de todo, menos de sí mismo.
En la tierra de Chomsky, Woody Allen, Oliver Stone (enormes críticos de su idiosincrasia) y de la “coca cola”, el “chicle” y los "malls", Obama aparece y se vuelve el Mesías del imperio, el que va a salvar a su pueblo y, claro, de relancina nos va a salvar a todos de una vez. A la larga todos somos cómplices de su premio. Todos lo hicimos “ideal”: un presidente de raza negra, con una enorme popularidad, con un discurso renovado y ganas de cambiar el curso de la historia. Todos nos decíamos felices: él impedirá la guerra, él hará de Fénix en Afganistán e Irak; él no se entrometerá en los problemas de los otros, él hablará con Latinoamérica, él desbloqueará Cuba, él dejará de tener deudas morales con la antigua Unión Soviética, con Vietnam, con Hiroshima y Nagasaki; él entregará las armas nucleares que atesora su país, así como exige a los otros países del mundo hacerlo. Todo esto pensamos, y esto debió pensarlo también la Academia sueca. Pero nada de esto ha pasado. Solo espero que el peso del Premio Nobel de la Paz recaiga en Obama como una cruz, la comience a cargar hasta llegar al calvario y sea un compromiso con el mundo.

LA SELECCIÓN Y LA PATRIA

2009-10-31T16:05:00.000-07:00

A mí no me gusta el fútbol. Nunca me gustó, sin embargo, el gran caudal de información que nos ha inundado en los últimos años sobre nuestra selección ha llevado a interesarme en él. He sido participe, como todo el Ecuador, de las dos clasificaciones de la selección a los mundiales últimos. He vivido con cierta intensidad los partidos y me he emocionado, muchas veces hasta la lágrimas.
Los últimos sucesos vividos con la selección también me han conmovido y me ha decepcionado la hinchada, más no la selección.
De lo que he podido escuchar a los expertos, la madurez de una hinchada es un proceso de triunfos y derrotas, de grandes expectativas y enormes vicisitudes. El fútbol es como la vida, y uno no puede siempre ganar, inclusive para tener un sabor más especial en la boca.
En estos días he oído muchas cosas, por ejemplo que la selección tenía la obligación de ganar los encuentros porque era su cancha, era la historia, era la patria. Qué terrible compromiso, que fatua concepción. Jorge Enrique Adoum dice que solo el fútbol y la guerra ha logrado aglutinar al país y ha sentido en colectivo un espíritu patriótico verdadero. Pero el rato en que las cosas no salen como uno quiere y cree, entonces el mundo se nos va de las manos, se nos acaba el “patrioterismo” y nos desinflamos. Galeano afirma que el fútbol es la mejor forma de identificar la idiosincrasia de un pueblo. En una cancha de fútbol está presente siempre lo mejor y lo peor de una nación.
Qué terrible inmadurez a la hora de perder, como si los jugadores tendrían la obligación de ganar y qué en lugar de ello, hubiesen buscado las mejores estrategias para perder. Mi generación “jugaba como nunca y perdía como siempre”. Estas nuevas generaciones se han acostumbrado a ser ganadores. Y está bien, pero uno no puede esperar que las emociones se vuelvan tan cotidianas.
Gracias a la selección hemos conseguido unirnos. Eso no lo ha hecho ni el Obispo, ni la democracia, ni el regionalismo, ni nada. Solo el fútbol, que de fiesta puede tranquilamente volverse una guerra. Y hay que recordar que la guerra también une.

MERCEDES DEL ALMA

2009-10-31T16:02:00.000-07:00

La voz de Mercedes Sosa debe figurar entre las voces más intensas y perfectas del mundo. Salía resonante, como un cañón, y dejaba su eco en todo el ambiente. La oímos todos, en todas las generaciones. No había opción, ella cantó para todos los gustos: de su boca salían las canciones de Atahualpa Yupanqui, y las de Alberto Spinetta; entonó los clásicos de Silvio Rodríguez y Joan Manuel Serrat, e hizo dúo con las voces de Gustavo Ceratti y Fito Páez. Entendemos a esta mujer como la VOZ más pura de América, como que una gran canción debía pasar por el escáner de su tono, debía figurar en su ritmo, debía entonarse en esa explosión tucumana que fue, que es y que será.
Hace pocos días una ex alumna mía, sensible, inteligente y generosa, me obsequió el disco “Cantora” de la “Negra”, allí está su voz mezclada con voces tan disímiles como las de Shakira, Julieta Venegas, Diego Torres o Jorge Drexler, entre otros. Sé que hay un segundo disco en donde canta con Franco De Vita, Daniela Mercury, Vicentico y otros. A la negra le iba todo tono. Quien cantó con ella se debía preparar para el anonimato de su voz, para que su voz se pierda en ese eco interminable de Mercedes.
Si Violeta Parra fue la compositora de América, Mercedes fue la voz. Nadie cantó mejor y con tanta pasión el canto a un continente; nadie alzó tanto la voz para gritarle al mundo las ganas de libertad. Nadie tuvo tanta entereza, tanta gravitación. Mercedes es una cantora, pero también tiene alma de libertaria. Me da la impresión de estar hablando de una Manuela Sáenz, de una Flora Tristán, de una Malinche contemporánea. Como ella no hay dos, ni hubo una, antes. Hay voces hermosas, pero nadie tiene el compromiso de fe con el talento. Ella fue la palabra de otros en la voz más bella de América.
Por eso te han querido todos, mi negra Sosa: Los Charlies, los Fitos, los Cerattis, los Sabinas, los Serrates, los Atahualpas. Por eso han declarado un duelo en el corazón y están con el dolor en la epidermis los jóvenes, los viejos, los blancos, los negros, los anglos, los indios, los ricos, los pobres. Es que tu voz, Mercedes Sosa, es el nombre de América.
Ahora solo te toca vivir la inmortalidad, negrita.

El diablo los “UNE”

2009-10-31T15:58:00.000-07:00

Yo siempre quise ser profesor desde mi más tierna infancia. Evalué a todo lo que podía. Califique sobre 20 a las plantas, a las paredes, a los periódicos. Más tarde jugué a la escuelita con mi hermana, con mis vecinos, con quien llegará a mi casa. Llevaba la profesión en mis arterias. Más tarde comencé a imitar a mis profesores, luego estudié y, finalmente, comencé a dar clases. Llevo ya casi 15 años enseñando lenguaje, literatura y filosofía. Y soy feliz en esta profesión.
Sin embargo, al recorrer el camino, uno puede encontrarse con la mayeútica socrática, por un lado o con la UNE, por el otro, de la que Dios me libre.
Los pobres profesores fiscales sí que nacen de otra experiencia. No me refiero a todos, pero si a un alto porcentaje de docentes que han hecho y deshecho la educación en este país. Hace falta solo ingresar de “visita” a algún colegio fiscal para darse cuenta que la educación pública está fracasada hace años. Uno llega a esos colegios y se entera que los profesores no están, que han pedido “comisión de servicios”, que están “investigando”, que qué pasaría que no ha timbrado la tarjeta, que para todo hay justificación, que a los alumnos se les dejará un trabajito. Estos “catedráticos” han causado, en la comunidad, todos los sentimientos: desde la más recalcitrante de las lástimas, hasta la más alta auto estima. Sin embargo no se preparan más que para subir de escalafón, en esos cursos mediocres, repletos de falsas apreciaciones didácticas.
Considero que hay un problema gravísimo en la educación pública de este país, y es que ya la gente se ha acostumbrado a ello, y cuando uno aprende a vivir entre telarañas, no tiene porqué hacer limpieza a la casa.
Y están allí, los profesores de la UNE, queriendo paralizar el país como siempre, tomando su poder como si fueran feudales medievales, no hay que dejarlos que nos sigan arruinando la patria. El Ministerio de Educación contabilizó que la UNE, con sus paralizaciones, ha dejado a los alumnos con más de 700 días sin clases en toda su historia.
Ya basta de esta mediocridad media contagiosa. Lo digo porque ahora hay unos periodistas que se han hecho defensores de la UNE. Qué horror, aunque bien dice el refrán, Dios los cría…

LOS FALSOS PROFETAS

2009-10-31T15:55:00.000-07:00

Abundan en estos días unos “falsos profetas” que tienen “poderes síquicos” para registrar el futuro que se nos avecina. Dijeron hace más de tres años que ya venía el comunismo, que ya, más pronto que tarde, nos quitarían las casas, que ya llega la “dictadura del proletariado” a ajusticiarnos porque, de ahora en adelante, todo será “a medias”.
Estos sabios conjurados dijeron que la constitución es abortista y que gracias a ella tendremos millones de niños muertos antes de nacer, y la culpa recaerá sobre Correa. Esos cavernarios de la “mal memoria” que dijeron que el presidente se acercaba a la Patria, como el mismo caballo del apocalipsis, a convertir a nuestros hijos en pioneros de la revolución y a fundar los nuevos huasipungos.
Esos profetas mal nacidos que ahora se ponen a favor de la UNE, y quieren encontrarle el brillo al gran favor que nos han hecho a lo largo de su historia: Ahora la UNE es grande para ellos, es fuerte, es la resistencia; ahora los profesores de la UNE son héroes, son “verracos” que están luchando contra las fauces del gobierno del Leviatán.
Los falsos profetas son aquellos que nos dijeron que vieron venir los camiones con la nueva moneda que Correa impondría en lugar del dólar, ellos lo confirmaron, porque siempre tienen “palancas” en los gobiernos y entonces es fácil predecir la desdolarización que nos matará de hambre.
Los falsos profetas ahora dicen que los aviones que quiere donar Venezuela van a ser parte de las armas con las que lucharemos a traición contra Colombia, que Chávez nos está armando porque ahora seremos un país con aviones “Mirage” para atravesar a mansalva el cielo luminoso de Colombia y lanzar nuestro grito en forma de pólvora.
Los falsos profetas se inventaron a Fabricio Correa, a Balda, al cabo Badillo con su mentira creada hace años. Ahora todo lo que está en contra de Correa es bueno. Así lo han dictado y cada día van comunicándose con el oráculo de sus profecías, para seguir dando sus respuestas.
Quisiera tener una profecía para ustedes, profetas falsos, pero no tengo esos poderes. Aunque espero, de todo corazón, que pronto nazca el hijo de la profecía que se encargue de ajusticiarlos y callarlos.

65 AÑOS DE LA CASA

2009-10-31T15:50:00.000-07:00

La Casa de la cultura Ecuatoriana cumplió, este año, 65 primaveras en flor. Sus festejos fueron cautos, porque había detrás de él un cierto miedo a que su trabajo sea borrado por un codo.
Su historia, su valor tangible e intangible, el pensamiento de Benjamín Carrión tirado en un tacho en nombre de “la ley”. Sin embargo el gobierno Nacional parece haberse dado cuenta de la importancia de la Casa en la convivencia con el País y, todo parece indicar, que la ley de cultura va a respetar las canas, la experiencia y la figura de la Casa, para bien de la cultura del Ecuador.
Todo artista ha criticado alguna vez a la Casa, pero todo artista ha ido a la Casa, ha ocupado sus espacios, ha pedido auspicios, ha usufructuado de sus beneficios. Nadie se ha librado de ella. Ella ha sido nuestro fantasma, nuestro verdugo, nuestra coraza, nuestra cómplice, nuestro refugio. En ella hemos confiado más que en cualquier otra oficina burocrática.
Estos años, en que la ha administrado Marco Antonio Rodríguez, la Casa ha vuelto a ser digna, firme, responsable. Ha vuelto a tener personalidad, ha vincularse con lo desvinculado, ha regresado a ver a los “enemigos” de la Casa, a los “amigos” de los otros. A todos. Ha hecho balances, ha dispuesto cambios, ha cambiado los caminos bifurcados, ha desmantelado los castillos en el aire y ha construido unos, de hormigón armado.
Los núcleos de la Casa de la Cultura han sido siempre igual de importantes que la iglesia, casi todos están ubicados en los aledaños del Parque principal de la ciudad, junto a la gobernación, a la alcaldía. La Casa de la Cultura es parte del accionar de un pueblo en el Ecuador.
Viva la Casa de la Cultura. No se puede borrar de un plumazo 65 años de historia. Sin ella nos faltaría algo, sin ella ya no fuera igual el color de la cultura, ni el paisaje de la historia, ni la historia de ese magnífico Benjamín Carrión, que decidió cambiar, con la Casa de la Cultura, nuestra historia. La historia de la Patria pequeña.

GUAYAQUIL: UNA SEMANA DE POESIA

2009-10-31T15:47:00.000-07:00

La semana pasada (del 31 de Agosto al 5 de septiembre) viví un tiempo repleto de literatura en la ciudad de Guayaquil. Momentos intensos antes de incorporarme a las labores educacionales y dar por terminadas mis vacaciones.
Un encuentro de voces poéticas (De “Vos a Voz”) organizado por la Casa de la Cultura y EL ANGEL Editor, un encuentro de literatura (“Encuentro de Almas”) organizado por la Agencia Literaria “El Conjuro” y el lanzamiento del libro de poesía “La voz Habitada”, libro publicado el año pasado por El Ángel y Editorial Eskeletra.
Fue una semana de mucho corre corre y grandes encuentros con los amigos.
En el primer acto realizado en la Casa de la cultura Núcleo del Guayas, y gracias a la agilidad desburocratizada de la presidenta del Núcleo, Rosa Amelia Alvarado Roca, ella también poeta y una gran dama de la cultura, el acto tuvo mucho éxito. Nos encontramos con poetas de Cuenca, como Sara Vanegas; Maritza Cino y Sonia Manzano de Guayaquil; Edgar Allan García, esmeraldeño, radicado en Quito y cinco de los poetas del libro la Voz Habitada: Julia Erazo, Carmen Inés Perdomo, Carlos Garzón y Ana Cecilia Blum, que coincidió su viaje a Ecuador con la intensa semana, ya que actualmente radica en los EEUU. Una sala casi llena y un gran ambiente de apreciación hacia la poesía fue lo que reinó en ese lunes de mucha expectativa.
En el Encuentro de Almas, como denominaron sus organizadores a la cita literaria en Guayaquil del 1 al 5 de Septiembre intervine leyendo poesía junto a nombres importantes como Ana María Iza y Simón Zavala, además me uní a un homenaje que hizo a Jorgenrique Adoum y tuve la suerte de presentar la reedición impecable de su “Mayo del 68 (¿Siglo XXI?)”.
Y por último, el día viernes fuimos partícipes de un hermosísimo acto en El Centro Cultural Libertador Simón Bolívar, en pleno malecón 2000, al lado de las Peñas. Presentamos el libro “La voz habitada” teniendo como padrino al gran poeta lojano radicado en Guayaquil, Carlos Eduardo Jaramillo. Un hermoso acto en un lugar realmente monumental.
Digna forma de terminar mis vacaciones y volver a la cotidianidad. Siempre con la poesía como un faro en la bahía de mi vida.

LOS POBRES

2009-10-31T15:45:00.001-07:00

“Disculpe el señor/ si le interrumpo, pero en el recibidor/ hay un par de pobres que/ preguntan insistentemente por usted./ No piden limosnas, no.../ Ni venden alfombras de lana,/ tampoco elefantes de ébano./ Son pobres que no tienen nada de nada./ No entendí muy bien/ sin nada que vender o nada que perder…”. Así comienza la canción de Serrat, “Disculpe el señor”. Ubico este fragmento como un epígrafe a mi artículo, a propósito de una nueva preocupación que me surge en estos tiempos de cambios. No voy a hablar exactamente sobre los pobres del país. Me quiero referir, más bien, a los nuevos y recién salidos “masters” de la pobreza, estos “críticos” que hablan de los pobres, como si sentarán con ellos a hablar, como si entendieran el problema, como si hubieran escuchado bien la canción de Serrat. .
Alguna vez alguien me dijo que el presidente Correa no solo debería trabajar por los pobres, sino, también, por la “pobre” clase media y por los “pobres” empresarios del país, porque además los pobres ya tienen un bono gratis que les regalan y además siempre se les regala cosas y en navidad se hacen fundas de caramelos para que los pobres sientan el dulce del niño Jesús. Además, los pobres son visitados por los curitas que van a darles la palabra de Dios, como por ejemplo esa bienaventuranza tan ejemplar que dice: “Bienaventurados los pobres de espíritu porque de ellos será el Reino de los cielos”, entonces los pobres se regocijan en la esperanza de la otra vida, mientras en esta pueden pasar muriéndose de hambre.
Este gobierno se ha propuesto trabajar para los pobres. Pero los empresarios están enojados porque eran ellos los que les daban “trabajo” a los pobres, entonces lo que el gobierno debería hacer, según ellos, es apoyar a los empresarios que ahora están sufriendo porque ya no van a poder comprar lo que compraban antes, porque además tienen que pagar impuestos y son mucho los gastos y entonces les tocará bajar su nivel de vida y ya no podrán ni siquiera ayudar a los “pobres”. ¡Ay, lo que tiene uno que oír en estas épocas! Resulta entonces que los empresarios han sido más “pobres” que los pobres.

EULER: PREMIO ESPEJO 2009

2009-10-31T15:42:00.001-07:00

Euler Granda Espinoza nace en Riobamba hace 74 años. Desde muy joven se presentó en un estilo poético al que no renunciaría jamás. La anti poesía fue su brillo frente a la poesía convencional. Con ella logró decir lo que él era, lo que pensaba, lo que sentía. Nunca se dejó llevar por el canon, ni por el sentir “colectivo” de los otros poetas de su generación, ni de las venideras. Su nombre es además sinónimo de generosidad. Lo que escribió en su poesía lo ha venido cumpliendo en la vida. En su ya cerrado consultorio de médico general y siquiatra, al sur de la ciudad, daba atención a toda la gente que lo necesite, y en muchos casos no cobraba la consulta. Allí lo visitábamos sus amigos, los que estamos con él siempre, los que lo admiramos de verdad.
Su voz siempre estuvo diciendo, siempre fue un rebelde frente al poder. Su poesía social es muy conocida, pero lo mejor de su obra está, curiosamente, en sus poemas existencialistas y en su obra erótica. Su libro “De cómo tus piernas venían con nosotros”, Premio Nacional de Poesía, es una verdadera joya. La originalidad de su poesía radica en haber usado el “lugar común” como un remanente poético indiscutible. Siguiendo los preceptos de los anti poetas, Granda consigue el milagro de volver bello lo feo, de crear en lo reciclado del lenguaje la nueva propuesta.
Siempre crítico y amargo, siempre condenado al dolor del poeta solo, que no está conforme, simplemente porque la conformidad sería, indudablemente, la mediocridad.
Sus libros “los días amargos”, “Bla bla bla”, “Un perro tocando la lira”, “Que trata de unos gatos”, entre otros, son fundamentales para muchos jóvenes escritores que lo leen como escritor de culto. Su palabra es sagrada, porque es comunicación absoluta con el lector eficaz e inmediato.
Granda es un maestro a la hora de organizar el lenguaje. Gran hombre, gran amigo. Enorme poeta. Extraño, único, verdadero.
Qué bien dado el premio al maestro Granda. El humor negro que lo caracteriza y esa sensibilidad feroz de gato montes, se lo merecen.

Habrá que creer

2009-10-31T15:39:00.000-07:00

No me gustan las personas que no creen en nada, solo en sí mismas. En esta semana he tenido varias discusiones sobre este asunto, a propósito del nuevo mandato del presidente Correa. Escribí en mi facebook una nota en donde hice alusión a la celebración de la fecha del bicentenario, con la posesión del presidente Correa. Vaya coincidencia. Hace 100 años celebró Eloy Alfaro el centenario del 10 de Agosto, y cien años más tarde lo celebra Correa, presidente en el que creo. Esto suscitó una serie de comentarios entre mis amigos.
Lo que quiero dejar constancia es que a mí sí me gusta creer. He notado que ahora una gran mayoría de la gente que me rodea considera que la solución a todos los problemas del país y del mundo la tienen ellos. Yo en cambio me siento inepto frente a estos y por eso creo en otras personas que podrían tener esa solución. Me gusta tener a Correa como presidente. Me resulta mucho más apasionado que tener al León al Lucio, al Hurtado, al Borja, que pasaron por la palestra y no hicieron nada. Eso sí, estaban con sus corbatas, no hablaban mucho, solo lo que el protocolo obligaba. En cambio este Correa, del que dicen que habla “horrores” y que insulta como el mismísimo Juan Montalvo en aquellas épocas de García Moreno y Veintimilla, no tiene ese anti carisma de ser “ educadito” como los otros.
Yo creo en la persona que dice lo que siente, que defiende y se defiende de esos “cultísimos” “periodistas”, de esos “contadores” que sacan cifras por doquier, de esos “profetas” que saben que ya viene el apocalipsis, la desdolarización, el comunismo y sus muros, que además saben la cifra exacta de los desempleados, que sienten la pobreza de los más pobres, que hablan, por ellos, en una reunión con buen vino, que opinan sobre el “bono” y se atreven a decir que no lo deberían recibirlo porque son pobres mismo. Parecen tener un masterado en asuntos de pobreza. Terrible.
En eso yo no creo. Pero, al fin y al cabo, es bueno creer. Ya lo dice una canción bella de Alejandro Filio: “Habrá que creer/ en algo o en alguien tal vez”.

200 años y un grito

2009-10-31T15:35:00.000-07:00

Siempre he pensado que en el Ecuador sucede lo que actualmente se da con un triste y aquejado policía que atrapa al malhechor en pleno delito y, luego de unas horas, un juez lo suelta a la libertad, sin regadientes. Es decir, somos un país de frustrados. Sin embargo la historia es la que nos hace reaccionar y también la que más nos frustra.
Entender a los héroes de hace 200 años, a esas víctimas de nuestra felicidad y de nuestra libertad. Saber que existieron, que habitaron en las mazmorras de la muerte, que creyeron en ellos, en los otros, que no se dejaron manipular por ese colonialismo animalesco y gracioso que todavía suele escudarse en las ideas paupérrimas de los poderosos, de los ignorantes.
Pensar en la época del grito de la independencia, en este breve momento de reflexión que me produce la escritura, me lleva a la frustración. A aquella de la que siempre hablaron los existencialistas, y que después del grito y de la emoción, vuelve el río a su cauce. Siempre se repite lo mismo: el asesino vuelve a ser libre, luego de haber sido atrapado; el molino vuelve a dañarse, el corazón vuelve a desamorarse. Estoy pensando en esos héroes, estoy soñándolos, viéndolos en la ficción de mi realidad, con su boca como fusil, defendiendo el pensamiento de una nación libre, que piense como mestiza, que no se deje influir más, que no se contenga en el medievo del coloniaje, que no se funda en irrealidades.
Este 10 de Agosto, este 2 de Agosto, estos 200 años, este corazón libre, esta patria condenada a sí misma, a ganar en la pérdida, a derrotarse en la victoria, a no dejarse limpiar las heridas, a llorarse y a reírse de sí. A ser siempre plato de segunda mesa, cuando en realidad, fue la que inventó el plato y la mesa. Esta patria que gritó primero, que lloró primero y que es la luz de América. A ella la saludo, porque sin ella, sin su frustración y su libertad, no sería quien soy. Y a la patria la llevo libre en mí, desde que di mi primer grito en el nacimiento.

ADOUM Y YO

2009-10-31T15:31:00.000-07:00

Luego que Jorgenrique Adoum partió los medios de comunicación han dicho mucho sobre él. Los que antes eran sus detractores, ahora se han vuelto fanáticos de su obra, de su vida y hasta muchos se han inventado historias sobre él. Una vez que él nos ha dejado el legado de su enorme literatura, leo en la prensa cosas como “Adoum, el escritor más completo de Latinoamérica”, sin embargo, nadie hizo nada para que Latinoamérica asuma esto a fondo. Triste es pensar que Jorgenrique se fue sin haber recibo los premios “Juan Rulfo”, “Pablo Neruda”, “Reina Sofía”, “Federico García Lorca”, “Cervantes”. Más triste es cuando uno piensa que todos estos premios se los merecía y que muchos otros escritores lo recibieron sin merecérselos, como él. La obra de Adoum es enorme, como lo era su corazón, su generosidad, su conversación.
El turquito, desde que lo conocí, hace ya muchos años, justo en Ambato, en un hermoso recital organizado por la Casa de Montalvo, en donde los invitados fuimos cinco tungurahuenses radicados en Quito: Alfonso Barrera Valverde, Julio Pazos Barrera, Iván Oñate, Adoum y yo. Allí surgió la amistad. Allí dejé de temerlo, como figura enorme que siempre fue. Antes lo leía con delicia, envidiaba su vida repleta de amigos, de sitios, de lecturas, de momentos. Al conocerlo lo vi como el gran ser humano que era. Y de allí nunca dejé de admirarlo y visitarlo. Hicimos varias reuniones con amigos comunes. Fue huésped de honor en mi casa. Cuando iba a su departamento, Nicole, su esposa y la preciosa gata Colette, eran testigos de esa ruptura fundamental de la amistad, del respeto y de la admiración que siempre he tenido por él; nada de posturas parricidas, nada de cuestionamientos al padre. Sin él ya, en esta patria corpórea, me siento huérfano. Aunque casi todos los días, el recuerdo de su palabra, como la llamada de un ángel, me hace volverlo a vivir. Adoum es nuestro patrimonio, por lo tanto estamos obligados a protegerlo, a leerlo y a respetarlo.

LOS DIEZ VERSOS QUE DIBUJAN A “MAYO DEL 68 (¿Siglo XXI?)” de Jorgenrique Adoum

2009-09-20T09:49:00.000-07:00

(Texto de presentación del poemario de Jorge Enrique Adoum)

El Poema Mayo del 68 (¿Siglo XXI?) es un estupendo poema de amor, empacado en ese contexto, casi cinematográfico, en donde un hombre está amando, mientras la ciudad se mueve, se agita, se revoluciona, como nunca antes lo hizo.

La voz poética de este emblemático poema de Jorgenrique Adoum es un grito silencioso, que no se deja notar, porque no hay a quien gritar. Ella, la sombra de esa voz femenina que se siente en el poema está lejos ya. Se ha ido, Y París y la voz poética enamorada se han quedado sin ella. Mientras que la ciudad vive uno de los más bellos procesos de la historia: el famoso mes de mayo de 1968, en una ciudad a la que el mismo Jorgenrique Adoum califico como “morgue de lujo”, en donde no pasaba nada. Ni siquiera “la línea equinoccial”, entonces la vieja Paris un día decidió volcarse, refundarse, discurrirse. Y allí estaba el poeta Adoum, trabajando, en esa época, en una de las oficinas de Radio y Televisión de Francia (ORTF). Allí estaba él, triste, porque una mujer se había marchado de París, según él mismo lo ha confesado: “Este texto no fue escrito en el momento del entusiasmo o de la alegría, lo escribí cuando pensé que el movimiento pareció no haber servido para nada. Además coincide con la partida de una mujer a la que yo quise mucho. Tuvo que viajar a la Argentina y no pude disfrutar con ella esos días. Por eso el texto comienza: “Nuevamente como Adán cuando aún tenía impares las costillas/ se me ha vuelto a llenar de libros la mitad de la cama”.
En la época aquella, justo en el año aquel, las circunstancias del poema no eran las de retratar a Paris y a su postura revolucionaria, o también, pero no era lo primordial, o tal vez, pero no fue así. Ni era tampoco, la de salir, la de pintar un grafiti, la de vivir el momento con tensión y pulso. Eran tiempos, más bien, de derrota y de poesía. La revolución la hizo Adoum con las palabras, y con sus versos vivos, que se han quedado en las paredes de quien lo hemos leído y lo seguiremos leyendo con fruición verdadera.
En medio de la revuelta de Mayo del 68, en ese clima de abrazos, de gritos, en el que los desconocidos se hicieron amigos de los otros desconocidos, los autómatas que cruzan las calles sin ver a los otros, ahora se habían dado cuenta que los otros también existen, que son parte de sus sentidos, que están y que, en ese caso, querían lo mismo.
Jorgenrique siempre dijo que el clamor de la huelga en Paris del 68 fue “Prohibido prohibir”. Allí estaba la riqueza de aquel momento, en saber que lo prohibido era lo hermoso, y que lo verdaderamente prohibido es solo lo imposible. Una época en donde todo se paralizó, en una ciudad como Paris, conseguir esto era casi una cuestión imposible. No funcionaba el Metro, se cerraron escuelas y colegios, los trabajos en general se habían suspendido. Pero, por el otro lado, la policía también había contribuido a fomentar el miedo. Aunque el miedo siempre, o casi siempre, es el primer paso de la libertad.
El poema Mayo del 68 (‘Siglo XXI?) y Agosto es el mes más cruel conforman el pequeño libro conmemorativo, publicado por editorial “Archipiélago”, en versión bilingüe, traducido por Nicole Rouan, editora siempre exquisita de la obra del maestro Adoum.
El libro fue impreso como texto separado exactamente a los 40 años de mayo del 68. En el 2008 volvieron a cobrar fuerza los dos poemas, escritos en 1968 y publicados por primera vez en el libro “Curriculum Mortis”, uno de los libros de poesía más importantes de Jorgenrique Adoum.
Cuando le preguntaron al poeta qué queda de aquel tiempo, él responde: “Si hubiera que resumir en una palabra, yo diría que queda la esperanza”.
Y además, y por suerte, a nosotros nos queda mucha literatura, y, claro, justo este libro, y de este libro, el primer poema. Un bello poema de amor, rodeado de la atmósfera de aquel momento. Un poema cinematográfico.
El poema está escrito con versos largos. Cada uno de ellos es casi un epigrama. Diría que Adoum quiso utilizar esa secuencia del “grafiti francés”. Aquella de:

- Corre, camarada, que lo viejo te persigue.
- El estado es cada uno de nosotros
- Seamos realistas, exijamos lo imposible

Los famosos grafitis que dieron la vuelta al mundo, amparados en un contexto de cuento postmoderno.

Del primer poema he escogido versos preferenciales de Jorgenrique. Versos que leídos así, solos, sin el andamiaje de un poema, pueden ser percibidos con la misma fuerza y exquisitez que en el contexto general de un poema: en una blanca pared.
Como tratándose de una película, la edición de una antología de versos que nos resuma su fuerza, que nos dé a entender la misión de un poema. Esa comunicación, ese secreto ininteligible de la poesía. Ese misterio del que Octavio Paz tanto hablo solamente para dejarnos en la misma vereda del misterio: en la poesía.

He aquí los diez versos de Adoum:

1. Nuevamente como Adán cuando aún tenía impares las costillas

El Génesis del poema es el símbolo del Génesis. Una voz poética completa, pero sola, Porque solo en la soledad uno está completo: el amor nos incompleta, el amor nos divide y nos vence. En este poema donde el amor no triunfa, porque no hay un gran poema en el que triunfe. Ariadna y su hilo laberíntico es la excepción más bella y difícil de una historia de amor.
En París, mientras se escucha el grito de triunfo, la soledad de la voz poética es una derrota a sí mismo, así, juntando las costillas del mito hebreo y esperando que la mujer se haga, se recree, se junte.

2. Tú hablabas de la doble soledad de no poder estar sola

Ahí está el encuentro. Ahí la profecía. Ahí ya se juntan dos vidas, dos seres, dos manifestaciones, que saben, que están seguros que en el amor, siempre hay soledad. Y que en la soledad siempre nos volvemos profetas de una soledad más sola, de una soledad más sentida, que es sabernos solos en el montón. En el ruido de París, donde el mundo entero estaba junto.

3. Ahora no hay más solo que yo, tal vez Caín con su guitarra

Otra vez el mito hebreo. Otra vez la soledad de la voz poética. Imaginemos al hermano asesino más famoso del mundo tocando una guitarra, como sinónimo de compañía. Como desfachatez. Como ser feliz, o mejor, utilizando el otro verbo: como estar feliz si no tengo con quien compartir el hecho, si no puedo compartir el hecho. Si la causa y el efecto siempre serán efecto y causa de lo mismo. Entonces es mejor solo, porque en la soledad es más fácil creer que el oro esta feliz. Siempre más feliz que el uno.

4. …las armas de la crítica pasan por la crítica de las armas

Verso para estar escrito en las paredes de París, hace más de 41 años. En esa soledad, en esa tristeza, el agresor, el agrio zumo de la policía, de lo oficial, frente a los estudiantes que hicieron barricadas en Paris para librarse de las bombas del oficialismo, mientras la Sorbona estaba llena de hombres y mujeres que querían vivir su soledad con dignidad. Al menos eso. Y eso es mucho, y eso es bastante. Y eso es todo.

5. Me duele no estar herido de odio oficial sino de adioses

Verso clarísimo que justifica que el eje del poema es la historia de amor no hecha, no consumada, apenas explorada más con el sentido, con la trascendencia. Amar, mientras el mundo explota, amar mientras se cambia el sistema, amar mientras que arregla el mundo. El odio oficial no era tanto como el dolor de no haber podido amar.

6. Mientras tanto el otoño te empujaba hacia mí con hojas en el pelo

La añoranza, el recuerdo, y la poesía verdadera. La poesía con toda la técnica y toda la lírica y toda la carga de significaciones. La poesía con todo. Rompiendo los muros, quemando las naves, cercenando a la historia. La poesía es lo que queda. La poesía es lo que importa. El pretexto: París, una mujer ida para siempre. Una voz poética solísima y el amor en todo esto, mezclando el medio ambiente con su carga de pájaros.

7. La muerte es necesariamente una contrarrevolución

Otro verso grafiti, otro verso que no contrarresta al amor, que no se aleja de la soledad, del frío, de la desesperación. Que no se aleja tampoco de Mayo del 68, de sus disturbios, de sus entretelones revolucionarios, con poca sangre, pero sangre al fin.
El mismo Adoum nos dice en otro de sus grandes poemas “El amor desenterrado”: “Hacerla el amor igual hacerla morir”.
He ahí el fundamento de la vida. El símbolo real del amor y la muerte.

8. …la poesía, o sea la verdad

Bello verso-hemistiquio de Jorgenrique. Solo la poesía, lo demás es un pretexto, una alegoría. Todo se olvida, solo se queda el poema, la anécdota es una condición del texto que no hace falta saberla. La poesía se deja mirar sola, como una roca en mitad de la playa, que antes pudo ser una historia de amor. Y de hecho creo que debe haber sido, una roca en la playa, una historia de amor.

9. Solo la verdad es revolucionaria

Otra frase de grafiti. Otra frase sentenciosa, severa, contundente. Un verso de esos decidores, sin caer en la interpretación. Ni siquiera el amor es revolucionario. Solo la verdad, aunque el amor sea verdad, pero no siempre es duradero. La chispa del amor se acaba y el amor era un tiempo, una época, una estación. O como diría Adoum: Era el otoño.

10. Tal vez de tanto tocarte te he envejecido un poco

En este verso se deja ver el tiempo, la lucha con los sentidos, con la exploración de su recuerdo. Difícil que el amor dure eternamente. Eso está bien para un cuento de hadas. El amor es revolucionario, siempre y cuando no se nos borren las caricias, los besos. Pero es imposible aquello. Es difícil no ser sin ello. El envejecimiento de la voz poética por consecuencias táctiles es una hermosa metáfora del olvido.

Este par de poemas nos llevan, entonces, no a una época, si no a una historia que es la de los hombres y las mujeres del mundo. Y de eso está hecha la poesía también, además de las palabras. Y de esa llama encendida que nos dejó el turquito. De esa llama que el maestro Adoum nos regaló. Y que es indescriptible, impredecible, inmune a nosotros. Como Dios, eso, como Dios, así es la poesía.

Ni más ni menos.

Xavier Oquendo Troncoso
Quito, 31 de Agosto del 2009

Presentación de La encarnada poesía de Neli Córdova Neli

2009-09-19T05:57:00.000-07:00

La palabra del poeta siempre será y es errante, se nutre y vive en los márgenes y desde ellos se transporta a un no-sitio, en un no-espacio. Relievo la negación porque el oficio, como lo dijo el gran César Dávila Andrade, es una experiencia imposible, y no por ello menos real.
Lo hago porque, en ocasiones, se confunde al poeta con un mero descriptor o repetidor de la realidad, como si existiera así en mayúsculas, mas, la irreverencia se da en el momento en el cual el poeta crea “su” universo, siempre inarmónico, siempre fragmentado; nunca buscando completar algo porque no hay nada que completar en una existencia bullente, cambiante, laberíntica.
Desde esta perspectiva, entrar en La encarnada se convierte en un deleite, en un permanente asombro, en una huida y un encuentro con un yo poético que espera, que aguarda por su destino y que se rebela y se encuentra, y al hacerlo deja en el polvo del tiempo versos intensos, de fuego y puños cerrados.
Les invito, pues, a un viaje por La encarnada, aquí se irá descubriendo algo de su valor, más que conceptualizando fríamente la poesía de Neli, que de eso ya se han encargado, con más o menos suerte, los críticos y sus criterios pueden leerlos en el libro que estoy presentando. Lezama Lima aseguraba que definir es cenizar, y lo que menos quiero ahora es eso: matar las infinitas posibilidades de lectura de un poema. Más bien quiero recalcar que esta poesía, la de Neli, nos acompaña, nos cobija con su dureza y nos conmueve con su equilibrio, que no termina ni se limita en la conformación física y estética de las palabras en el papel, cuestión ya ejecutada por Apollinaire y tantos otros; tampoco se agota en los versos puestos en negritas que dan nombre a cada poema y son, al mismo tiempo parte de ellos; ni en el hecho de que la unión de los títulos del índice conformen un poema, y, finalmente, tampoco en la creativa utilización de los hemistiquios. Quiero decir que todos los elementos que he nombrado carecerían de utilidad, o se quedarían en el simple placer lúdico de intentar ser diferente, si no fueran acompañados del fuego que late en cada verso de La encarnada; que sobrepasa la novedad y se instala en un lugar fuera de la historia, fuera del tiempo, para ser gozado, disfrutado, sufrido y bebido por los lectores.
Tampoco puedo decirles de qué trata el libro, típica pregunta que busca encasillar, limitar y etiquetar a la poesía, que precisamente es lo contrario, un canto a la libertad.
El poemario tiene dos partes: 1) ala y gris , 2) ala y púrpura.
Y comienza desde la devastación, desde la certeza de que la incertidumbre es el único sino posible, más allá de teorías o verdades establecidas, nos queda la nada. Así:

añejar besos entibiar rosas trigos mares
nos pertenece ‒ nada
ni altares dentro del cuerpo
encantado pedestal luz diamante
coloración mágica de piel
ni el recuerdo
busca el verdugo nuestro cuello como si aún
estuviéramos colgados
en viejas rocas en secos árboles

Devastación que empieza por el yo poético, por esa encarnación furiosa pero consciente, que mira desde una oscura lejanía el mal que se acerca y la consume:

libando de mi boca se sientan sobre mis ojos
vierten salmuera en mi garganta calcinada
ven revolar mi nombre
de pasajera extraña
me increpan me lapidan

Y continúa la clausura de cualquier esperanza fácil porque el yo poético ha entendido, más allá de las quejas y remordimientos, cuál es la vana sustancia de la vida: Y dice:

nadie brinda
nadie canta
nadie duerme
nadie levanta su cabeza
nadie mira el amanecer

Y al decirlo hace más que describir; apunta y dispara al centro mismo de la vida contemplativa, acertando con esos versos y haciéndonos tragar seco, reconocernos y apabullarnos en este amanecer, levemente visible, que se esparce en estos versos y busca una salida, un abandono, que precisan una caída para levantarse con más fuerzas y volver a tropezar.
Precisamente ese nadie, que no tiene carga peyorativa ni falsamente exclamativa, sólo precisa una verdad, remarca el cúmulo de soledades; sin embargo, se mantiene en la cuerda floja, a pesar de todo, camina, cree, avanza. En esa cuerda floja que subyace en la nada, en una nada existencial y a la vez ínfima:

en el centro del mundo no hallo
tumba vacía
nadie en mi delirio
este vacío no es solo vacío
es un sucio en ojo vacío

Al principio señalé que la poesía de Neli no quiere descubrir ni enmarcar ni describir la realidad; al contrario, como en toda poesía, lo que se busca es desprenderse o más precisamente encarnarse; cuando la carne es mucho más que la piel y se convierte en la metáfora del no ser. Y el yo poético, a esta altura ya profundamente intenso, dice:

nervios desatados gritos inútiles
enfermo animal no recobra su sentido
todo herejía / todo secreto camino a la verdad cerrado
nadie quiere estar contigo conmigo ni consigo estar

La poesía no puede compararse con ningún otro discurso, con ninguna voluntad únicamente comunicativa. Entonces el yo poético se confiesa y señala cuál es su no sitio, su espacio de defunción y agonía:

saqueador asola
quitaron de nuestra boca frescura uva arrozales sabor
nada conmueve al adicto mundo en agonía

En ese contexto, la pregunta de la poeta es válida:

a qué infierno a qué frontera va nave perdida

Infierno, frontera, ambos desarticulados, difusos, acogen al navegante, sin certidumbres pero firme hasta aquí, como en otros anteriores libros poéticos de Neli. Ante la imposibilidad, y pese a todo, el yo poético no cae en el cinismo ni en el hermetismo vacuo, intenta salir, se revuelve, busca en el recuerdo, se humaniza en él, y a la vez acepta el movimiento, la sinuosidad:

para qué guardarlo intacto en mi memoria
si él viene a mí sin él

A mi juicio estos dos versos son clave en el poemario, prefiguran la imposibilidad de aprehender una realidad y también señalan el artificio de la palabra y la relación con el poeta, que, en este caso, cultiva y desafía el statu quo y se atreve a crear desde su disposición en el mundo, desde la inquietud que subyace en su espíritu. Y como los poetas comparten una memoria colectiva, sus versos y sus preocupaciones están ligados a un imaginario que traspasan el tiempo y a la historia y se instalan en un cambiante firmamento; los versos antes mencionados trajeron a mi memoria otros, de otra gran poeta, la cubana Nancy Morejón, que en su libro Mutismos dice: “No hay esperanza. No hay dolor /Soy sin mí”.

Hasta aquí la primera parte, la evidencia, el reconocimiento; ahora comienza la transformación con la segunda parte del poemario: ala y púrpura.
El poeta Juan Gelman suele decir que la poesía otorga preguntas no respuestas, es decir, es un campo virgen por el cual camina cada lector. Y Vicente Huidobro anhelaba “que el verso sea como una llave/que abre mil puertas”.
De ahí que el yo poético de Neli hable de alguien que la ha despojado, la ha quitado, la ha violentado, sin describirlo. Y se habla de fragmentaciones, de rupturas, del curvilíneo camino de la estancia. Pero ella, La encarnada, está viva, cruelmente viva:

cabezas picoteadas por águilas inventan inmensa puerta
casa soledad para la encarnada la que regresa
la que respira aún fruta vana la única sin nombre
perenne sin perdición tiene estrías guardadas
en estío

En este punto cabe resaltar la intención de la poeta: el crear un universo particular, tanto en el fondo como en la forma, sin artilugios ni baratos juegos de espejos. La poesía de Neli reclama un lector activo, que responda y se conmueva. Porque este poemario combina el sentimiento con la razón, con la estructura de una compleja red visual y sensorial. El poeta español José Bergamín solía aconsejar “ser apasionado hasta la inteligencia”. Y Mario Benedetti añade: “ser inteligente hasta la pasión”. Estas dos cualidades se riegan por La encarnada, sobrepasan la mención de la originalidad, y se instalan en el centro del lector, para removerlo e instarlo a leer, a sentir, y de cierto modo a encarnarse. La poesía es revelación y en esa revelación debe estar presente el lector, uno libre, despojado, sin prejuicios, únicamente dispuesto a dejarse llevar por estos poemas encarnados.

Menciono esto porque la primera lectura de La encarnada deja rastros de una particular musicalidad que inquieta, te hace pensar. Las lecturas posteriores afirman a la primera y dejan ver los elementos ya enunciados en este comentario, dispuestos casi matemáticamente y desarrollados a lo largo de la trayectoria poética de Neli. Vicente Aleixandre decía: “no hay un solo poeta que no modifique el mundo”, hago hincapié en esas palabras, pues es lo que hace Neli, modificar, que no completar; transformar, que no esperar nada a cambio. En ese sentido, La encarnada da evidencias de un mundo decadente, ajeno, hostil y hermético, pero no desde el vencimiento sino desde el acto creativo rebelde e inconforme. Y su combate comienza y termina en la inmensidad de su destino, en la única certeza probable: en la ausencia:

esa montaña nívea almohada para mi cabeza dispara su adiós
su adiós en torbellino me descarna

El trayecto se acerca a un promisorio final, jamás definitivo, siempre parcial, en el cual la confesión explica el viaje, lo prefigura, por eso dice:

mi nombre es soledad no angustia

Y la batalla, la ruptura ya no es grandilocuente, sino íntima y tal vez por eso más verdadera; así, el yo poético se atreve a despojarse y despojar, a señalar y señalarse con un dedo no acusador, sino vivo y envuelto en su soledad:

un manoseo indeleble me dice que
nunca estuve
derrumbo esa puerta apolillada me
escapo de mí

Y el escape, que no es huída, nos permite acceder a este poemario, sentirlo y leerlo y releerlo para unir sus fragmentos e inventarnos viajes, otros viajes, en compañía o mejor dicho con la fecunda soledad de La encarnada sosteniendo el farol, guiando la nave.

Juan Secaira
Casa de la Cultura Guayaquil , septiembre 5 del 2009

Nelly Córdova Aguirre (neli córdova neli) "la poeta del abismo": académica, conferencista, crítica literaria, compositora, promotora cultural. En poesía ha publicado: Cinco regresos y un siempre 1980, Estatuas fugitivas 1988; Origen (en español y kichwa) 1993 -2da edición 1995; Abismos en los ojos de eva 1998; Penúltimo laberinto 2007; Lengua profana 2008. Produce y ha publicado literatura infanto-juvenil - Premio nacional (concurso de cuento) edición 40.000 ejemplares por su cuento El fruto del llano azul, otorgado por el Dpto. de Cultura, Ministerio de Bienestar Social-Ecuador 1989.
Ha participado en congresos, encuentros nacionales e internacionales de cultura y poesía (varios países). Representante en Ecuador del Movimiento Cultural Internacional aBrace, sede Montevideo/Brasilia. Presidenta de la Sociedad Ecuatoriana de Escritores (período 2001-2003). Ha ejercido diversas cátedras en algunas universidades. Poemas de su autoría han sido traducidos al inglés, alemán , portugués, kichwa y otros; e integran antologías publicadas dentro y fuera del país.

“LA VOZ HABITADA”: SIETE POETAS ECUATORIANOS FRENTE A UN NUEVO SIGLO

2009-09-06T12:19:00.000-07:00

Por CARLOS EDUARDO JARAMILLO

ESTA JOVEN POESIA

El ser que soy ahora se conmueve ante esta joven poesía /ante esta savia nueva del fluir poético que es el de la hermosura y el dolor de la vida/ como si a su pesar como si por un fatalismo kármico los instantes de la felicidad tuvieran que tener su costo/ Quizá en el transitar cotidiano en el fluir de la vida presionado por el tropel de los sucesos eso así no suceda /pero sucede en el mundo real de la poesía que es el de nuestros sueños y deseos / como una autoflagelación por una culpa imaginaria / como si no fuéramos merecedores del permaneciente bullir de la primavera en nuestros corazones / los deseos que se realizaron la felicidad que se vivió o se vive así sea por un azar / el número premiado de la lotería caído sobre el rebaño de los suplicantes/.
Se ha dicho que la poesía quizá no sea más que la fulguración del instante en el vacío / la posesión de la plenitud para desaparecer / Se ha dicho con gana de creer en Dios que para perdurar para no ser olvidados / Será en todo caso en homenaje al don que nos fue dado
/– eh tú abandona el rincón de los castigos cumpliste tu tarea -- eh tú bésame en la boca-- / Lo que vendrá después respecto de nosotros no puede saberse.
Poesía joven de rodillas ágiles / irrespetuosa como es el más auténtico sentir de la juventud / la poesía no tiene niñez pero sí inocencia
siempre la tendrá /aunque el poeta no lo sepa y se precie de sus saberes / si la pierde la poesía desaparecerá como la magia que se sustenta sólo en trucos mágicos cuando éstos se revelan/ los trucos de nuestra psiquis no los revela el espíritu / son nuestro profundo secreto nuestro método /no para simplemente sobrevivir sino para vivir con ventaja / la poesía es un plus que no debemos perder nunca.

INTERMEZZO

No conozco cómo es el mundo de hoy para los ojos de hoy para las incertidumbres del mañana. /Alguien tiene certezas alguien duda desde antes de la duda. /Todos aman. Alguien no quiere amar no sabe cómo. O no como desea / El deseo es un árbol de sorpresas: frutos de palo pájaros de niebla ojos de pedernal / Está lo dicho. Queriendo descubrir velar el alma queriendo revelarla /.
Se van poniendo rojos los metales en el crisol / pero el oro y el hierro están probados. / Buena forja, poetas. /Dejad que el corazón cante su canción.

EL VIAJE Y EL CAMINO

Ha empezado cada uno el viaje y el camino tras el descubrimiento/ cada uno tiene ya la certidumbre de haber dado con las fuentes de su río sagrado / el río de su canto / el río de su voz atravesando la misteriosa comarca de su alma / Ya se verá hasta dónde querramos y podamos adentrarnos en ella / aventurarnos o rodear sus meandros / provistos de qué códigos de señales que nos permitan salir del Laberinto / Ojalá que esquivar el Minotauro / Ojalá el Laberinto no sea abierto / Ojalá que sepamos cuándo estemos en él y cuándo a salvo./
Que el poder no os agobie./

NUEVA ERA DE LA POESIA ECUATORIANA

Creo como el que más en la Nueva Era de la poesía ecuatoriana, no porque colectivamente tenga un nacionalista sello de “ecuatorianidad”, pero sí, dentro de su universalidad y diversidad, un potencial que va manifestándose con seguridad y fuerza, fe blindada, una concentración y densidad que llega a rebasar el ámbito de su propia experiencia. (Todos los poetas algún momento somos médiums del Otro más antiguo que nos habita)
Paladeo con delectación la sustancia y la forma de la poesía que profesan los habitantes de la casa mágica que constituye esta breve y hermosa selección que bajo el título de “LA VOZ HABITADA”, han publicado Editorial Eskeletra y El Ángel EDITOR (2008).
7 poetas nacidos entre los años 1972- 1973: Marialuz ALBUJA, Ana Cecilia BLUM, Julia ERAZO, Carlos GARZON, Xavier OQUENDO, Carmen Inés PERDOMO, Carlos VALLEJO.
7 apóstoles iluminados por las lenguas de fuego de la poesía, luchando alguno todavía por dominar el incendio, atemperándolo otro como una tenue lámpara de alcohol donde las sombras son ingrediente de la luz, alguien poniendo la boca de la llama sobre su propio corazón para que la palabra salga quemante, calcinada, sin edad todavía para la amargura, en la música sólo de la nostalgia o la prefiguración de la nostalgia. (No es posible el vacío para los ojos que todo lo quieren ver).
7 seres angélicos de poderosos remos elevándose por los cielos a punto de desaparecer, precipitándose en rasante vuelo, haciendo malabares en el ámbito de la poesía: turbulento, poderoso, insólito, voluble, sorpresivo, como el viento de la Patagonia que pinta César Aira en “La Costurera y el Viento”: donde por su poder casi todo es posible, incluida la felicidad, bajo cualquier ropaje.

Agosto 25, 2009

EULER: PREMIO ESPEJO 2009

2009-08-29T10:40:00.000-07:00

La nostalgia de los bíblicos de Xavier Oquendo

2009-08-28T09:26:00.000-07:00

Maritza Cino Alvear.

La poesía puede expresar muchas cosas en un breve compás. El poeta reinventa esos mundos que le persiguen como una melodía reincidente. Compases que acuden, transformando la interioridad del creador, quien ya involucrado en su quehacer explora signos para nombrar sus fantasmas, sus esperanzas y pulsaciones, cada vez más, vertiginosos e incontenibles.

Macerando y reescribiendo se va forjando el oficio del poeta.

César Pavese, escritor italiano del siglo XX, refiriéndose a este tema aseveraba: que toda especie de lengua literaria es como un cuerpo cristalizado y muerto, en el cual solamente a golpes de trasposiciones y de injertos del uso hablado, técnico y dialectal, se puede nuevamente hacer correr la sangre y vivir la vida…La poesía busca a menudo revirginizarse, recurriendo a lo simbólico, a los recuerdos de la infancia, y aun a los mitos. Ella siente en estas formas espirituales una alta tensión imaginativa que la tienta, y se ilusiona con que baste un acto de voluntad para derivar esa tensión hacia su campo. La poesía copia las formas del mito y del símbolo, esperando que en ellas vuelva a palpitar mágicamente el corazón, pero olvida que sabe inventar, y que el mito vive, en cambio, de fe. (El oficio del poeta de Cesare Pavese).

Esto fuimos en la felicidad, poemario de de Xavier Oquendo, publicado en el 2008 por la Casa de la Cultura Ecuatoriana Benjamín Carrión, en la colección palabra al Día, e ilustrado por Eddie Crespo, encarna un discurso lírico integrado de mitos, símbolos y recuerdos, de injertos reconstruidos para reordenarse en la fe que todo poeta lleva consigo, al asistir con su ejercicio y su pasión a la ceremonia de la palabra.

Texto dividido en dos apartados o cuadernos, El primero, El diario de los Bíblicos y el segundo, Nostalgia del día bueno.

Los Bíblicos, es un diario que vierte mares y caminos recorridos desde siglos, donde el paralelismo contiene infinitas posibilidades y lecturas, recuperando voces intemporales a través de metáforas con referentes religiosos y proféticos, que se desplazan con agilidad; complementándose una a otra para ser versificadas con un acento místico y plural:

Cuando juntos estuvimos/ y nos convocó la llama suave/ de los ojos de la noche,/ ahí, junto al silencio/ de la brasa, nos cobijamos/ bajo el sol de su candela. Entonces nos miramos/ y en silencio nos dijimos/ los otros a los unos:
Somos, seremos, Los bíblicos.

Esta afirmación del hablante lírico, en el primer poema que abre el libro, titulado Los bíblicos, nos ubica como lectores ante un discurso que marca el nacimiento de los tiempos y de la humanidad en una atmósfera de calidez junto fuego / parafraseando al autor, para anunciar la vida y luchar como una tribu de judíos errados contra el olvido.

Esta imagen también se confirma en el poema La tierra prometida:

De esta ciudad del Ande,/ con olor a sahumerio y eucalipto, surgimos los bíblicos. Cerca del fuego,/ al lado de la boca del caimán/ donde las estaciones son postales…Estamos lejos del pueblo antiguo/ donde siguen llorando los pastores…Distante quedó el mar que estaba muerto./ El arca nos dejó por estos lados/ donde no hace frío ni calor, solo nacen orquídeas en la selva. Atrás habitan los tatarabuelos del mundo./ Los bíblicos de acá, estamos sacudiendo las dalmáticas/ para salir a reconocernos.

A través de estos versos, el poeta como en una epifanía, revela la alusión al tiempo bíblico y al actual, la travesía por diversas etapas de la humanidad con sus tonos y personajes, así como los mantos que caen, para enfrentarnos al vacío y reencontrarnos en la tierra conocida.

Un poema que de manera especial despertó mi interés, es el titulado: El segundo de abordo. En este texto, el hablante asume la voz singular bajo el nombre de Moisés, y hereda de la figura familiar del abuelo las experiencias del conocimiento, listo a conquistar los misterios del mar, la ley de sus mandamientos y de la tierra prometida:

Mi nombre es Moisés./ Nací bajo el cielo del equinoccio,/ cinco mil años después de las noches amargas/ de mi abuelo, / el que abrió el mar/ y me dejó la sal de sus olvidos.
Aquí yo, su principal heredero,/ fruto de sus equivocaciones y sus tablas. He venido a conquistar/ la tierra prometida de tu vientre, / las insinuantes llanuras de tu cordillera/ en donde haré valer/ la ley de mis mandamientos. Abriré, como el abuelo,/ el mar de los misterios/ y quedarás en mí, siempre,/ como un tatuaje áspero.

Dos constantes en el discurso poético de esta primera parte son el recuerdo y el olvido, registros del diario de los bíblicos, con los que cierra insistentemente la mayoría de sus poemas, unas veces como aceptación y otras para rebelarse, en un afán de perennizar y ser más que una semblanza o recuerdo.

Nostalgia del día bueno, es el nombre del segundo cuaderno de este texto. Metáfora espiritual donde la nieve y el frío serán otro eje temático, como en el anterior fue el recuerdo y el olvido.
Nieve y frío, temperados en la voz profética, como principio y fin:

Por primera vez la nieve. / Una especie / de reproducción del mundo, Me quedé absorto/ frente a los colores/ que danzan en su luz./ Sentí un miedo tormentoso/ y unos ojos en mitad del frío… son los versos con los que se inicia este segundo cuaderno, en el poema: El Ignorante. Es nuevamente el comienzo del que desconoce y despierta temeroso ante lo inédito:

No hay sabor/ en estos nuevos sitios/ que se hielan…Mis hijos/ son esos soles/
Que el viento necesita….No sé si vuelva a ver aquel sol/ entre las ramas de las encinas… Este frío con números,/ este llanto ocultista/ estos huérfanos miedos…Los amigos que no se quedan siempre,/estas sombras de saberme solo….Son algunos de los versos de distintos poemas que connotan un acento de nostalgia, tedio , orfandad y frío.

Apreciamos esta afirmación con renovado énfasis en el poema La Soledad que se le olvidó a Machado, cito:
En estas soledades, en estas ausencias frías, en estas oscuridades burdas/ todo se contrae/ se contraría / se corta…Son soledades verdes, inviernos con flor de menta, cielos de petrificada esmeralda. En estas soledades/ me agito/ y tomo un aire/ que no alcanza a ser,/ pero acompaña.

Nostalgia del día bueno, nombre del segundo cuaderno y también de un poema, tienen el sello de la ausencia y de lo añorado, pero a la vez de la paciencia y la fe ante lo aún desconocido y misterioso, cito:

El sueño, /la nieve. Esa nube de hastío que se repite/ en los mismos rostros;/ la misma calle de la ciudad/ que alguna vez/ fue cuna del encantamiento. Sin embargo/ en algún árbol,/ por algún trecho/ en cualquier reja/ deberá anidar el día bueno: / aquel día pródigo/ que no asoma/ que no entra. En este frío/ el día al que le canto/ aún no emigra.

En este último libro de Xavier, la voz poética, recorre un antes y un después, de ahí su título Esto fuimos en la Felicidad, canto universal con rastros que enlazan e incorporan otras épocas que a veces nuestro imaginario las ha convertido en leyenda, para así devolvernos a partir del pasado el porvenir con profundas y renovadas utopías.

El oficio del poeta una vez más nos persuade con estos ejercicios espirituales, trabajados con ingenio y gran sentido humano. Acento intenso y alegórico donde reposa la esperanza, junto a la nostalgia de los bíblicos.

Xavier Oquendo, poeta ambateño radicado en Quito y autor de más de diez textos literarios. Editor, antólogo y promotor cultural, además de ser humano inquieto y perseverante en difundir la poesía ecuatoriana y convocarnos a otros espacios para así rescatar nuestro merecido lugar en la literatura contemporánea. Hoy, en el marco de esta feria de libro, nos entrega su última obra: Esto fuimos en la Felicidad, muestra de la auténtica poesía y bitácora del paso del tiempo con sus parábolas y ficciones, donde el autor en un ejercicio de profeta, se confiesa como un perpetuo condenado del beso, que deslía su paciencia, antes de llegar a la Cita con la Nieve.

ESTO FUIMOS EN LA FELICIDAD según Liset Lantigua

2009-08-21T06:33:00.000-07:00

Por Liset Lantigua

Es difícil abordar la poesía sin sentir que una rasga una seda antigua, intocada, por la que el viento cruza de ida y vuelta poniendo nuevos tonos, obviamente pálidos o grises, o tenues. Una quiere hablar de la poesía, tiene a la mano el método, sus apartados, hablante lírico, tono, composiciones, estructuras, recursos estilísticos, procedimiento, disposición, en fin, todo, y llegado el momento una siente que nada podría agotar las posibilidades del texto, y lo que es aún más grave, siente que no puede rozarla sino con su propia piel, con sus fluidos, y entonces una desearía ser un junco, o un copo de nieve, o una pagoda de aire salobre, cualquiera de esas cosas que conocen sus elementos informes, porque todo lo demás anda lejos. Entonces una trata de recorrer estos ambages en puntas de pies, como la niña que la noche se llevará tras la travesura, y de la que no quedará sino un poco de polvo sepia sobre el papel. Porque lo trascendente, lo perdurable, está en la obra. Y lo que debería servirme de cierre para que su autor me recordara, tengo que decirlo al comienzo pues todo cuanto pueda caber en mi estudio será exiguo. Este es un libro bello. Pocos he leído tan unánimemente logrados, tan trabajados, tan genuinos y madurados. Su autor es un poeta, lo cual no se consigue con la escritura de poesía, ni siquiera con la publicación de libros, pero él con uno de los poemas de “Esto fuimos en la felicidad” al azar, en un papel de estudiante tembloroso, escrito a mano como hace siglos, me hubiera arrancado esta afirmación, no se diga con el libro. Sin embargo Javier, habiendo escrito esto, debería tener 120 años, haber nacido en Kioto, y sobrevivido a la intemperie de lunas y lunas antes de grabar las minuciosas hojas, los frutos, las colinas, las alas incendiadas de los insectos, las rocas escarpadas bajo la primera nieve de un invierno que empieza en el sol. Pero Xavier Oquendo no es ese viejo artista, sino uno más viejo todavía, nacido en Ambato en 1972, autor de más de ocho libros, la mayoría poesía, y de “El mar se llama Julia”, novela publicada recientemente por Grupo Editorial Norma y a propósito, es bueno ver que se publican libros cuyo principal logro es el trabajo con la palabra, el estilo, ahora que lo que importa son los efectos de las historias contadas del modo más lineal y plano, pero claras y entretenidas. “El mar se llama Julia” entretiene, sin dudas, pero recrea porque es un libro inteligentemente tramado y de una prosa cuyo lirismo delata al poeta que está, felizmente, antes que todos cuantos puedan habitarlo: narradores, actores, periodistas, magos, cantantes de ópera, etc…
Y en fin, tras este paréntesis que también pudo ir al final, procedo a comentar el nuevo poemario de Xavier y por el que estamos reunidos aquí. “Esto fuimos en la felicidad” ocupa dos zonas en dos cuadernos: El diario de los bíblicos y Nostalgia del día bueno. La transición de un cuaderno a otro contiene el eterno gregarismo que da paso una individualidad que solo puede ser triste. Como toda existencia vista desde otro risco, en un distanciamiento pastoral, lo que parece ser auténtica sabiduría, praxis, metafísica, un yo lírico que es todos y siente todo y lo precisa todo, es apenas el velo que ciega, que impide la mirada y la reemplaza por el discurso. Una elaboración ulterior, ambigua, como lo es la conciencia del “todos” nutrido por una savia que dijo lo dicho y lo hecho en las parábolas justas, las que completan nuestro mito creacional y colocan la suerte y la obra en un orden aleccionador. Son los grandes temas los que ocupan el espectro de asuntos de esta obra. En el primer cuaderno la impronta del paso del tiempo labra ferrocarriles donde hubo una mano y su cuerpo al final, asimétrico. En sus trenes viajan las ánimas de ojos idénticos que idearon el éxodo, que lo anticiparon entre mirra y aceite. Pero son adolescentes y viajan el extravío de la edad, del aborto en una vejez que no les concierne, que se enrosca en su vacuidad y en su ternura. Lo que fuimos desde la perspectiva cuantiosa de la amistad es la idea entorno a la cual gira esta parte del libro. El pasado como ese éxodo contrario, infructífero, alimento de la nostalgia de lo que pudo ser y no fue: “Queríamos ser los apóstoles del mundo” (Mochileros), y con ello el desarraigo y la transitoriedad. “Somos un puñado de barbados / en el regreso hacia el hogar” (Farra)
El orden de la vida desde los arquetipos preconcebidos, inútiles, cómodos en una lógica evolutiva que no sirve para nada más: “que sólo éramos nómades del pueblo hebreo y que, antes de encontrar la tierra nuestra, debíamos hallar a la mujer (…)” Y más cercano al ser: “Los amigos dormidos, amontonados como un pozo de trinos” “Los amigos nos visitan cada fin de semana. Por ellos y por nosotros pintamos de mostaza y azul las paredes hasta cambiar de sentido el nuevo universo y ser otros, otra vez” (confesión)
El deseo de quebrantar al arquetipo se hace evidente en la necesidad de recoger los modos con que la vida se presenta: “La reina de Saba: la buscábamos en el balcón de Julieta, Es hija de Darío, en su boca actuó Greta Garbo, Tuvo amigas en Roma”. El lugar ha sido nombrado otra vez. Vuelve la esquina como el punto de encuentro, como el ojo de agua o el sitio de comunión: “Allí vivimos noches mil y una / allí asomó Aladino y su mal genio / allí éramos más grandes que el destino”. (La bohemia). En medio de este vagar por las sombras del tiempo ido, la historia retorna en ese vicio consuetudinario de hacer con la misma arcilla el recipiente, nunca tan bien pulido y amasado como lo fuera antes: “Quiso recuperar el tiempo perdido, pero ya aquel tiempo pasado fue peor” (Diagnóstico reservado). O en “Abriré, como el abuelo, / el mar de los misterios / y quedarás en mí, siempre, / como un tatuaje áspero”. Y una permanencia per se de la caducidad: “Nos quedamos los de siempre, solos, pero firmes”. Y lo paradójico es que es cierto.
En el primer cuaderno se aprecian además los contrastes de elementos bíblicos y hechos de la vida cotidiana, parábolas que juegan con la polisemia de lo ambiguo. Un afán por reunir, por reintegrar al árbol la manzana, parafraseando a Valery, por probar que en ese suceder de la supervivencia una y otra vez asomamos con los mismos dioses, y con el dios de todos sobre la nada informe y caótica: “He venido a conquistar la tierra prometida de tu vientre” (El segundo de abordo). Y con ello la lid inaugural con la que azolamos al tiempo: la resistencia: “La cómplice radio nos canta: / despiértame / cuando pase el temblor / y cuando pase el olvido, claro” (Colegio de monjas). De Judas: “Nos abandonó. Se fue sin decir nada / hasta el pozo sofocante del olvido”. (El héroe). De lo que Jonás encontró “Un mundo en el que había explotado el olvido”. (Del que se fue). Y no puede faltar lo que los jóvenes griegos usaron para el arrepentimiento: la anagnórisis, la culpa, porque no seríamos sin ella, sin el miedo que pende del gajo cercano a la casa, a la pupila, a la inocencia que nos guarda en la soledad de las noches: “Los amigos no hicieron caso omiso / de la ley de mis palabras. / He decidido sacrificarlos”. (Cédula) Y en ese escenario que se va completando por grietas y adoquines aflora la ciudad, su vulgar modernidad, su hastío: Jonás encontró “Una ciudad autista con metro y otra, paranoica, con / tranvía” (Del que se fue) La ciudad de las múltiples puertas que dan a una tierra que es la misma, su cerrazón: “El frío de esta ciudad cerrada / nos abre la puerta” (Farra). Y la ciudad de la aplicada nostalgia: “En este lado de la ciudad / donde el sol es poco menos que un minuto, / estuvo el café de nuestra edad”. (La Bohemia). Entre el pasado y los huesos de ahora queda la música. Cabría preguntarse: ¿Qué sería de la ciudad sin su música, del tiempo sin su música de rieles y balaustres, sin sus hojuelas de arroz y su tintineo? “Somos el perfume de la canción que nos suena” (Campos de pentagrama) O “En medio de nosotros habita la música y un cierto olor a café negro” (Años). Y el amor, sumido en el fracaso de su urdimbre, pone la trampa: “Ya no hay a quien cazar en esta noche” (Cacería). El fracaso con sus paredes de alabastro: “construimos una casa enorme que nos cayó encima” (Las monedas). Y todo lo humanamente sabido y sentido es arrojado al mismo derrumbe-naufragio: “Un día se fue (la madre del dinero) y nos dejó unos cigarrillos para las penas” (Las monedas). Javier hilvana en los versos de este cuaderno las señas y signos de los suyos, al pie de la estación, viendo los mismos rostros, las mismas venas en una pulsión de no vida: “pero el automóvil no fue suficiente. Había que encontrar ese aire que nos mueva los cabellos engominados. Ese halo de niebla que nos pase por la frente y nos haga saber que no éramos tan guapos, que no éramos dechado de virtudes”. (Chicos cocodrilo) Más evidente aún en Mochileros: “Y los cangrejos, que tenían una marcha tan parecida a nuestra dolorosa vida de amanecer”. Sin embargo eso era la felicidad. El discurso mantiene un yo lírico plural, desde lo melancólico.
NOSTALGIA DEL DÍA BUENO es un cuaderno prolijamente armado, en el que abunda el deslumbramiento como si la nada anterior marcara la cadencia de asombro en asombro: “Por primera vez la nieve” (El ignorante). El frío llega con su conciencia presagiosa del dolor ante el descubrimiento de un mundo que comenzó en el sueño. La contemplación de quién abre los ojos por primera vez, lejos de la mirada gregaria del primer cuaderno de este libro. En esta parte se instala la individualidad del yo lírico como para quedarse, y hay en ese retorno al yo único, solitario, individuo, una pluralidad que le devuelve la voz y la vista a quien antes hiciera eco de una sabiduría impropia. En este lirismo depurado, y con casi una absoluta economía de palabras, está lo mejor de cuánto se dice en este libro. De Residencia de estudiantes quiero leer unos versos que dan cuenta de ello: “Esos poetas / esas semillas / y esos ventarrones / que se ven desde la /Residencia de estudiantes /donde un día los hijos de los poetas / pensamos en nuestros hijos”. En estos versos nos acercamos por primera vez a la trascendencia en correspondencia con la vida misma, la transferencia de lo anhelado a la realidad consumada. Vuelve la soledad que proporciona un aire, como otra presencia machadiana, “en estas soledades me agito, y tomo un aire que no alcanza a ser, pero acompaña”. Lo que tiene de japonés este libro está esta parte, y es mucho: “Todo el hombre que llevo / se halla enlatado en esta mañana gris / que no convence a la piel”. En (túnel de invierno) hay un acercamiento a lo pedestre de una cotidianidad que podría ser bella, pero no se puede vivir la sublimidad de lo bello en la boca de un túnel “que me come íntegro en un sueño espeso”. Nostalgia del día bueno merece nombrar esta parte, un poema elaborado desde una inconsciencia dictada, maravillosa. Frío de extrañezas es un poema pleno de honestidad, en ese amor que retorna al hijo a través de las evocaciones, y las extrañezas justifican una mimesis que vuelve informe todo ante el recuerdo. Nada más que decir. Me he visto, en razón del tiempo, obligada a obviar poemas del libro, porque todos darían de qué hablar. Lo dejo en sus manos, incapaz yo de decir con tanta honestidad lo que fuimos en la felicidad, y convencida de que su autor, tendrá que decir, quizá muy pronto, lo que fuimos en la tristeza, y sonará feliz, sin dudas. Y mientras tanto, que el sol siga alumbrando sus habitaciones.

UN POETIZAR HABI(LI)TADO DE VOCES SIN CONSIGNA

2009-08-20T13:06:00.000-07:00

UN POETIZAR HABI(LI)TADO DE VOCES SIN CONSIGNA
Fernando Nieto Cadena

me fue dado ser yo
y me estoy convirtiendo en serpiente
Marialuz Albuja

Después de todo el tiempo no pasa en vano. Lo digo porque cada vez más con mayor frecuencia las noticias que recibo de eso que de alguna manera sigue siendo mi solar nativo, recuérdese aquello que uno sólo es de donde yacen sus muertos, y mis muertos más entrañables reposan en Guayaquil y no por pura coincidencia. Decía, digo, de vez en cuando las noticias que recibo son gratificantes para quien mira desde los costillares de un golfo con vientos frescos del sueste lo que pasa allá, abajito de Colombia y arribita del Perú. Noticias que me hablan de poesía, a ratos de narrativa. Y entre esas noticias el pedido de escribir algo que suene audazmente a prólogo que es un poco jugar a cómplice-encubridor y lo que resulte de esta extraña petición que sólo la amistad y la confianza puede provocar.
Normalmente no acostumbro descarrilarme en malabares con pedigrí cabalístico, por lo que no insistiré en la presunta magia del presunto número mágico siete porque ya el cursi aquel se encargará de decir siete son los pecados siete las virtudes siete las vidas de un gato y cuanto siete pueda saltar de su madriguera metafísica (en el buen y peor sentido del dichoso vocablo). Ni modo. Siete son los poetas que habitan y nos comparten su poetizar en este libro.
Por lo pronto hay una coincidencia de los siete respecto a quien esto firma y perpetra: no nos conocemos personalmente en persona, lo cual para ellos debe ser tranquilizador y hasta satisfactorio. He leído antes, de una mínima minoría de los siete, textos sueltos en alguna antología, revista, blog o algo semejante. Estoy en desventaja porque a lo peor ellos me conocen más a mí que yo a ellos. Por lo menos pueden haberme leído, dicho esto sin falsa modestia ni vanidad almidonada, yo -en cambio- empiezo a leerlos más allá del hallazgo de un nuevo nombre. Empiezo a leerlos, es decir, a desentrañar los enigmas de siete discursos poéticos que sin aparente justificación se unen para no permitirnos seguir siendo los mismos de antes de conocerlos. Ya se ha dicho con apócrifo aforismo, por sus obras los conoceréis. Por mi parte los estoy conociendo. Y como no me pusieron límite de páginas ahora se aguantan.

Primero unas consideraciones algo generales. La poesía del siglo 20 abandona las certezas poéticas que dominaron hasta el siglo 19. El discurso se admiraba como producto de una ‘inspiración’, de un rapto de furor divino. Por entonces perduraba (bueno, aún perdura) la noción judeocristiana de la inspiración divina, de ahí el remanente de ver como sacerdocio el quehacer poético. Ese discurso añejo dio paso al discurso conjetural de las vanguardias literarias que niega las certezas que ofrecen asumir la poesía como producto de una inspiración divina para convertirla en llano testimonio de subjetividad que descree de las verdades absolutas y relativiza el ser y no ser de las apariencias con que se viste de múltiples realidades el mundo exterior.
En este sitio debería hacer un resumen del quehacer de los y las poetas en las últimas décadas en Ecuador, justo ahora que se cumplen mis primeros treinta años de haberme yo mismo sacado tarjeta roja del país. Si veinte años no es nada, treinta son una nada y media. En estos años la lírica ecuatoriana ha hecho un guiño como homenaje al himno nacional donde habla de a millares surgir (o algo así, perdón por el olvido). Tengo la sospecha que en Ecuador en los últimos treinta años han aparecido poetas 'a millares surgir'. No caeré en la maligna tentación de repetir el viejo chiste mexicano de sentenciar que en estados como Chiapas o Tabasco todos son poetas mientras no demuestren lo contrario. Si remarco la sospecha es porque lo que más me sorprende es que no se trata de una simple explosión demográfica cuantitativa, sino que se trata también de un estallido cualitativo. No hay pues tal resumen porque ustedes (cualquier lector más o menos asiduo a los estertores-bramidos-ensalmos de la lírica ecuatoriana) conocen mejor que yo y tienen un mejor informe personal de la situación.
Regreso a lo de la explosión demográfica cualitativa de la ¿nueva, joven? lírica ecuatoriana. Para que se acalambre el patrioterismo. No todos ni todas en el estallido de nuevas voces poéticas son excelentes ni están condenadas -las voces- a trascender o perpetuarse para la bobalicona admiración idólatra de muy futuras pero bien futuras generaciones. Hay sí una buena cantidad de voces que destacan, proponen, sugieren, que su paso por este oficio de incertidumbres pesarosas que es la escritura no será en balde y a más de uno se le recordará con envidiosa veneración. No es muy deseable hablar del futuro, debemos permitirle que se convierta en presente para ver si las apuestas fueron o no acertadas o convenientes.

Dicho todo esto entro al baile del que espero salir indemne, menos 'pior' a lo acostumbrado en este canibalesco carnaval de vanidades bien y mal administradas que es la ¿vida? literaria en su poco edificante guerra de egos sin reposo.
Antes una breve numeralia para holgazanear mientras las neuronas vuelven a su sitio. De los siete, cuatro son mujeres. De los siete, cuatro son de Quito, el resto de Ambato, Esmeraldas y Guayaquil. Todos pasaron por alguna universidad y/o por algún taller literario. Más de uno transita por la narrativa, las artes plásticas o el cine. Muy pocos cruzan los eriales del ensayo, de la crítica literaria aunque si ejerzan o hayan ejercido la docencia sobre todo a nivel universitario. Ahora sí, a lo que vinimos.

Presumo ya que no hay aviso en contra que cada uno de las y los poetas son responsables de los textos presentados. Esto podría significar que así se ven, se asumen y quieren mostrarse. Esto lo digo porque hay una 'poética' que precede a los poemas, poética que poco me dice para descifrar el por qué de la selección hecha por cada quien. Por lo demás el recurso del ars lírico siendo como es una añosa convención se queda llanamente en eso, en una llana convención que no trasciende más allá ni más acá de cualquier otro texto. Por lo menos yo sigo preguntándome y para cada uno de este club de siete poetas ¿qué es la poesía? Creo o mejor, pienso que esto es uno de los pequeños pero no leves deslices de LA VOZ HABITADA. Quiero, necesito suponer que no se debe a una improvisación por premura de tiempo; pienso que pudo ser una decisión del grupo sin grupo que buscó mostrar algo distinto pero se enredó en la añeja convención de lo previsible. Pienso que pudo ser incluso una manera de no caer en la otra convención, la de explicar el por qué de esta muestra porque podía a sonar a justificación y ya se sabe que a confesión de culpa ganancia de mal pensados o de envidiosos que es casi lo mismo. Además y ademenos, ahí están los textos que como ya sabemos o debiéramos saberlo, en los poemas al mismo tiempo que desarrollamos un tema subyacente transita lo que pensamos sobre lo que suponemos es la escritura.
Por fortuna el conjunto de los textos de cada uno, incluida la presunta poética ya leída como un poema más, alcanza un nivel mucho más que satisfactorio sin que por eso podamos lanzarnos al estallido de cohetones y descorchamientos de botellitas de jerez a la salud de nadie. Se ha dicho hasta la aburrición que los textos se defienden solos. Pienso que esta vez salieron bien librados porque buscándole como le busqué los qué y cómo para descarrilarlos hacia las cunetas de la inanidad pudieron más ellos, los textos, que mi intransigente vocación de lector siempre a la defensiva para que no me den gato por liebre. Como bien se ve no puedo escapar a la convención de los lugares comunes.

A partir de que toda escritura se reduce al trillado sendero de preguntarnos quiénes somos y por qué somos, encuentro una coincidencia mayor entre los textos de las poetas que entre los poetas. El sector femenino cuando merodea las esquinas de lo amatorio casi siempre lo hace como evocación después de. El aire de nostalgia, de soledad con que se evoca al amado me induce a sospechar que esa soledad más que un artificio lírico es una actitud ante la vida, una manera de decirse y decirnos cada una que sí, el amor es necesario pero más necesaria es mi soledad donde puedo ser y estar a plenitud para pensarte-recordarte-desearte. La consabida estrategia del desamor de los amantes que nunca sabemos lo que tenemos hasta que lo malgastamos. Esto desde la atalaya de la mujer que para dignificarse en su soledad asume una visión que en cierta forma juega a ser irónica para escamotear/se el dolor del bien perdido.
Marialuz Albuja, por ejemplo, lo dice de esta manera:
Alguna vez
quizás al comienzo de otra guerra
o en el descanso de las gradas que recorres cada día
sin notar que el pasamanos ya no aguanta
me habrás, por fin,
definitivamente
olvidado.
Ana Cecilia Blum por su parte confidencia:
Si pudieras
quedarte para siempre,
si no te marcharas
al siguiente día

Julia Erazo expresa el hallazgo de la caducidad del encuentro amatorio como lucha de sexos:
no estás
sabanas africanas
la aurora el ocaso
una leona
tras una cálida presa
aspiro tu aliento
guardo la flor del baobab
a pesar de las sombras
la caza se consuma
Por su parte Carmen Perdomo, el olvido lo envuelve como ausencia:
Invento tu piel,
como el fuego que nace en mis pupilas.
Hoguera,
labios pálidos,
voces olvidadas.
La muerte me diluye en tu cuerpo.
Lo amatorio no es lo único que las conduce a pergeñar sus soliloquios dialogados. Cada una plantea de cierta manera atisbos de cierta poética (conjunto de técnicas, repertorios temáticos, puntos de vista) femenina (si existe algo que pueda denominarse así, de poética femenina, digo), para expresar -en los términos de un viejo ortegagassetismo- su ser y su circunstancia como sólo una mujer puede experimentar el mundo, la vida pues, con palabras nacidas a veces como desgarramiento y a ratos como realización testimonial de su ser y estar en tiempos como estos que nos ha tocado en suerte vivir.

Los poetas se expresan más allá o más acá de los desasosiegos del amor. Lo más cercano es la atmósfera doméstica para nostalgizar a los hijos como en el caso de Xavier Oquendo. Carlos Garzón en cambio entrecruza una suerte de religiosidad pagana que no se resuelve a imprecar ni a venerar. Carlos Vallejo se desenvuelve mejor porque no se refrena con esa especie de minimalismo involuntario o inconsciente -no sé- que parece permear a muchos o por lo menos a la mayoría de los poetas de las ¿nuevas? ¿novísimas? generaciones líricas no sólo ecuatorianas llegadas después de los ochenta. Minimalismo que en este libro no es monopolio masculino ya que las poetas también se deslizan por los acotados espacios de la brevedad.

Desde siempre una de las preocupaciones de los poetas ha sido la de configurar un discurso para dialogar si no consigo mismo, con ese otro que nos habita y condiciona a ser lo que aspiramos y no lo que presuntamente somos porque así lo prefieren y permiten quienes se disfrazan con los valores seculares de la humanidad y se esconden tras los artificios de la manipulación de verdades y realidades que el poder –cualquiera que sea- dispone como irremediables.
Los poetas desde la muy arcaica y tediosa antigüedad hemos optado por el fuego prometeico de la palabra para desnudarla y poseerla en toda su plenitud expresiva. Por eso, insatisfechos de todo y nada, es decir, de nosotros mismos, buscamos ese alter ego que nos libere de nuestras prevaricaciones ante la vida, que nos justifique ante nosotros mismos para seguir respirando sobre este planeta donde cada vez más deambulamos como suicidas sin vocación.
Por esta búsqueda de un alter ego entre existencial y literario vislumbro que los tres poetas de este volumen se internan en la vorágine de sus obsesiones para sentirse inmersos de vida en los descensos a sus cotidianos infiernos.
Carlos Garzón Noboa mantiene en su discurso un ritmo que lo lleva y trae de aquellas sombras donde la muerte es una conseja exorcizada a una preocupación de respuesta más o menos panteísta para descifrar los oráculos del devenir, sin remilgos ni autoconmiseraciones:
Mejor habría sido sepultar a los ídolos,
que soñar cómo nuestras tiernas hijas
fornicaban con la edénica serpiente;
pero, confiados, seguíamos esperando,
dormidos al pie de las Escrituras,
la respuesta del Oráculo.
Xavier Oquendo Troncoso discurre por una domesticidad donde los hijos parecen ser el interrogante frente a un futuro donde él de alguna manera seguirá siendo un Prometeo encandilado por la vida:
En el fondo de los vientos
habitan los ángeles
que parecen otros vientos
que se juntan con los vientos normales
y entonces forman los colores de las brisas
que los hijos ven,
y nosotros creemos que es el viento.
Pero son los ángeles caídos
que quieren jugar a ser viento.
Carlos Vallejo se interna en los eriales de la exploración intimista a través de juegos narrativos que saltan en zigzag sin premeditación ni coherencia aparentes como muestra del caos interno que busca restablecer el orden primigenio, no en vano esa es la función de todo poeta, ordenar el acoso de ese caos que son y somos los humanos:
Habrá que abrir las ventanas del mundo
para que el deseo cante otra vez a sus muertos,
habrá que volver a empezar, antes de los labios,
hasta alcanzar la señal primera, el motor
del verbo, esas novísimas aguas, y profanar
el lecho donde tiembla un cuerpo: centro de la tormenta.

Uno de los temas recurrentes ha sido y es la exploración de los laberínticos andamiajes de la infancia, ese tiempo –dijo Jorge Guillén- cuando nada era más serio que jugar en serio. Indagación que usualmente se convierte en el eje de la obra total del escritor que requiere indagar esos territorios para saberse vivo, más allá de la constatación burocratizada de la existencia. Si lo anterior es cierto, los siete poetas aquí presentes desmienten un poco, mucho o todo lo que se ha venido diciendo cuando hemos tropezado con la infancia y hemos intentado volver a ella como al edén del que fuimos expulsados. Digo que desmienten esa conseja del rescate/recuperación de la infancia porque en sus textos las referencias a la niñez son marginales o en abstracto. Debo confesar que es posible que estos siete poetas en otro momento, en otro libro, en otra circunstancia ya hayan despachado esta vaina de la infancia. En este volumen no hay inmersión en la presunta 'edad feliz' ni testimonio de esa imborrable polimorfa perversión de la niñez donde rozamos las cavernas de la felicidad.
En todos la nota viene marcada por el yo de un presente no siempre pletórico, a ratos placentero. Por ahí discurren estos ríos que no son pretéritos pero que si van a la mar de una poesía en búsqueda de sus definitivas provisionales palabras enraizadas con la vida.

Finalmente, el epígrafe. No se crea que lo puse por esa manía convulsiva y compulsiva de poner un epígrafe que demuestre lo ilustrado letrado que soy. De por sí el epigrafismo se sustenta en los grandes nombres de los poetas que reconocemos y admiramos y/o envidiamos. Lo digo con conocimiento de causa, usé y uso como epígrafes grandilocuentes versos o frases rayanas en solemnidad avasalladora para demostrar que estoy al día y soy exquisito como el epigrafiado de turno. El epígrafe puesto esta vez tiene una sola motivación.
Si de mostrar poéticas se trataba aquí está, pienso, el ser, la razón de ser y el por qué ser de este libro, poesía expresada a través de siete poetas que buscan su identidad, su voz, ese inasible yo que todos perseguimos como poetas. Como todo personaje kafkiano, la imagen del escritor no es más que una alegoría del bicho aquel, parecen despertar los siete poetas de esta VOZ HABITADA en medio proceso de convertirse en la mítica serpiente, símbolo de inteligencia, sabiduría y sensibilidad, lejos del aberrante simbolismo cristiano que lo único que hace es evidenciar su frustración misógina. Pienso y creo que por aquí anda, debe andar, la oscura y clandestina vocación de este sector de poetas ecuatorianos más o menos emblemático de un ¿nuevo? poetizar, aferrados a la palabra como puerto de atraque y tabla de salvación al mismo tiempo. Si de paso la sabia serpiente es también la seductora serpiente bíblica que nos conduce al descubrimiento y hartazgo del placer de los cuerpos, bienvenida sea.

Villahermosa, Tabasco, México, 14 de Abril del 2008.

El Encuentro de Almas

2009-08-20T12:49:00.000-07:00

LLEGA EN SEPTIEMBRE
EL ENCUENTRO DE ALMAS

Con el fin de fomentar la lectura en el país y la integración de autores, lectores y editoriales llega el primer ENCUENTRO DE ALMAS un evento que desde el 1 hasta el 5 de septiembre reunirá en Guayaquil a los autores más destacados de las letras nacionales
La primera Agencia Cultural-Literaria del País –ElConjuro- prepara un evento literario pionero en el área cultural ecuatoriana que pretende romper esquemas e integrar al escritor, editor, librero y lector durante varias actividades que se llevarán a cabo en cinco jornadas del 1 al 5 de septiembre en la ciudad de Guayaquil.

Programa*:

Martes 1 de septiembre:
Conversatorio Pérez Torres-Carolina Andrade: J. E. A: señas particulares
MUSEO PRESLEY NORTON, 17:30
Presentación de cuentario “Delirio Temporal” Alexandra San Jiménez
TEATRO CENTRO DE ARTE, 19:00
Homenaje a Sonia Manzano: Daniel Calero - Maritza Cino
ALIANZA FRANCESA, 19:15
Recital poético: Ana María Iza, Xavier Oquendo, Maritza Cino, Simón Zavala Guzmán

Miércoles 2 de septiembre:
MUSEO PRESLEY NORTON, 17:30
Noche de vino y Adoum: Xavier Oquendo, Sonia Manzano, Maritza Cino, César Eduardo Galarza, Rosa Amelia Alvarado, Elizabeth Quila
CASA DE LA CULTURA, 19:00

Jueves 3 de septiembre:
Conferencia sobre la trascendencia y permanencia del Súper Yo en la obra literaria y su impacto de Sonia Manzano y Jorge Enrique Adoum
MUSEO PRESLEY NORTON, 17:30
Conversatorio Jorge Martillo – Billy Navarrete sobre lenguaje literario y audiovisual
CASA DE LA CULTURA, 19:00
Presentación libros de Jorge Enrique Adoum: Cecilia Ansaldo, Luís Carlos Mussó y Xavier Oquendo
ALIANZA FRANCESA, 19:30

Viernes 4 de septiembre:
Conferencia René Jurado, Ramiro Arias, Xavier Oquendo y César Eduardo Galarza: industria editorial y la agencia literaria
MUSEO PRESLEY NORTON, 17:30
Presentación novela de Huilo Ruales: Que risa, todos lloraban
CASA DE LA CULTURA, 19:00

Sábado 5 de septiembre:
Vermouth Narrativa Ecuatoriana 1
Mariela Manrique, Martha Chávez, Miguel Antonio Chávez, Solange Rodríguez
ALIANZA FRANCESA, 10:00
Vermouth Narrativa Ecuatoriana 2
Jorge Dávila, Huilo Ruales, Elsy Santillán Flor, Juan Andrade Heymann y Rocío Madriñán
ALIANZA FRANCESA, 11:00
Tarde Poética: Luís Carlos Musso, Ángel Emilio Hidalgo, Juan Secaira, Carmen Inés Perdomo
CASA DE LA CULTURA, 18:00
Presentación poemario “La encarnada” Nelly Córdova
CASA DE LA CULTURA, 19:00
Concierto de Almas: Daniel Calero, Wladimir Zambrano, H. Napolitano, Carolina Pepper, G. Mosquera
CASA DE LA CULTURA, 20:00

*En algunos casos la presencia de invitados de fuera de Guayaquil está sujeta a confirmación.

Algunas pistas para encontrar la felicidad

2009-08-20T07:30:00.000-07:00

Por Juan Pablo Castro

Donde el amor esté,
estará ese pájaro adherido a un árbol.

Javier Oquendo Troncoso
Estos fuimos en la felicidad

Si alguien me preguntase cómo definiría a Javier Oquendo Troncoso. Tendría que responderle, casi sin dudarlo, que me parece un pájaro. Y su poesía, por eso mismo, el vuelo fulminante de un ave retozada.
Aunque la metáfora resulte demasiado animalesca, no encuentro otra manera, desde mi particular mirada de pedestre lector de poesía, de acercarme a los textos del poeta Oquendo Troncoso.
Hay una mirada aérea que se desplaza por el territorio de las emociones, un aleteo persistente, casi obsesivo, en el caso particular de Eso fuimos en la felicidad, el libro que presentamos esta noche, que nos remonta al pasado. Es un vuelo nostálgico, sentido, hacia la maravillosa telaraña de la memoria donde yacen algunos cadáveres que todavía soplan algo de vida, como muertos vivientes del cine de Hollywood.
El novelista recrea ese universo memorioso a través de las herramientas de la ficción. El poeta, parecería que está viviendo ese pasado, pero distanciado en el ejercicio propio de la creación. Esta, que suena a paradoja, o a retórica, creo que da algunas pistas para poder entrar en las páginas de la poesía de Oquendo. Al menos son mis pistas, o, si ustedes quieren, las huellas que me invento para poder seguir la textualidad.

La primera pista tiene que ver precisamente con esa necesidad de regresar. Este vuelo hacia el pasado justifica, o pretende justificar precisamente lo que somos. Eso fuimos para ser lo que ahora somos, parece decir el poeta:

Decidimos tener novias. Ir a cazar entre las fieras la que más cercana se halle de nuestro barrio. La que logre aposentarse en nuestras ansias.
Pero la libertad del viento y unos tragos nos atrapan. Atrás quedan las muchachas vestidas de amarillo. El deseo se opaca.
Somos los feos que buscamos la flor en la orilla del charco.

Entonces, imaginarse el pasado, vivir ese pasado en el segundo de creación para aventurarse en el poema como un ser del futuro, un pájaro del futuro que se apropia de una conciencia suficiente que le permite asumir su condición pasajera, pajarera. Y la flor, un atisbo de la esperanza, la idea hecha objeto de la belleza.

La segunda pista está dada por ese acercamiento a la cultura pop. Al cine, a la música. Así la poesía, esta poesía de Oquendo Troncoso, se convierte en un monstruo que devora la carne de los otros. Y, en ese acto se salvaje nutrición, se disemina, abre sus alas, surca por otros cielos textuales.
Dice el poema:
Y llegamos a tener un automóvil. No era una descapotable como el soñado en una noche mojada. Era un modelo en blanco y negro. Lo pintamos con su propio brillo.
Desde el retrovisor de nuestras ansias vimos el mundo. Éramos James Dean en nuestro mito: nos peinábamos con brillantina a ver si las mujeres nos amaban.

Este poema tiene un epígrafe de David Summers, el vocalista de la ya casi desaparecida banda Los hombres G, que marcarán huella en los maravillosos años ochenta.
Epígrafe y poema, entonces, resultan evidencias de una necesidad hambrienta que tiene el poeta por acercarse a otras carnes. Y, aunque en el acto de la invención se da el lujo de crear un mundo que por estos lares quiteños nunca existió –un verano eterno digno de un descapotable-, me parece de una limpia sinceridad. Tampoco James Dean marcó una impronta en nuestras particulares subjetividades, pero, por los vuelos propios de la poesía, aparece aquí como la encarnación de un sueño, quizás de una ilusión como la linterna mágica, uno de los juguetes que prefigurarán el nacimiento del cinematógrafo.
Además el guiño que hace al poeta a una banda de los ochenta, no solo parecería reflejar esa condición de nostalgia, de testimonio epocal, que aparece por la conciencia del yo poético, sino que reafirma la multiplicidad de variantes emotivas que pueblan el universo cultural de estos días.

En el poema Colegio de monjas, encontramos autos, cometas Halley, Marylins Monroe, y llegamos, ya con el corazón jadeante, a la música pop también de los ochentas. “Despiértame cuando pase el temblor, y cuando pase el olvido, claro”, termina el poema haciendo referencia a Soda Stéreo, la banda argentina que haría temblar a los jovenzuelos quiteños de los ochenta que, desgarbados y lampiños, acudíamos a sus conciertos o comprábamos los discos originales, cuando la piratería era exclusivamente un negocio de los mares.
Y, así, como un mosaico virtual se han juntado signos de la cultura universal. La poesía de Oquendo, a partir de esta búsqueda estética, se desprende, para bien de todos, de los devaneos ceremoniosos, abstractos y pretenciosos que pueblan ese consagrado deber ser del poema. Para nada, en estos versos la vida, y el mundo de la cultura, se vuelven próximos, luminosos. La hermosa diva, la narcotizada diva del cine, que muriera junto al teléfono, y el siempre temido paso del jadeante cometa, se juntan como cartas de un mismo naipe.

En este ejercicio poético, es posible encontrarnos, además, con una mezcla, tan fulminante como la que se dan entre un gin tonic y dos tragos de zhumir coco. Así, deidades absolutas, hebreos y artistas del star system se abrazan, se dan la mano y salen caminar por los versos. Jonás con Sinatra. Platón y Nerón. Dios y Greta Garbo todos juntos en una ceremonia vibrante, en un vuelo medio alucinógeno. El poeta, ya no de terruño, se lanza al mundo, habitante a fin de cuentas de estos tiempos posmodernos. Porque, si no, de qué otra manera se puede comprender la cultura en esta época que nos ha tocado vivir en suerte: precisamente como la superposición de capas, sentidos, pliegues diversos de signos que provienen de todas las culturas del mundo. De ahí que prohibir las fiestas de Hallowin, porque supuestamente son enajenaciones, es igual de torpe que impedir el agua en el carnaval. Las dos expresiones, aunque algunos ingenuos burócratas no lo crean así, son elementos de la cultura, aunque sean disfrazados o a punte de bombazos aguados.
Regresando a la poesía de Oquendo lanzo ahora la última pista, debería decir mi última pista, para entrar en este libro: Hay una evidente y golosa presencia de un yo poético colectivo.
Desde ese “Decidimos tener novias”, con que inicia el poema Cacería, hasta el “Hemos estado siempre juntos” del poema Años, es evidente una voluntad estética por hacer que la voz plural sea la que impulse el poema. Aunque la individualidad del poeta nunca desaparece, el colectivo que se encarna en lo que Oquendo Troncoso llama “los bíblicos”, parece alzarse con vuelo mayor.
Dice el poema:

Hemos estado siempre juntos. Comimos mazmelos alrededor del fuego y fuimos testigos del descubrimiento del frío y de los carbones de la noche.

Hombres del mundo reunidos en la fogata. Esta, que parece la imagen de una película de aventuras, o uno de los clásicos de Jhon Ford, resulta para mi modo de ver, una de las claves, de las pistas, para comprender la aventura estética, el vuelo creativo, que Javier Oquendo Troncoso ha emprendido en este poemario. La voz plural, el colectivo humano que se junta en un ritual nocturno, con las volutas de fuego y los rostros en la semi penumbra, resulta así la prueba flagrante de un humanismo que se resiste a su descomposición. Y “los carbones de la noche”, la proximidad al cosmos: principio originario de todos. Somos hijos de las estrellas, decía el genial científico norteamericano Carl Sagan, y esa premisa se evidencia en este entrañable verso.
De ahí que, en ese tránsito existencial, en esa presencia de la amistad que junta a los hombres, el poeta pueda concluir, sentenciase a sí mismo, en unos versos más adelante, en el escalofriante poema El yo del frío, cuando dice:
Hoy el hombre que llevo
no quiere deshacerme
ni empujarme a su vacío.

No el monstruo que pugna por salir, que refiriera Mayakobsky, ni el insecto de Kafka, o los hijos extraterrestres de Allien. No. Ese hombre que lleva dentro el poeta, es la suma de todos los hombres del mundo, y de la historia que los registra.
Así, el poeta cumple con su misión, con su sentido de ser y se alza, alas abiertas y mirada fija a cuestas, hacia otras latitudes, aquellas en las que puede finalmente alejarse del vacío.

SIEMPRE TE QUISE Y TE ADMIRÉ, JORGENRIQUE ADOUM...

2009-07-03T13:43:00.000-07:00

La esencia de lo femenino

2009-06-13T09:17:00.000-07:00

El desagradable término de “poetisa”, diminutivo y peyorativo, ha sido un limitante para reafirmar a la poeta mujer. Cada vez, y por suerte, semejante palabreja, se ha ido difuminando, quedando solamente el término “poeta” para ellas también. Sin embargo el mundo ha cambiado y con ellos los más elementales conceptos. Uno de ellos el de la feminidad. Cuatro poetas contemporáneas, ecuatorianas todas, y que acaban de publicar en mayoría, junto con tres poetas varones, una selección de su poesía en el libro “La voz habitada” nos hablan, desde el lente de una mujer creadora, del acto de ser mujer en esencia en una época donde las esencias ya se han mezclado con otros aromas.

Marialuz Albuja Bayas

Las mujeres somos fascinantes. Lo digo por otras mujeres que conozco. Y lo digo por mí. Sin embargo, nuestros tesoros pueden quedarse fácilmente enterrados si no hacemos todo lo posible por rescatarlos del polvo y encargarnos de que se vuelvan parte de nuestra vida. Somos terrenales, y esa misma ‘terrenalidad’ nos garantiza el acceso a las profundidades del alma. Podemos crearlo todo, desde los hijos hasta los proyectos, delirantes o no, que ocupen el centro de nuestra motivación. Las mujeres modernas somos una mezcla de Atenea y Afrodita, siempre en pugna. Pero todas, en el fondo, añoramos regresar a los caminos de Afrodita. Nuestra esencia es la búsqueda –que no da lugar a extravíos– de ese espacio donde podemos ser lo que queremos. Por eso, mi poesía ha sido, y sigue siendo, siempre búsqueda. No de un puerto, ni de un sentimiento, ni de una verdad, sino del espíritu femenino que me habita con la generosidad más absoluta para que yo beba de su cántaro siempre que así lo desee.

Julia Erazo Delgado

El potencial de la maternidad hace del cuerpo femenino un cuerpo fuerte y ello se confirma en su proyección y representación particular. Lleva la sabiduría protectora para que la especie humana no se extinga. Ello de por sí la engrandece, sin embargo, hablar de mujer es hablar de algo más. La mujer ha cumplido varios roles, no siempre justos, a lo largo de la historia. Ello le ha permitido desarrollar facultades emocionales y físicas difíciles de superar como la tolerancia, la resistencia, la paciencia, la capacidad de resolver varias cosas a la vez, la intuición, la estrategia. La mujer fue invalidada como ser humano por siglos, relegada a tareas domésticas y manuales. Por suerte, ahora, después de haber conquistado muchos espacios que le correspondían, por fin tiene la oportunidad de expandir su inteligencia y su sensibilidad hacia nuevos horizontes. Y lo mejor es que puede hacerlo como profesional, intelectual, artista, madre, compañera, ama de casa, todo a la vez, y no morir en el intento.

Ana Cecilia Blum

La historia ha sido interpretada según los principios patriarcales de la cultura. La presencia y la labor de la mujer se han visto devaluadas frente a la del hombre porque a lo largo del tiempo ella aparece como un contribuyente marginal al desarrollo y a la experiencia humana y social. Ante este escenario, la esencia de la mujer devela su fortaleza interior en acciones concretas y en su resistencia para enfrentar desafíos individuales y colectivos.
Su esencia la hace diferente, pero igual al hombre. Diferente, porque el mundo del hombre es como un gran mapa, mientras que el de la mujer está cargado de detalles. Igual, porque también la mujer posee la capacidad de transformar la cultura y la historia siendo líder, escritora, educadora, científica, artista y ciudadana responsable. Las viejas concepciones la encerraban en un círculo de dulzura, virtuosismo, maternidad, tolerancia y víctima de las circunstancias. Hoy, la esencia de la mujer cruza las calles, ocupa una banca escolar, se sienta en una silla presidencial, asume con miedos o sin miedos el comando de sus días.

Carmen Inés Perdomo Gutiérrez

La palabra que para mí define a la mujer es “intensidad” que en un sentido amplio implica un ser total. La vida de la mujer surge de experiencias, a veces, atravesadas por el dolor, piedra angular desde el que levanta esas frágiles pero al mismo tiempo perdurables estructuras que son sus vivencias. Ellas se construyen gracias a un oficio que la mujer, en este caso la poeta, lleva hasta las últimas consecuencias bordeando los límites del caos en donde cada palabra y cada pausa se acoplan para engendrar el cuerpo liviano de la hoja escrita.
Muchas veces nos vemos atadas al fracaso o a la sumisión, ese olvido de nosotras mismas es el protagonista de los silencios y hace que en un acto de fe libere la más ardua y feroz batalla con las palabras que son las que asestarán el golpe final.
Este laberinto de sueños e inquietudes me impulsa a encontrar la salida y es la voz que me libera de las sombras y me permite crear. Esa es la esencia fundamental de mi ser.

POESIA EN PARALELO CERO (El libro)

2009-06-12T13:34:00.000-07:00

POESIA EN PARALELO CERO
Inauguración

Ecuador
Es un país irreal limitado por sí mismo,
partido por una línea imaginaria
y no obstante cavada en el cemento al pie de la pirámide.

Jorge Enrique Adoum

Con esta postal quiero presentar a mi país, con estos versos cada más verdaderos, con esta verdad que hemos cargado hace siglos, aún cuando no nos llamábamos Ecuador, sino Quito, y nos pinchaba la idea grata del centro del mundo. De estar en la mitad del globo y terminar siendo imaginarios. Nunca es demasiado. Quito es centro, es ombligo, es el agujero del cordón umbilical que se cava hasta el fondo en nuestra frustración por no ser algo evidente, por no ser algo visible.
Cuando el Ecuador se llamó Ecuador, ya lamentablemente estuvimos “limitados por nosotros mismos”, ya no teníamos el coraje de ser salvados por nuestra propia figura debilitada, por nuestro propio ego, por nuestra sombra fragorosa. Ya nos quedamos encerrados en el paralelo cero, y el cero no tiene valor, el cero es imaginario, es la nada. Pero solo en la nada está el comienzo.
Hace muchos años cuando mis padres me llevaron a una juguetería quise que me compraran una alcancía en forma de globo terráqueo. Comencé a verla y me di cuenta que casi todo el mundo se llama Ecuador, entonces me sentí importante. Salí con el juguete pensando en lo imponente que era como ciudadano de esta República, como un “ecuatorianito” ampliado en mi efímero mundo infantil. Pero lo que me enteré más tarde es que estaba viendo la línea equinoccial que divide el mundo y que se llama como nosotros, y luego, muy prontito, busqué en Sudamérica mi país, pero no estaba. No existía en el mapa. Luego la profecía se cumplió: El Ecuador era producto de la imaginación de los académicos franceses. Teníamos que vivir para adentro, en la Sudamérica de esa esfera ocupaba gran puesto el Perú y Colombia en mi pequeño mapa, el Ecuador había desaparecido, se había esfumado de mi realidad. Se había rayado mi aún incipiente identidad, había caído desolado en el catre del desconsuelo, ¿cómo yo podía vivir en un país que no existe? ¿En un país que no es en el mapa?

Con esa fragancia vivimos los ecuatorianos. Cuando uno sale a ver el mundo, el mundo nos pregunta de dónde salimos, qué somos, qué tenemos, por qué asomamos si nadie nos ha llamado, si el Ecuador es una línea imaginaria, el Ecuador no existe. La imaginación se termina cuando la realidad empieza.

Luego, ya crecidos, y sumidos en el mundo de la literatura buscamos en las editoriales internacionales, dónde están nuestros poetas, por qué no aparecen los poetas de mi Patria en los grandes catálogos. Sufro de verdad. Amo a los poetas, me caen bien, me parecen geniales, porque ningún gran poeta ha sido ni modestón ni atorrante; ni bufón ni melancolizo; ninguno está roto y tampoco entero; ninguno está cosido ni parchado; ninguno es enteramente doliente, siempre sonriente.

Y donde están mis poetas, los de mi patria. Triste es pensar que no están en las librerías de Colombia, por ejemplo, 8por citar al vecino), pero el triste consuelo es que ni siquiera están sus libros en las librerías de Ambato, de Cuenca, de Loja, de Guayaquil. Entonces los poetas de mi Patria faltan en el mundo.

Dónde está Carrera Andrade, Gangotena, Escudero; Donde el fakir Dávila Andrade, donde Adoum, donde Efraín Jara, donde la poesía de Astudillo, de Carlos Eduardo Jaramillo, donde las voces de los poetas ecuatorianos que participan en este encuentro. Porque, más bien, no se vuelve una pandemia el hecho de generar una cultura que nos haga reconocer a la poesía de la patria. Hay que buscarlos bajo las piedras que nosotros lanzamos y, como bien dice José Maria Cano. “Con las piedras hacen ellos su pared”. No es justo, porque no es real.

Claro, aquí cabe hablar sobre el tiempo. El tiempo, juez implacable, dejará dibujado el mapa real de la poesía en el mundo, la Patria sabrá fraguarse cuando exista, cuando sus poetas se dejen ver y además dejen ver a los otros.

Por ello, y gracias por permitirme la digresión, he convocado a este encuentro.

En conclusión, porque quiero que los poetas de fuera sepan que Ecuador es más que un país “limitado por si mismo”, más que una línea equinoccial, más que una anécdota entre Colombia y Perú.

Aquí están una parte de los poetas de mi Patria. Son todos los que están, pero no están todos los que son. Sería imposible, “no hay cama pa´ tanta gente”, “no nos fallo la intención, pero si el presupuesto”. Quiero que este encuentro se institucionalice, se vuelva una “lastimadura de la tierra”, citando, otra vez a Adoum. Por ello, y en esto me comprometo, quiero que todos los poetas del Ecuador lean en este Encuentro junto con nuestros hermanos poetas internacionales. No vamos a repetir los mismos nombres, siempre vamos a convocar a los faltantes. En la gran patria del castellano, los poetas abundan. Ya el tiempo nos dirá quienes quedan y a quienes hay que olvidar, pero es bueno optar por una tarima de voces, donde el poeta entregue al público su obra. Creo que mi País, este territorio anónimo, ha generado poetas. Anónimos poetas de mi patria que se han juntado en ellos mismos para hacer una realidad.

***

A nombre de mi editorial ELANGEL Editor quiero saludar y agradecer.: abrazar y halagar a los poetas que han venido desde otros países, desde otras latitudes, arriba y abajo del paralelo cero, donde la poesía sigue el recorrido en las crisis, en los holocaustos post modernos, en los malos gobiernos. La poesía está sobretodo aquello, no tiene porqué entregarse a nada, la libertad de un artista es la única que existe. Ninguna otra: ni el amor, ni la muerte, solo el arte.

A ellos, a Efraín Bartolomé, de México; a Federico Díaz-Granados, de Colombia; a Francisco Morales Santos, de Guatemala; a Ernesto Román Orozco, de Venezuela y a Rafael Espejo, de España, mi abrazo grande, por estar aquí, por haber llegado, al país imaginario, a la primera ciudad del mundo en haber sido declarada Patrimonio de la Humanidad, a la ciudad convento, a la ciudad encerrada, a la bella ciudad de Quito. Gracias amigos, poetas de mi idioma, gracias por ser cómplices, por estar siempre, por producir atmósferas, por producir memoria. Eso, la memoria, la verdadera forma de vivir.
Primero a mi esposa, compañera, amiga, quien resuelve eficazmente todo entuerto, la poeta Julia Erazo Delgado, ella el Angel de la editorial.

A mis poetas de la “patria pequeña”, de la patria de Benjamín Carrión, un abrazo con los versos, unas ganas enormes de reconocer en las palabras el gran amor por la verdad. A los 15 poetas ecuatorianos que engalanan con su poesía este encuentro les agradezco su tiempo, su colaboración.

Debo agradecer infinitamente a la Casa de la Cultura Ecuatoriana. Esta Casa, que acogió con desmedido afecto y con gran espíritu de complicidad este encuentro. A Marco Antonio Rodríguez, su presidente; Fabián Guerrero, el director de Publicaciones, y poeta; al Departamento de Comunicación de la Casa de la Cultura, que ha trabajado con empeño y tesón desde el principio, desde que llegué con el proyecto en ciernes, hasta ahora, que empieza el periplo. A Martha Palacios, amiga, colaboradora, apersonada ella en todo este camino, mi abrazo por su mano siempre firme, por su mano siempre amiga, por su mano siempre hermana.
A Cristina, Paty, Laydy, y todo el personal; a Paulina Loza, que agenciosa ayudó en la realización de toda impresión para este encuentro. A Cristian Hervas, que ayudó en el diseño.
Un especial abrazo a los Núcleos de la Casa de la Cultura de Cotopaxi, Tungurahua, Azuay y Guayas, por todo lo que han hecho para que este encuentro pueda salir a las provincias, podamos viajar por los caminos del país del cóndor y el colibrí y consigamos que la palabra no se centralice en una sola ciudad. Los presidentes de los núcleos Edmundo Rivera, Mary Pachano, Jorge Dávila Vásquez y Rosa Amelia Alvarado Roca han hecho un gran trabajo, cada uno en sus ciudades, en sus provincias, cada uno con el “corazón tendido al sol”, como diría Víctor Manuel.
Otro especial agradecimiento a mi querido amigo y talentoso diseñador Javier Valencia por haber creado la concepción visual de este encuentro y haber conseguido unos afiches y un portada del libro que esta noche presentamos, muy hermosa. Al poeta Carlos Garzón, por su mano siempre honrosa.
A la embajada de España por su gran ayuda para que el poeta Rafael Espejo esté con nosotros en este encuentro.
A todos los medios de comunicación que acudieron a nuestro llamado, gracias por apoyar el encuentro, por publicitarlo, por convocar a nuestros amigos, a los lectores de poesía, esa “inmensa minoría” que nos acoge.

***

Siempre he creído necesario que en un encuentro de poetas o de escritores se de una memoria con la obra. Al fin y al cabo la obra es lo que queda. Nosotros, todos, nos iremos un día, con nuestra memoria y nuestro corazón, con todo lo que hemos visto, hemos oído, pero los libros resistirán al tiempo y a las polillas. Pese a todo, estarán las páginas en alguna biblioteca, en algún lugar. Este encuentro quiere presentarles el libro con una muestra de los poetas seleccionados. Una muestra hecha por cada uno de los poetas, ahí los conocerán a pleno. La poesía los vuelve cuerpo presente, aún cuando ya no estén. Un libro con los poetas que nos visitan y con los nuestros. Un libro que será el libro de la memoria, en donde recordamos el instante, le daremos nuestra perspectiva; la poesía nos ayudará a convocar a la memoria, nos aupará por la dermis y la epidermis de ese rostro que escribió ese poema, que se volvió replica de una figura. El genio y la figura están siempre en el hacer, en el quehacer. Esa es la entrega necesaria. Lo hermoso de los poetas es que ninguno se parezca en su estilo, que ninguno reproduzca otro efecto, que no haya telarañas de la duda en la verificación de la voz. Por su poesía los conoceréis, por los pasos de los versos escarceados, versos vitales de nuestros 20 poetas en este primer encuentro. El libro circulará, debe hacerse visible y el tiempo sabrá en qué puesto lo pone, en qué anaqueles los coloca.
Fue un libro que comenzó y terminó en la ruleta insurrecta del amor. Un libro que se fue dando, que fue creciendo y que está ya con nosotros. Conózcanlo.

***

Por último quiero hacer una promesa en este auditorio, y quiero que cada uno de ustedes me ayude, así, como cuando se promete algo frente a la Patria, frente a la novia, frente a los hijos, en este momento quiero prometerles que no voy a desmayar en esta faena, que quiero hacer cada año este encuentro:

Prometo, ante ustedes, hermanos de la palabra, que perseguiré al águila caudal de los poetas y los traeré al paralelo cero, y conjuntamente con los otros poetas hermanos, volver en el 2010 a encontrarnos en estos arrestos.

Pero toda promesa trae compromisos: quiero comprometer a la Casa de la Cultura, aquí, públicamente, para que el próximo año se vuelvan a embarcar en las naves y evitemos quemarlas para seguir recorriendo los puertos. Esos puertos que vienen y van, eso que, como bien dijo nuestro poeta modernista Remigio Romero y Cordero van “alejándose, mientras muere el día”.

Ni más ni menos.

Xavier Oquendo Troncoso

Elizabeth Quila y "La mirada ciega"

2009-06-12T13:24:00.001-07:00

La presentación de este libro se realizará en la ciudad de Quito el día Viernes 19 de Junio, a las 19h00 en el Centro Cultural Benjamín Carrión, conjuntamente con el libro de poemas de César Eduardo Galarza.
Presentarán los libros Elsy Santillán Flor y Carlos Garzón Noboa.

Elizabeth Quila Vaca
(Guayaquil, 1964)

Licenciada en Literatura y Comunicación Social, mención Relaciones Públicas, por la Universidad Católica Santiago de Guayaquil y Magíster en Psicoterapia Psicoanalítica por la Universidad Complutense de Madrid. Ha seguido además varios cursos de pedagogía en Lima, Perú; Santiago, Chile; Bogotá, Colombia. Ha trabajado como profesora universitaria en las más prestigiosas universidades de Quito y Guayaquil. Es promotora cultural y Relacionadora pública de importantes empresas.
Su labor cultural siempre ha estado inmersa en la promoción y difusión de la literatura. Su trabajo, hasta ahora inédito, ha sido considerado por su generación como prometedor en las letras nacionales. Ha participado en varios e importantes actos literarios en el país.

Hay libros que no necesitan ser prologados.
Hay cosas en la vida que no necesitan ser explicadas.
Hay misterios, ocupaciones y desempeños que no tiene que ser develados.
Un cuento es un viaje propuesto, un rosario de eventos que se descubren, amenazantes a veces, cautelosos, oscuros y temibles.
Todos tenemos un cuento que contar; todos, un sueño que soñar. Pero pocos lo pueden tejer con ese amor que necesitan las palabras, las mágicas palabras que invocan sortilegios. Es este camino intransitado de la memoria entre las calles del olvido. Son traumas y los maravillosos anexos de la vida.
Hay que ser muy valiente para desnudarse y dejarse ver por el mundo. Esa incesante tarea de los escritores que nos deja perplejos y un poco ruborizados, ésa es la verdadera pared que nos separa de los iluminados, al otro lado del bosque.
Hay que tener dedos sutiles y dejar volar la imaginación, entrecortada por la memoria, que a veces no es tan placentera. Purgar y redimir, es la tarea de los cuentos que lanzados al universo se convierten en ventanas.
Y es en esta invitación que nos atrevemos a recorrer el placer sin reparos, en parcelas morales que se abren despreocupadas. El incomparable placer de mirar, mirarse y ser mirado, como diría el divino marqués; ese mirarse al espejo sin turbaciones ni preocupaciones.
Cada relato es un espejo hecho añicos, una súbita llamarada de cachetadas insolentes pero necesarias a la hora de ser sinceros.
En este mundo que ahora se dice cambiante, escribir cuentos alejados de tabúes y supuestos es una gran aventura. Escribirlos sin reparos y a letra fría es una odisea. Escribirlos desde la visión femenina y salpicarlos de dureza es realmente una proeza.
La elegía del saber físico es importante, más importante aún cuando esta salpicada del saber científico y adornado por las pantomimas de la memoria, solo ahí se transforma en un cuadro íntegro y brillante. Deseoso de ser descubierto. Pero algo nos impide ver esas estructuras subyacentes, porque esta invadido por aturdidas lanzas y descarnadas acciones, casi imprevisibles, a veces criminales.
Entonces nos volvemos débiles y sucumbimos ante lo inesperado, primero elevados y oprimidos después, en este vaivén atolondrado de frases que bailan macabras.
Y si eso no es la escritura, ¿entonces qué es?
Hay libros que necesitan ser sentidos. Absorbidos, machacados en microscópicas partículas e inhalados. Hay relatos que deben ser matemáticamente estudiados, porque en su fluidez está nuestra propia necesidad de ser entendidos; atravesando soledades, desencuentros y anhelos.
Este libro es corporal, sensual y rojo. Es asfixiante y revelador.
Hay libros cuyo prólogo podrá parecer vano.
Parecería Insensato explicar lo que debe permanecer quieto y tranquilo, pero que al caer de la roca, se perturba exponencialmente.
Nuestra cultura analgésica nos tiene acostumbrados al espanto. Ya nada nos asombra. Pero, necesitamos salvarnos. Y quizás las palabras descarnadas nos resulten salvavidas en este océano de locura.
Hay ciertos autores que están llamados a remecer, a trastocar y preguntar. A mostrarnos que las cosas del amor aun continúan vigentes y que entre tanta automatización, aun persisten las pasiones, las penas del desamor y la melancolía.
Aun somos humanos, después de todo y siempre es bueno recordarlo.

Osvaldo Paladines Zurita

ESTU FUIMOS EN LA FELICIDAD según Maldonado y Junieles

2009-06-12T13:20:00.000-07:00

Un buen amigo es un tesoro, dice la Biblia, y en su texto Xavier Oquendo reproduce esta máxima, la reedita, la reelabora y la recrea. Un paseo nostálgico por la adolescencia, más allá de los conflictos existenciales, el duelo por el cuerpo de niño, la pérdida de la inocencia y todas esas cosas que convierten la mejor de las edades en el peor de los tormentos.
En un tono coloquial, desenfadado, con apuntes a veces un poco prosaicos, Xavier Oquendo reflexiona sobre años y personajes atrapados en una etapa de la vida en donde la amistad se convierte en un eje y un aprendizaje de la vida que no nos da ni la familia ni la educación formal, que no se adquiere en los libros (salvo quizá en algunos libros de poemas, como este) ni en los problemas de álgebra.
Como siempre, la palabra de Xavier puede emocionar y sorprender. Puede llevarnos a visualizar momentos ajenos y también a evocar los propios vericuetos del recorrido por situaciones iguales o parecidas a las que Oquendo redescubre y redescribe en estas páginas.
Esto fuimos en la felicidad acude a la nostalgia por un pasado que evocamos con ojos parcializados, tema recurrente de la poesía y de las artes en general, y con esa materia conocida reconstruye las vivencias y las emociones de un tiempo que solamente vuelve a través de la magia de la palabra hecha poema.

Lucrecia Maldonado

Toda poética es la fundación de una nueva realidad, a partir de una suma de perplejidades. Hay una misteriosa lumbre en las palabras de Xavier Oquendo. Su palabra nos protege de la ceguera que origina mirar de frente a la realidad. Mucho de todo lo perdido en nuestro tránsito regresa cuando leemos a Oquendo: las astillas de la memoria, nuestros sueños diseminados, la vida que nos ha robado el tiempo y el ámbito que debemos vivir. Esta palabra nace de su límite, cierra el silencio para liberar la palabra, costillas que evitan que el corazón salga rodando por el piso. Palabras con rostros donde leemos gestos donde nos reconocemos. Parece que cada palabra de Oquendo estaba allí para nosotros desde siempre, como la rama de un árbol que durante años crece, para sostener un pájaro que pronto levanta el vuelo.

John J. Junieles
Escritor colombiano
Premio Internacional de Poesía Nicolás Guillén.

EL MAR SE LLAMA JULIA ANALIZADO POR VIVIANA CORDERO

2009-06-12T13:11:00.000-07:00

En la vida de cualquier persona se suceden casi siempre dos tragedias muy serias: la falta de amor o el exceso de amor (Lucía Extebarria)

Cuando Xavier me pidió que le presentara El Mar se llama Julia, muchas ideas rondaron por mi mente y me debatí durante varios días hasta que le dije que sobre lo que en realidad a mí me interesaba hablar era sobre el tema de esta novela, sobre la idea central que es la que me ha venido rondando todo este tiempo dejando la forma, el estilo y la manera en que ha sido escrita, a los más expertos.

Hace algunos años escuché de esta novela, curiosamente de otro de los presentadores, Pedro Saad. Él me dijo: No está terminada aún pero la idea es magnífica, o al menos creo que me dijo eso y cuando yo terminé de leer lo que me quedó fue este sentimiento profundo de nostalgia y de pesar por lo que no se da.

El primer amor es el centro de esta novela. Guardo fresca en mi memoria una maravillosa película que se llama Un pequeño romance con Sir Laurence Olivier y la entonces niña Diane Lane y un joven francés que me parece que no volvió a actuar. Es la historia de dos adolescentes que se escapan a Venecia porque conocen de una leyenda. Les ha contado el personaje interpretado por Sir Lawrence Olivier sobre esta leyenda que dice lo siguiente: si dos amantes se besan en el ocaso bajo el puente de los suspiros, estarán juntos para siempre. Las mil y un peripecias por las que atraviesan estos niños adolescentes refuerzan este sentimiento de que la tenacidad del amor es única. Esta película me marcó de por vida y hace poco que la pasaron por televisión y la miraba con mis hijas sentí cuan vigente estaba. Recuerdo también a Melody acompañada de los inolvidables temas de los Bee Gees. Y en la literatura, al inolvidable personaje de Chico Carlo de Juana de Ibarbouru por no ir a lo esencial, a Romeo y Julieta. El amor es lo que prima en la novela de Xavier Oquendo, el amor es lo esencial. El amor es la fuerza que mueve a la niña Julia.

En El mar se llama Julia: Julia y José Julián son dos niños, preadolescentes, diez y doce años. Juliá se enamora. Por primera vez cae dentro de la enfermedad del amor. Dice Carmen Rigalt: “El amor es una enfermedad, una patología que nos erosiona abruptamente por dentro”. Sabiendo que no hay marcha atrás posible, pues el Jota, como llaman a José Julián ya se le ha metido adentro, valiente, le escribe una carta. El Jota contesta. En toda relación siempre hay uno que ame más y no es que el Jota no la quiera, pero no la quiere como ella quisiera que la quieran. El Jota, tiene otros intereses igual de importantes, como son el básquet, el mar y sus amigos. Julia siente celos del básquet, del mar y de sus amigos. Sin embargo Julia persiste y sufre. Por primera vez siente en corazón ese dolor amargo del amor, ese sabor a limón con sal. Sin embargo todo se torna peor, mucho peor de lo que jamás imaginó. El Jota sufre un accidente jugando básquet y pierde la memoria. Julia cree enloquecer sin tener noticias de su amigo y de pronto escucha que la única palabra que repite sin cesar es Julia. Emocionada va a visitarlo, pero él no la recuerda, ni siquiera sabe por qué sigue repitiendo esta palabra. Fue la última palabra que pronunció mientras jugaba básquet y la divisó y antes del golpe la llamó, pero él no lo recuerda. Y Julia escucha como él le dice que no sabe quien es, y que se vaya pues quiere estar solo. Entonces Julia en un acto de generosidad total le escribe una carta describiendo aquello que él más ama, el mar. Le describe ese mar para tratar así de llegar a su memoria de alguna manera.

Esta es una historia donde claramente se refleja la vida con toda su crueldad. “Y es que del amor, como de la vida, siempre se espera más y nunca se está satisfecho” (Lucía Extebarria)

Uno cree a veces que los niños no aman con la misma fuerza de los adultos y no es así. El niño sufre igual, siente celos, no concibe la vida sin esa persona, lo sé por la experiencia de mi hija. La veo sufrir por un compañerito con tal fuerza y ella me pregunta angustiada: Cuánto tiempo va a pasar hasta que lo olvide, Mami. Y tiene nueve años.

En el caso de Julia, ella lo ama con tal fuerza que ya no importa su felicidad, importa la de él, mientras que José Julián se deja amar.

Siento que Xavier ha llegado a la esencia femenina con gran perspicacia y a la masculina también. Una mujer ama con pasión, con dolor, se pierde una con tal de que el otro esté, sea, se sienta bien. Julia respira a través del Jota, y sólo el verlo bien lo pone a ella bien.
El amor es el discurso de la soledad a pesar de que este discurso sea hablado por millones de personas.

La historia del Jota y de Julia es una historia triste. Uno quisiera que terminen juntos, que Julián recuerde, que no pase tanto el tiempo, pero no. José Julián se va, lo llevan sus padres a otra tierra y Julia se queda sola. Quizás, como decía antes, uno quisiera que termine todo bien, pero entonces, como dice una de las personas a quien yo más admiro, el foógrafo iraní Reza, una de las pocas personas que me han hecho creer que la vida vale la pena de ser vivida. Él dice que las personas felices no tienen historia. Y entonces no tendríamos ni a Julia ni a José Julián.

Convocatoria Internacional “Antología de Poesía 2009”

2009-04-14T15:43:00.000-07:00

Convocatoria Internacional de Poesía
“Antología de Poesía 2009”
Convocatoria abierta para el Ecuador

Nuestra antología creará un mapa poético entre México, Centroamérica, Sudamérica, España y las Islas del Caribe, y de esta manera enriquecer el panorama poético de la lengua española.

Bases:
· Podrán participar todos los (as) poetas nacidos (as) a partir de 1940. Acordamos esta fecha de partida por cuestiones generacionales (este criterio, es puramente estadístico).

· Los poemas a enviar deberán de ser de autoría propia y en español. Estar a doble espacio y en fuente Times New Roman, número 12. En caso de que los poemas tengan un formato diferente al señalado anteriormente, le solicitamos que lo notifique en el envío.

· La cantidad mínima que deseamos es de cinco poemas, con un máximo de veinte poemas. Si los poemas pertenecen a un libro, al final del poema le solicitamos anexe los datos correspondientes (Autor/a, título del libro, editorial y año de publicación), y si los poemas son inéditos o por publicarse en alguna editorial, especifíquelo.

· La temática es libre.

· A los autores que reciban esta convocatoria se les solicita una ficha curricular en la que anexen los siguientes datos; nombre, dirección electrónica, país de origen, domicilio particular y su trayectoria literaria, además de una foto. Solicitamos sus datos personales para uso exclusivo de la institución, y de la misma manera para hacerles llegar futuras invitaciones, la finalidad de esta solicitud es crear una base de datos y realizar un mapa poético.

· La presente convocatoria estará vigente a partir del 5 de abril al 6 de junio del presente año.

· Todas las participaciones literarias deberán de ser enviadas a la siguiente dirección: antologiainternacionaldepoesiaecuador2009@hotmail.com

· Los trabajos se remitirán en tres archivos adjuntos al mensaje, en formato Word; el primero contendrá los poemas a participar, el segundo los datos del autor correctamente organizados de acuerdo al numeral 5 de la presente convocatoria, y por último, un tercer archivo con la foto del autor. En el asunto del mensaje se especificará la nacionalidad del participante.

· A los participantes se les notificará de la recepción de sus trabajos en un correo electrónico.

· Los autores seleccionados cederán los derechos de la publicación del material poético a Ediciones Jaguar.

· La participación en esta convocatoria implica la completa aceptación de sus bases.

La presente convocatoria internacional de poesía reunirá a las nuevas voces de la lírica castellana y de las Islas del Caribe, en un libro editado por Ediciones Jaguar. La presente antología será editada en cinco tomos (un tomo por cada zona geográfica). Agradecemos a todos los autores el interés ante el presente proyecto editorial a realizarse. De la misma manera, en que les solicitamos sus colaboraciones, les informaremos de los portales de internet en donde podrán consultar tanto la lista de los poetas antologados como un estudio preliminar del trabajo a publicarse. [1]

Atentamente
Sara Vanegas Coveña
Juan Carlos Recinos
5 de abril 2009
Cali, Colombia.
Ediciones Jaguar

[1] Los antologadores informamos que tanto los nombres de las antologías por países como de la antología general, serán designados por el consejo consultivo de Ediciones Jaguar.

ELSY SANTILLÁN Y LOS MIEDOS JUNTOS POR VIVIANA CORDERO

2009-03-23T06:55:00.000-07:00

Pensaba yo en las coincidencias de pensamientos. El día martes asistí a la presentación de los cautivadores poemarios de María Luz Albuja y Julia Erazo, y la poeta Victoria Tobar, al presentar el libro de Julia Erazo planteaba que hay dos maravillas: leer y escribir.
Justamente yo empezaba la presentación de Elsy hablando del término maravilloso y me impactó que estuviéramos en lo mismo.
Maravilloso: adj. Extraordinario, excelente, admirable.
Maravilla: del latín, Marabilia. Suceso o cosa extraordinaria que causa admiración/ 2.- acción y efecto de maravillar o maravillarse.
Maravillarse: causar admiración.
Cuando uno emprende un viaje a lo desconocido, lo maravilloso, es decir lo extraordinario, lo excelente, lo admirable, lo único, lo especial del mismo es dejarse llevar y maravillarse valga la redundancia con lo que acontece desde el momento en que salimos de casa. Cuando uno abre un libro lo maravilloso, lo único, lo especial, lo admirable del mismo es que éste le transporte a uno a lugares recónditos y misteriosos sin haber salido de casa. La lectura es lo que nos permite a muchos seguir viviendo, soportar la monotonía, el dolor, la enfermedad y los problemas del día a día. Cuenta Azar Nafisi, la profesora de literatura que escribió el cautivador libro Leyendo Lolita en Teherán que soportaba los bombardeos y la guerra en Irán leyendo. Leía a Henry James por las noches mientras las bombas destrozaban la ciudad y no sabía si el próximo bombardeo la mataría a ella y a su familia. Cuando escuchaba algún bombardeo cerca de su casa, con más fuerza y vehemencia seguía leyendo.
Pienso que el principal objetivo de un libro es atrapar al lector. Seducirlo, obligarlo a buscar sus páginas aunque uno tenga actividades, ocupaciones, trabajo. Es llevarlo de viaje sin haberse movido del sitio en el que uno se encuentra.
Y éste es el primer objetivo que cumple el libro de cuentos de Elsy Santillán Los Miedos Juntos. Desde que uno abre la primera página ya está atrapado. Porque como bien lo dice Umberto Eco en sus reflexiones Sobre la literatura, “La única cosa que uno escribe para sí mismo es la lista de compras para el mercado. Esta lista sirve para recordarnos qué es lo que debemos comprar y una vez que estas compras se han realizado, la podemos botar pues ya no sirve a nadie. Todo lo que uno escribe es para hacérselo llegar a alguien” Elsy escribe para sus lectores y quien la lee queda inmerso en su mundo propio, especial, barroco, lleno de calles adoquinadas, de casas en el centro de Quito, de muñecas antiguas, de espejos en donde trajinas fantasmas, de seres arrugados, de seres complicados, como de otros mundos.
Por eso y, ojo, entrar dentro del libro de Elsy no es para cualquiera, es para valientes. Son cuestas empinadas, descensos abruptos, de pronto un arroyo con aguas límpidas y esperanzadoras como Boutique Rosavioleta, el único cuento con posible final optimista dentro de todos los cuentarios, y ojo, digo posible porque el protagonista sueña con algo que no sucede aún, que de pronto puede trastocarse, ya que en los cuentos de Elsy uno entra en terreno de arenas movedizas. Vale la pena intentarlo, porque lo que sí les garantizo es que no saldrán indemnes, que la vida les cambiará después de haber leído estos cuentos y eso es lo que importa porque uno lee para transformarse, para que la vida de uno sea sacudida, para que el interior de uno sea removido.
Porque los personajes que recorren estas páginas son personajes atormentados, seres que no pueden con la vida normal: asesinos, suicidas, enfermos mentales, inconformes con su destino, angustiados en potencia. Uno a uno, cada cuento nos devela el otro lado de la vida, el lado negro, el lado enfermo, el lado que no puede con la esperanza, con la felicidad, con el optimismo.
Elsy enfrenta los miedos, propios y de cada ser humano, con valor. A través de las palabras los desmitifica. Se materializan en los largos corredores de su infancia. Cobran fuerza, y situaciones que podrían estar en el fondo, fondo del baúl de los más negros pensamientos, vienen a sentarse en la sala de esterilla.
Es lo turbio, lo sórdido lo que predomina en Los Miedos. La muerte del travesti, en La habitación de los cuatro espejos cóncavos, el asesinato en Una gota de lluvia en tus cabellos de paja, el dolor de volver a la vida sabiendo que ha sido reemplazado en El reino de las sombras.
El ser humano es inconforme nos lo grita Elsy a través de sus historias. La vida es amarga. Todo lo que parece sólo parece porque en realidad lo que es es tan distinto a lo que parece.
Por eso comentaré tres situaciones y temas que están constantemente presentes en Los miedos juntos. Pues si bien esta es una recopilación de todos sus cuentos escritos a lo largo de muchos años, las angustias, los miedos, la temática constante de la atracción hacia lo oscuro, hacia lo abyecto, está presente a lo largo de todos los cuentarios
1.- El ser humano está incapacitado para encontrar la felicidad.
Cito:
“En cada rincón de sus sentimientos se ocultaba un gusano que lo corroía todo.”
Si hay una frase que defina la atmósfera de los cuentos de Elsy Santillán Flor es precisamente ésa.
Por todo lado se siente el sabor de la tristeza, del dolor, de la decepción. Los cuentos son una tarde lluviosa y gris, como del enero quiteño. “Escucho el abrirse de ataúdes, el ulular del vien¬to, el crujir de hojas secas y sé que soy parte de todo este mundo gris y desolado repleto de lóbrego encanto”, nos dice el narrador, o Elsy, la escritora. No puedo dejar de pensar en Edgar Allan Poe, sus ensoñaciones con los cadáveres y compararlos con las ensoñaciones de Elsy, la escritora que se aleja de su diario vivir para transitar por sus historias fantásticas, llenas de gris y de azul oscuro donde los personajes negros y solitarios deambulan cada uno con sus historias amargas y destinadas a un fatum desolador.
Así en El reino de las sombras el protagonista regresa de la muerte para comprobar que ya no lo aman como él imaginó, que su mujer tiene a otro. Lo que él creía no es y el haber vuelto a la vida se vuelve el más amargo de los suplicios. En Cara o cruz el personaje se debate entre una doble vida, incapacitado de unir sus dos identidades, manteniéndolas completamente separadas. En ¿Y si almuerzo su cadáver? Un hombre mata a su mujer y al salir indemne y volver a casarse nos deja con la inquietud de que muy probablemente va a volver a ocurrir, confirmándonos que uno no aprende de sus horrores, errores y dolores, sino que el ser humano reincide, vuelve a caer una y otra vez como un círculo vicioso. En Confesiones en lila toda posibilidad de felicidad se trunca, el amor verdadero se destroza, tan sólo queda la venganza final, la dicha de la venganza. En Del otro lado de los muros una pareja juega a engañarse, pensando así que cada uno es más listo por ocultarse su otra vida.
Cada uno de estos cuentos son de diferentes colecciones y sin embargo hay una unión que la sentí a lo largo de todo el texto. Es acertado presentarlos entonces juntos. Como bien lo dice Gloria de Cunha en el prólogo. Cito: “Para el crítico literario esta reunión de reuniones no representa una simple suma de relatos, sino un macrotexto original, un verdadero sistema textual con renovado sentido. Los ejes identificables alrededor de los cuales se organizaba cada cuento de los cuentarios separados adquiere nuevo valor en la reunión, puesto que ahora se iluminan —inmediatamente unos a otros, lo que carga de valor al contenido de Los miedos juntos. “
El sentimiento al final es el de una multtitud de personajes, cada uno un mundo, cada uno una historia más truculenta y escalofriante que la otra. Estas soledades se mantienen solas, no buscan que nos unamos a ellas. Tan solo nos acercan a sus historias, en algunos casos desde la primera persona, en otros con la frialdad que imponen los hechos desde la tercera y en ocasiones con el dedo acusador de la segunda. Uno asiste como tras una cámara que se acerca lentamente y luego se retira. Uno asiste como espectador del dolor, de la soledad, de lo mórbido, de la incapacidad del ser humano para encontrar la felicidad. Somos testigos del fracaso, de la imposibilidad de encontrar la salvación por ningún lado.

2.- La muerte compañera acechante.
Elsy juega con la muerte, con las tumbas, con lo nefasto y lo efímero de la vida, con lo irremediable. O quizás con un mundo real que está ahí pero que sólo unos afortunados pueden verlo. En algunos casos es tan sencillo como retirar las cobijas y las sábanas del personaje dormido que siente que se está muriendo por la asfixia, en otros es tan real como estar dentro de una tumba durante días. La muerte es una de las grandes protagonistas de este texto creando un vínculo entre los diferentes cuentos.
En Valores perdidos en actos agotados, un hombre hace el amor con el cadáver. Él no lo sabe, piensa que es su esposa dormida que él imagina su amante, pero la dualidad existe está presente, al más puro estilo de Edgar Allan Poe o de Emily Bronté. Y la dualidad se hace presente al ser este cuento escrito
en segunda persona. Ese tú constante que condena, que acusa formalmente. Esa dualidad entre el placer y el dolor. Porque lo interesante es que todo en las tramas de Elsy nos llevan a una función necesaria. En Las cartas que fueron bastante lejos se va fraguando el asesinato a través de las pistas que nos dejan las diferentes misivas. Nada es gratuito, nada es casual, gracias al poder de las palabras, todo tiene una razón de ser.
La muerte domina, está presente. A veces como única solución, otras como algo a lo que no podemos escapar porque el ser humano camina cada día hacia ella. El ser humano no tiene salida, parece decirnos las escritora. Los personajes toman la vida en sus manos en muchos casos y hacen con ella lo que les parece. En el mundo de Elsy Santillán, escitora, reina la agonía, reina el dolor, reina una profunda decepción hacia la vida de la cual uno no escapa ni aún después de muerto, prueba de ello, el cuento El reino de las sombras.
Entonces:
3.- ¿Qué nos queda? Tal vez creer en las historias que escuchamos, que leemos, que nos cuentan. A pesar del dolor, a pesar del pesimismo, a pesar de la decepción Scherezade logró mantenerse con vida encadenando historias que maravillaban al sultán y que postergaban su muerte para que siguiera encantándolo.
Ariadna en el laberinto le entrega a Teseo el hilo que le permitirá encontrar la salida luego de matar al minotauro. Elsy, través de su libro, de la escritura y de la lectura, nos entrega el hilo de Ariadna, la salida hacia una salvación, entiéndase minotaruo como monotonía, como tedio, como sucesión de días sin esperanza, cuando el ser humano puede escapar de su propio miedo, de su propio tedio, de su propio dolor a través de estas historias que nos permiten entrar en otros mundos.El rol de la literatura es crear también un universo, un mundo. Dice Carlota en El joven Wether: “Como ahora son contadas las veces que puedo leer, cuando lo hago deseo que la obra esté perfectamente dentro de mi gusto. Y el autor que prefiero es aquel en quien hallo el mundo mío, el que cuenta las cosas tales como las veo en torno mío, el que con sus descripciones, me atrae y me interesa tanto como mi propia vida doméstica, que indudablemente no es un paraíso pero sí una fuente de dicha inefable para mí”. Yo añado; también es el poder penetrar dentro de otros universos, de otros dolores, como en el caso del mundo creado por Elsy Santillán. Entramos como a escondidas a vislumbrar todo lo que ocurre dentro del universo de sus personajes y probablemente de esta manera nos vemos obligados a confrontar nuestros propios miedos que es lo que nos permite encontrar el sentido de nuestra existencia, lo que nos permite encontrarnos y descubrirnos. El sentimiento que me provocó fue como si estuviera abriendo una cortina con sigilo, porque ni siquiera es una puerta, para adentrarme y comprender el por qué de tanto inconformismo, de tanto dolor ante la vida. Elsy nos invita a conocer estas vidas tortuosas y atormentadas. Sus descripciones son ágiles, fuertes, apasionadas. Son trazos directos, rápidos, drásticos, sorpresivos.
Cito:
CUANDO SE FUE
Al verlo partir, supe que se llevaba la mitad de mi vida, de mis sueños y realidades. Quise lla¬marle, pedirle perdón, llorar bajo su sombra; pe¬ro descubrí que podía vivir con la otra mitad que me quedaba.
Así de rápido, así de corto, así de completo. No hace halta más. Una historia, un suceso concreto. Imapacta, agarra, atrapa.
Dice Julia Kristeva: Hay, en la abyección, una de ésas rebeliones del ser obscuras y violentas contra lo que lo amenaza que le parece que viene de un más allá o de un interior exorbitante, lanzado junto a lo posible, a lo pensable, a lo tolerable. Está ahí, muy cerca pero no asimilable. Inquieta, fascina y se lanza hacia un más allá que ya está condenado.
Cito:
LA TARDE DEL ULTIMO DIA:
—Hace como diez años desapareció una mujer, dijo, —por las fotografías que aparecieron yo podría afirmar que es usted.
No le contesté. Sus ojos resplandecían, yo seguía inmutable.
—¿Por qué lo hizo? —me preguntó de frente— usted era una triunfadora, lo tenía todo.
—¿Usted así lo cree? —pregunté también.
—¿Qué le faltaba?
—Nada, respondí. Me aferré a todo mi valor para seguir diciendo:
—Yo no soy esa mujer, pero supongo que sería muy sensible y por así serlo su mundo no debía haber sido tan placentero. Seguramente las cosas que a todos parecerían grandiosas a ella no le importarían nada. Quizá se hartó de todo y decidió escapar de aquel mundo para buscar otro inmensamente mejor.
—Pero si lo tenía todo —volvió a repetir el hombre.
—Nadie conoce el alma de nadie, me encontré diciendo. —El mundo del alma es muy complicado. Suponga que esa mujer no se consideraba parte de nada, ni tampoco consideraba a nada ni a nadie, parte de su mundo.
Me miró con seriedad.
Una vez más la escritura salvadora, el hilo de Ariana que nos permite salir del laberinto de la vida. Porque finalmente y concluyo con esto, uno puede imaginar a Elsy escapando de su vida, perdiéndose como la mujer de LA TARDE DEL ULTIMO DIA. Perdiéndose en sus fantasías, adentrándose a través de los corredores dentro de sus más profundos terrores. Saliendo sin salir de casa, todas las tardes en busca de la aventura, de la historia, recorriendo sus múltiples y únicos objetos, puesto que cada uno tiene una historia en la vitrina del rincón, subiendo y bajando por los rincones que ofrece su casa tan personal, ofreciendo cada rincón una historia; y de esta manera aunque su cuerpo esté ahí probablemente enfrascado en la limpieza de algún adorno, y nadie se percate de lo que ocurre, su mente está lejos, en medio de historias turbulentas y complicadas. Su mente está enfrentando sus propios miedos y valientemente obligando a su mano a escribirlos.

CUENTOS COMPLETOS DE ELSY SANTILLÀN FLOR, PREMIO NACIONAL DE CUENTO “PABLO PALACIO” y “JORGE LUIS BORGES”

2009-03-05T07:49:00.000-08:00

El sábado 7 de Marzo, a las 11h00 de la mañana en el Palacio de Cristal del Parque Itchimbia se presentará la obra “LOS MIEDOS JUNTOS” de la Escritora quiteña ELSY SANTILLÁN FLOR. La presentación estará a cargo de VIVIANA CORDERO ESPINOZA. El libro ha sido publicado bajo el Sello Editorial ELANGEL Editor, en su colección Flor de Angel.

El libro a presentarse reúne la mayor parte de su producción en el género Cuento, además de algunos cuentos inéditos. Además el volumen consta de 128 cuentos entre los que se encuentran los cuentos premiados en la Bienal “Pablo Palacio” (1998) y en el Concurso “Jorge Luis Borges” (1995).

Elsy Santillán Flor (Quito, 1957) es Doctora en Jurisprudencia. En los años 80 tuvo una gran participación en los talleres literarios de la época. Conformó la Red Cultural “Imaginar, con otros escritores de su generación. Su obra está conformada, además de cuento, de poesía y literatura infantil. Sus libros son “De mariposas, espejos y sueños” (1987), “De espantos y minucias” (1992), “Furtivas vibraciones olvidadas” (1993), “De mariposas, espejos y sueños” (1997), “De espantos y minucias” (1992), “Furtivas vibraciones olvidadas” (1993), “En las cuevas ajenas de la noche” (poesía, 1997), “Gotas de cera en la ceniza” (1998) y “Las doce habitaciones de la magia” (Narrativa infantil, 2000 Libro electrónico). Además de los libros colectivos DESEABULOS 1 y 2 (Libros en colectivo de cuento y poesía, 1993, Quito y 2000, Ibiza, España, respectivamente). Ha obtenido los premios “Jorge Luis Borges” 1995 y el Premio Nacional “Pablo Palacio” 1998. Ha sido incluida en las más importantes antologías femeninas de cuento, realizadas por Cecilia Ansaldo, Gloria Da Cunna, Miguel Donoso Pareja, Sara Vanegas, entre otras.

Elsy Santillán Flor publica está obra que ha sido revisada y corregida para darle el aspecto definitivo a su narrativa de oficio.
Han sido más de 20 años en que trabaja con su oficio solitario por los patios del lenguaje y de la imaginación. Escritora seria de fantásticas recreaciones impresionistas y surrealistas. Ha sentido toda la vida la necesidad de contar. Y lo ha hecho con la pujanza de las escritoras mujeres de Latinoamérica que ahora quieren cambiar al mundo con su mensaje poblado de verdad y belleza.
Santillán Flor ha conseguido llegar a un estilo definidor con creces y en grandes dosis de trabajo magnífico y de sacrificio. Sabe del tema porque desde temprana edad le surgió la idea del combate con la lengua. Y ha salido invicta y triunfadora a ganarle espacio al arte con la claridad de sus palabras y con la complicada simplicidad de su mensaje.
Este libro es un homenaje a su trabajo y a sus estupendos cuentos, manejados con la maestría de un trazo de Velásquez. Sin duda alguna, una alta cifra de su generación.

LA PENDIENTE IMPOSIBLE, nuevo libro de Marialuz Albuja

2009-03-04T19:00:00.000-08:00

Texto leído en la presentación del libro

Luego de leer La pendiente imposible, la primera pregunta que me la hago es: ¿Dónde quedó la Marialuz de tonalidad parca, de verso corto y de profunda diafanidad? ¿En qué sitio su verso se elastizó? ¿Por qué aguas profundas decidió naufragar para volverse fuerte?

Su nuevo es su nuevo estilo. Ella sabe que el estilo es uno mismo, que en el ser humano, en su realidad, en sus pasajes cotidianos se encuentra el zumo de poesía verdadera, porque solo así el poeta puede asimilar el dolor de vivir y el placer de recordar. Recordar es una forma de volver a vivir. Aunque vivir en el recuerdo es mentir, también un poco, y es caer en las redes de ese borronesco mundo de imágenes que no se resuelven de igual modo.
Lo onírico, decía Freud, es la otra vida, las otras circunstancias, parecidas tal vez, pero separadas por la sabiduría del consciente y del tiempo, que no perdona el silencio.
El tiempo ha pasado por Marialuz, por su poesía. Ya no somos los poetas jovencitos que éramos hace unos años. Ya no estamos en el titubeo de la gramática, ahora tratamos de buscarle la esencia a la palabra. Luchamos mucho con el lenguaje, luchamos mucho con la forma. Y aquí está el nuevo libro de Marialuz, su mejor libro, según ella, y yo estoy con ella, porque en él hay un canto al dolor de los recuerdos. Con él se hace evidente aquel adagio de que el poeta se llora así mismo para llorar en todos. Para arrastrar con su dolor a todos, es un tsunami el poeta. Es un huracán, un torrente sin compasión. Marialuz lo ha asumido y su poesía ha madurado con ella.
Adiós a su poesía parca. Bienvenida su poesía decidora. Adiós al verso adornado con la retórica de las figuras literarias. Ahora su verso busca decir. Adiós a la estrofa conceptual. Adiós al silencio. Bienvenida la bulla de su discurso. Bienvenida la poesía de la catarsis, la poesía de la auto exploración. Aquí está la voz poética construida con vida. Y por ello, por su valentía, por su ejercicio sinuoso con la palabra que no alcanza, hay que aplaudir este libro.

La misma voz poética se sabe cambiante de estilo, de forma, de estructura:

Jamás podré ser como antes.
No escribiré ya las mismas palabras.
No leeré los mismos poemas en un libro…

Este es el canto poético de una mujer que ya cambió de piel.

Su poemario está dividido en tres partes, que guardan una coherente e impecable unidad: 1. El destierro, luego El regreso; por último El silencio. Los tres motivos que parten a su discurso están eslabonados por varias cuestiones de carácter poético y anecdótico: un viaje (a la China), un regreso (de la China) y un asumirse en la poesía con el silencio.
Entonces el pretexto poético de la primera parte de su libro es la atmósfera de Oriente. He aquí un verso que esclarece:

El oriente se esconde en mis ojos
Llevándose el sol que pronto estará al otro lado

Tal y cual como alguna vez nuestro poeta Rubén Astudillo y Astudillo dijo, en las mismas circunstancias geográficas de Marialuz (Rubén fue embajador de Ecuador en China por muchos años):

La misma luna que esta noche
cruza, con su mata
de estrellas, por encima
de los pinares de Xian, mañana alumbrará
los eucaliptos y las
capulicedas
de mi pueblo.

En los dos poetas, coincidencialmente apoltronados al otro lado del mundo, se deja notar el aspecto de observadores y de añorantes profesionales. Siempre recordando: este oficio inútil, pero gratis que tenemos algunos. He incluso algunos hasta lo disfrutamos.
Es en China donde la voz poética destapa ese caño de dolor que, en otros casos, aplaudiría un sicoanalista. Ya se sabe que la poesía y el arte en general es el mejor sicólogo, pero si se sabe manejar este con la dignidad de la palabra. No creo que ningún poeta tenga buenas intenciones, si no las tiene ni con él mismo, ya que decir su palabra es quedar desnudo frente al público; es quedar mal frente a la dignidad del silencio. Pero Marialuz decidió destapar la olla de los grillos con su pasado, y enfrentarlo a futuro, para quedar en paz con sus imágenes, con sus insomnios y con la debilidad de lo que se ha quedado hundido en la desolación del tiempo.
La poesía verdadera, a mi juicio, esta adocenada con el enfrentamiento poeta-poema. La verdad es la originalidad, lo demás es el adorno. Comencemos a leerla bajo esta imposición.

…mi madre
En su pequeño escarabajo por el camino empedrado
Mientras yo, en la Gran Muralla,
Bajo la luna llena
Me recuesto.

He ahí un recuerdo ahíto repleto de realidad. El recuerdo es una puesta en escena de lo que quisiéramos, pero en estos versos, la voz poética recuerda a su madre sin idílicas funciones: las dos en caminos diferentes. Separadas por la mitad meridional del mundo. Esperando. Dice:

No me lleves lejos.
Aquí puedo creer que soy feliz.

Es la idea de la distancia como figura de la felicidad y la nostalgia.

Las nuevas visiones orientales son atrapadas por la sensibilidad de la poeta:

Quisiera atrapar con mis manos la China del Norte
Sus restos fragmentados por la memoria
Que no sabe como volver al portal
Donde una joven asiática vendía bebidas frente a los sumideros de la ciudad.

Esta es una poesía que no oculta la identidad de una voz poética desconcertada por el dolor y por lo nuevo. Lo nuevo es otra forma de dolor. Siempre nos pesa. Nos cuesta aceptar lo que está fuera de lo establecido.

Una de las constantes en este poemario es la voz parricida que ama y odia; que sumerge y emerge a la figura del padre. Y con él, aparece ahíta, desparpajada y libre, la de la madre y la de los hermanos. Y entonces se conecta la voz poética con lo que llamaríamos familia perfecta, agarrada, sujeta a los recuerdos, a los apóstrofes, a las debilidades, a los absurdos de verse tan crecidos, tan lejanos y tan abiertos, luego de haber sido una sola cosa multiforme que creció junta, pero creció precisamente para abrirse.
Así nos dijo alguna vez Khalil Gibran:

Tus hijos no son tus hijos
son hijos e hijas de la vida
deseosa de si misma.
No vienen de ti, sino a través de ti
y aunque estén contigo
no te pertenecen.

El canto terrible al padre y a la madre. Un canto desaforado de amor y de libertad. Dice:

…Padre de los animales que habitan la tierra.
Padre de los abandonados.
Pero no mi padre/…/
Juego a ser hija y me equivoco.
Juego a nacer otra vez…

Madre, no se cómo hacer para hallarte.
Tal vez escarbando en mi pecho
Que acaso sea solo una sombra de ti…

Hermanos, no sé si algún día les dije
Que sigo buscando el silencio
Que solo su abrazo podría salvarme…

He aquí el adagio de la poesía de siempre: “El dolor es causa de la belleza”.

En la segunda parte del pequeño libro encuentro ciertas claves de su poética anterior: Hablar en segunda persona. Marialuz manejaba estupendamente bien el “tú” en sus otros tres libros. Con la diferencia de que en este, este “tú”, es un “Yo legítimo y doliente.
Siempre buscando no terminar de desnudarse. Porque verse sin ropa es otra forma de dolor. Por eso la búsqueda del pronombre.

Te duermes.
Regresas a casa.
Tu madre baña a tu hermana tierna.
Su risa infantil se refleja en el agua…

El regreso es la parte más honda y torrencial del poemario. Aquí ya se han abierto todas las jaulas de su palabra. Aquí ya está legítimamente armada con la voz de una poeta vs. sí misma. Dice:

…no importa que después ya nadie sepa de nosotros,
Pues el absoluto es hoy,
Y en su fuego de relámpago
Brillamos.

La mejor manera de ingresar a lo nuevo es desde la lejanía. Que además es una forma de regreso. Viendo las cosas desde otro tiempo.
Allí aparece una voz poética afrentosa que dialoga en el silencio con sus padres. Y que busca en el recuerdo el sitio exacto donde ocurrió la felicidad y el desasosiego, asimilando la vida ya no con la intensidad cuando ésta fue vivida, sino cuando es recordada:

Le dice a su familia:

Compartimos secretos enterrados como piedras en un hoyo sin fin
Secretos de túnel entre una montaña y el mar
Silencios de mirlo sobrevolando los arbustos que rodean nuestra casa…

Estos poemas vienes despojados de todo tono ambiguo, más bien resultan casi epístolas de fuerza imparable.

Entendemos luego de esta lectura catártica que el regreso es la casa del padre, es el pasado siempre. No es la geografía. Por lo tanto el regreso no será nunca. Nunca, porque si el río es el mismo, diría Heráclito, nosotros ya no somos los mismos:

Esta es la casa del padre
Donde partimos el pan después de su regreso.
Donde lo saboreamos por primera vez
Y por primera vez
Queremos que así sea.

Luego de regresar a lo que no puedes, la realidad te rompe:

Deseas ocasionar la catástrofe que te permita ser, otra vez…

Por lo tanto solo oníricamente, solo en sueños, encuentras en el pasado, la felicidad:

No sé cuanto recorrer para alcanzar la lejanía

Dice la poeta. Sabiendo que el momento de felicidad y el último verso, como diría Zabala Ruiz: No lo sabremos nunca.

La tercera parte del poemario El silencio es la asimilación de todo lo evidenciado a lo largo del Destierro y el Regreso. Es la entrega desgarrada de la voz poética a la poesía. Mirar las cosas con la frialdad del concepto. Volver a la auto confesión y darse de bruces con la realidad:

Voy a mentir
Otra vez
A cantar, intacta,
Como si el cielo y las montañas
Convivieran detenidos en mi cuerpo

En esta parte llega a verificarse su arte poética. Dice:

Le temo a las palabras porque no me sirven

Y luego asume, por herencia, lo que es ahora. Dice:

¿Qué hiciste, madre, para llenarme de palabras?
¿Por qué ya no es posible el silencio?
/…/

Le temo, madre, a tu angustia
Y a las palabras que me enseñaste
Porque no son las que quiero.

Pero el silencio, pese al dolor de no enfrentarlo, termina siendo la palabra:

Ojalá los labios pudieran decir lo que el cuerpo no entiende…

Porque para la voz poética el silencio siempre será el pasado con cara al presente. Dice:

Detén la insistencia de las palabras.

Enciende la luz.

Poemario redondo. Doliente y veraz. Audaz e imprecador consigo mismo.
Poesía que no oculta, que se deja leer en el peldaño del meta lenguaje. Donde la verdad es la poesía. O mejor aún, la poesía es su única verdad. Y los recuerdos el pretexto de su canto.

Ni más ni menos.